Fuertecito no ve la tele

Anatomía de Grey: final de temporada

2011-07-24T22:48:00.020+02:00

There's a reason I said I'd be happy alone. It wasn't 'cause I thought I'd be happy alone. It was because I thought If I loved someone and then it fell apart I might not make it.

En lugar de Fuertecito no ve la tele, este blog quizás debería llamarse Fuertecito va a su ritmo. Ayer mismo terminé la séptima temporada de Anatomía de Grey, después de dejarla unos meses aparcada tras el infame episodio musical -mera circunstancia temporal, no motivo de abandono, aunque casi. La serie de médicos egocéntricos y cachondos ha clausurado su séptimo año sucumbiendo en gran medida a los evidentes síntomas de agotamiento que lleva arrastrando desde hace temporadas. Se hace urgentemente necesaria la conclusión de una historia que, sin haber perdido el norte como otras series igualmente longevas, ya no tiene mucho que ofrecer. Lo que queda en este séptimo año de Grey's es un puñado de personajes sólidos -los supervivientes del Core-5-, y una marea de secundarios simpáticos y atractivos pero prescindibles.

La paulatina conquista del hospital por parte de los nuevos doctores se ha saldado con la pérdida de lo que antaño fueron grandes personajes. Miranda no es ni la sombra de lo que fue, el fuerte carácter de Callie ha sido sustituido por ñoñería insulsa e irritante vulnerabilidad. Solo Meredith, Cristina y Alex, los tres internos originales que permanecen en la plantilla del hospital, se mantienen fieles a su espíritu sin que esto lastre su evolución como personajes. Cuando Meredith lleva el peso del episodio -cosa que rara vez ocurre desde hace años-, la calidad de Anatomía de Grey aumenta. Y cuando comparte escenas con Cristina, se eleva hasta alcanzar sus máximas. Afortunadamente, "Unaccompanied Minor", el último episodio de la temporada, se centra en las decisiones de ambos personajes con respecto a su futuro. Un futuro, profesional y sentimental, que una vez más pende de un hilo.

Si hay algo que destacar de las últimas temporadas de Anatomía de Grey es que a pesar de que en algunos episodios lo parezca, Shonda Rhimes no se ha dormido en los laureles. Que Derek y Meredith hayan sido una de las parejas más sólidas de la televisión hasta ahora indica que la productora no está siempre dispuesta a tomar el camino fácil, el de las crisis continuas, los habituales cambios de pareja, las infidelidades y las rupturas que para muchos definen la serie.

El piloto automático aparece de vez en cuando, pero la hegemonía de sus personajes sobre sí mismos es ejemplar. Lo que fueron tres años de idas y venidas entre la pareja ¿protagonista? dieron paso a cuatro años de estabilidad que dejaba espacio para otro tipo de conflictos más interesantes, los que profundizaban en la psique de los personajes. De esta manera, hemos visto a Meredith siendo puesta a prueba en multitud de ocasiones, y casi siempre por ella misma -"Stairway to Heaven"-, con el incondicional apoyo de su marido -recordemos su primera boda, la del post-it, una de las escenas más conmovedoras de la serie. Sin embargo, todo acaba. Y así vemos en "Unaccompanied Minor" cómo la paciencia de Derek llega a su límite tras descubrir la enorme irresponsabilidad de la doctora, que pone en peligro su carrera y la de su marido. La firmeza y frialdad de Meredith ante acusaciones e inquisitorios cuestionarios muestra la fuerza y la entereza del personaje, a la vez que convierten estas características en su mayor punto débil a la hora de relacionarse y comprometerse. Meredith Grey puede cambiar, puede dejar de ser dark & twisty, pero siempre será Meredith Grey. Y quizás por esto Owen Hunt la describe como "the one universally liked individual in this hospital" a la vez que la mitad de la audiencia la considera el personaje más insoportable de la serie.

Como mellizas a las que le duele la misma parte del cuerpo aunque no estén juntas, Cristina y Meredith atraviesan crisis paralelas impulsadas por las mismas fuerzas: el límite al que están dispuestas a llegar en su compromiso y lo mucho que deben sacrificar de ellas mismas para hacerlo. El embarazo de Cristina y su determinación a la hora de no seguir adelante con él indica a Owen que por mucho que Cristina Yang lo ame y esté dispuesto a cambiar por él, siempre será Cristina Yang. Y sin embargo, tanto Grey como Yang se derrumban ante la soledad que abrazan con tanta soberbia. Lo que parece autodeterminación e independencia no es sino un mecanismo de defensa. Obviamente. Abandonadas por sus maridos, ambas se refugian en lo más sólido que hay en sus vidas, su amistad.

Meredith: He took off, and the hospital gave me a baby. She's upstairs sleeping in some dead kid's porta-crib.
Cristina: Wow. I'm getting an abortion and Owen just kicked me out of my house.
Meredith: What? You're...
Cristina: Pregnant.
Meredith: And you're...
Cristina: Getting an abortion.
Meredith: Well... why didn't you tell me?
Cristina: You had a busy, busy day.

La inquebrantable relación de Meredith y Cristina es quizás lo único realmente reseñable de este final de temporada. El resto de personajes alcanzan los convenientes puntos de inflexión de cara a una nueva etapa, pero los grandes momentos propios de una season finale de Anatomía de Grey brillan por su ausencia. En lugar de eso, las heridas se abren casi sin que nos demos cuenta, y el dolor se nos muestra en brevísimos momentos que pasan desapercibidos: Alex le dice a Lucy "Go to hell"; y Mark golpea duramente a Lexie con "I'm letting you go, Lexie. That means you gotta walk away". El tumulto interior que provocan las decisiones de los doctores contrasta enormemente con el trágico y espectacular final de la temporada anterior. Y sin embargo posee el mismo poder devastador para todos ellos. "Unaccompanied Minor" trata de amortiguar la tragedia y el drama del episodio con la historia de Teddy y ~~Noel~~ Henry -también conocida como Izzie & Denny 2: más larga y peor-, Miranda y el enfermero -a nadie le importa- y sobre todo, con el accidente de avión convertido en la que es probablemente la trama de pacientes más empalagosa de lo siete años de Anatomía de Grey. Y eso es mucho decir. La serie de Shonda Rhimes prepara su octava temporada sin haber confirmado si esta será la última -Ellen Pompeo y Patrick Dempsey sí han declarado que se marcharán cuando finalice. Lo que podemos esperar del próximo curso en el Seattle Grace es con toda seguridad más de lo mismo. Pero no importa, siempre que siga existiendo ese interés por mantener viva la serie y ese admirable esfuerzo por hacer evolucionar a sus personajes sin sucumbir a las estrategias más complacientes.

True Blood, "I'm Alive and on Fire" (4.04)

2011-07-20T20:03:00.006+02:00

Alguien me decía hace poco que en esta nueva temporada de True Blood se están cortando mucho más, que no hay tantos desnudos como antes. Espero que después de ver este episodio haya cambiado de parecer. Eric lleva tres episodios sin ponerse una camisa, y Alcide regresa -esta semana sí, el episodio pasado no cuenta- por todo lo alto, con un prolongado y agradecido plano de despelote. Una hipnotizada Sookie Stackhouse se tiene que dar la vuelta antes de que el hombre lobo se quite los vaqueros -va en plan comando, claro-, pero nosotros tenemos permiso para quedarnos a verlo. Bravo por la gratuidad de la escena. ¿Para qué esconder su naturaleza? Es más, ¿se puede usar el término 'gratuito' hablando de esta serie? Si es un calificativo que ya de por sí me resulta innecesario y estúpido, aplicado a True Blood pierde todo su sentido.

Otra persona me decía que en estos episodios no está pasando nada. Es posible que este cuarto capítulo haya constituido un pequeño bajón de ritmo y calidad con respecto a los anteriores. Si bien no podemos decir que en "I'm Alive and on Fire" no ha ocurrido nada, sí podemos afirmar que lo que ha ocurrido no ha sido tan interesante y, sobre todo, tan divertido como lo anterior. Además, se habría agradecido si se hubiera contado en menos tiempo. Parece que nos adentramos en un tramo de receso narrativo en el que la sensación de transición se potencia. Sin embargo, esto no es razón para que los guionistas se echen a dormir. Pam podría haber dado mucho más de sí ante Marnie; la trama de Arlene pasa de ser una chorrada divertida a una tontería suprema; las escenas que nos dan a conocer mejor a Luna y su drama familiar son perezosas y prescindibles; Tara, Lafayette y Jesús se han pasado el episodio diciendo "hay que hacer algo, no tenemos tiempo". Más de la mitad de "I'm Alive and on Fire" transcurre sin pena ni gloria, a través de breves escenas que profundizan en algunos personajes que no nos interesan -la mencionada novia de Sam, o la de Alcide, por ejemplo. Pero sigue quedando tiempo para buenos momentos.

Uno de los aspectos más positivos del episodio -con permiso de Alcide- es que la trama de Jason, o al menos su primera parte, haya concluido al fin. La cautividad del hermano de Sookie se estaba prolongando en exceso y no daba mucho más de sí. Jason se escapa de Hotshot gracias a una de las niñas del poblado, a la que convence de que debe esperar al chico y el momento ideal para perder la virginidad. Un mensaje conservador que chirriaría sobremanera de no ser porque lo escuchamos en una escena en la que una niña está a punto de ser inseminada por un hombre atado y violado en un ambiente enormemente insalubre, con el propósito de preservar una especie de hombres-pantera. Jessica y Hoyt encuentran a un Jason moribundo en la carretera, y la vampira le hace beber sangre. Esto probablemente sea el comienzo de una muy jugosa nueva trama. Quizás deberían hacer lo mismo con el resto de historias, y darles un empujón a modo de golpe de efecto o giro que abra nuevas direcciones a seguir por los personajes. Es tal vez lo que ha ocurrido con la de Tommy, capturado por su madre y su padrastro. Todo apunta a que podría ser la trama de rapto sustituta de la de Jason, además de dejar claro que Alan Ball sigue empeñado en mostrarnos la cara más deformada y sucia de la América profunda, la de los paletos descerebrados y el salvajismo enraizado en la fe y los lazos familiares.

Actualmente, Sookie y Eric siguen siendo lo mejor de True Blood. El dúo no resulta tan hilarante como en el episodio anterior -claro que también tienen menos presencia- pero protagoniza momentos memorables que siguen sacando buen partido de su química, para hacernos reír (Sookie: "Did you just pinch my butt?) o para enternecernos (Eric: "If you kiss me, I promise to be happy"). Eso sí, al igual que Buffy pertenecía a Angel -por mucho que a los fans de Spike nos duela-, Sookie es de Bill -por mucho que a los fans de Eric nos duela. Y cuando el vampiro aparece en casa de Sookie buscando a Eric, ella no puede esconder la emoción por volver a verlo. Sin embargo, si Bill pretende recuperarla, no ayuda haber dudado de la honestidad de su ex prometida -aunque ella lo merezca-, y mucho menos haberse estado tirando a su su tatara-tatara nieta. La semana que viene, con suerte, seguiremos asistiendo al acalorado baile de Sookie entre los brazos de esos tres señores. Bill, Eric, Alcide: Paquin, cómo te estarás poniendo.

Guía para los estrenos TV 2011-2012

2011-07-13T17:52:00.014+02:00

Para este año y el que viene las networks han (sobre)cargado sus parrillas de nuevos estrenos. Por desgracia, la mayoría no son más que morralla que huele a cancelación desde el primer segundo del tráiler. Sin embargo, también hay cosas muy interesantes. Yo ya he destacado las series que tengo muchas ganas de ver. Son siete y podéis leer mis pre-análisis en entradas anteriores a esta. Ahora os invito a que realicéis vuestra propia criba -cada título va enlazado a su tráiler o preview en YouTube- y me contéis a qué series pensáis dar una oportunidad y cuáles no vais a tocar ni con un palo.

2 Broke Girls (CBS): Primera de las sitcoms de risas enlatadas destinadas a darse el batacazo este año. Kat Dennings debería ser reclamo suficiente, pero no. Estreno: 19 de septiembre (junto a Two and a Half Men, estrategia que no va a servir de nada).

Alcatraz (FOX): Sin duda uno de los estrenos más esperados de la temporada, gracias en gran medida al sello Abrams -generador absoluto de hype, pero no necesariamente de calidad. Con uno de los muchos actores de Perdidos buscando un nuevo hit televisivo, Jorge García, y una vieja cuasi-gloria cinematográfica, Sam Neill, Alcatraz es un thriller de ciencia ficción sobre la misteriosa reaparición, después de cinco décadas perdidos, de cientos de prisioneros y guardas de la famosa prisión norteamericana. Aburrimiento. Estreno: midseason.

Apartment 23 (ABC): Tanto por factura como por temática, bien podría estar en la CW. El mayor interés recae en volver a ver en la tele a James Van Der Beek (Dawson) y en la divertidísima Krysten Ritter. Puede que no sea desastrosa del todo. Estreno: midseason.

Are You There, Vodka? It's Me, Chelsea (NBC): Comedia protagonizada por Laura Prepon (Aquellos maravillosos setenta), sobre una chica salvaje que se replantea su vida después de ser arrestada por conducir borracha. Huele a Earl versión femenina, y aunque no parece desastrosa y puede hasta gustar, no me interesa lo más mínimo. Estreno: midseason.

Awake (NBC): Destacada Ver artículo en este blog.

Bent (NBC): La cadena la vende como "una nueva comedia romántica sobre dos personas que de repente se sienten atraídas la una por la otra, a pesar de que cuentan con los atributos que normalmente desprecian". Y sale Amanda Peet. Si la veis, no me habléis. Estreno: fecha desconocida.

BFF (Best Friends Forever) (NBC): Sobre una mujer que vuelve a Nueva York después de vivir muchos años a miles de kilómetros de su mejor amiga. Crisis de los cuarenta, el sentido de la vida, bla bla bla. No la verá nadie. Estreno: fecha desconocida.

Charlie's Angels (ABC): La pediatra insoportable de la última temporada de Anatomía de Grey, la tía insoportable de Friday Night Lights y una negra, en la serie que todo el mundo quiere perderse. Pero atención, Drew Barrymore está en la producción, y esto no puede pasarse por alto. Espero humor estúpido y mucha auto consciencia. Quién sabe... Estreno: 22 de septiembre (coincidiendo con el 35 aniversario del estreno de la serie original).

Free Agents (NBC): Hank Azaria vuelve a la comedia televisiva con una serie sobre dos relaciones públicas, un divorciado y una viuda, que se sentirán irremediablemente atraídos. No durará ni tres episodios. ¡Pero sale Anthony Stewart Head! Estreno: 14 de septiembre.

A Gifted Man (CBS): Batiburrillo de clichés aburridos protagonizado por Patrick Wilson y con Julie Benz en el reparto. Se trata de un drama sobre un doctor que ve a su ex-mujer fallecida, lo que le llevará a cuestionarse su vida. No necesitáis saber más, ¿verdad? Estreno: fecha desconocida (tampoco queremos saberla).

Good Christian Belles (ABC): Dos palabras: Kristin Chenoweth. ¿Será la menuda pero enorme actriz suficiente para que nos traguemos esta serie para marujas modernas? Lo dudo mucho. Estreno: midseason.

Grimm (NBC): Como ocurre con Awake y A Gifted Man, Grimm forma pareja con Once Upon a Time, por tratar temas y argumentos casi idénticos -pensad en la de estrenos que hay este año como para que haya tantas coincidencias. Un policía descubre que es un descendiente de los Grimm, un grupo de "cazadores" que luchan contra criaturas del mal provenientes de los cuentos de hadas. Avalada por "los productores de Buffy y Angel" y con un tono muy parecido a Sobrenatural -humor de sobrado, misterios predecibles-, Grimm parece ser otra serie que alternará una trama principal con los habituales Monsters of the Week. Me quedo con Once Upon a Time, por parecer un producto mucho más franco. Estreno: midseason.

Hart of Dixie (CW): Jason Schwartz, creador de OC, Chuck o Gossip Girl, vuelve a la CW con una comedia protagonizada por su Summer Roberts (o sea, Rachel Bilson), una niña bien, sacada de su hábitat natural y forzada a vivir en una pequeña comunidad. Como siempre, veremos un capítulo y lo habremos visto todo. Así que mejor no perder el tiempo. Estreno: 26 de septiembre.

How to Be a Gentleman (CBS): Sitcom protagonizada por una suerte de Barney Stinson dividido en dos cuerpos, un columnista de moda chapado a la antigua y un bala perdida, que tratarán de convertir el uno al otro en un caballero y en un hombre respectivamente. Ignoradla. Estreno: fecha desconocida.

I Hate My Teenage Daughter (FOX): Jamie Pressly es una de las dos protagonistas de esta comedia de situación sobre dos madres que tienen que lidiar con los problemas y las inseguridades que les causan sus hijas adolescentes. La presencia de Pressly, merecidamente elogiada y premiada por su Joy Turner de Me llamo Earl, busca ser la estrella, pero le queda todo un poco grande. Triste. Estreno: 23 de noviembre.

Last Man Standing (ABC): Tim Allen intentando recuperar sus días de gloria televisiva con una sitcom "de las de toda la vida". Prefiero agujas en las uñas. Estreno: 11 de octubre.

Man Up (ABC): Tres adultos con complejo de Peter Pan intentan madurar para adaptarse al mundo que pertenecen. Agotada desde la premisa. Pereza absoluta. Ni os molestéis. Estreno: 18 de octubre.

Missing (ABC): Ashley Judd protagoniza un thriller en el que una madre busca a su hijo desaparecido -¿a que ahora el título os parece mucho mejor? La mismísima Ashley os presenta la serie en el tráiler y dice cosas como "my past comes back to haunt me". ¿Puede ser más patética? Estreno: fecha sin confirmar.

Once Upon a Time (ABC) Destacada Ver artículo en este blog.

The New Girl (FOX): Destacada Ver artículo en este blog.

Pan Am (ABC) Destacada Ver artículo en este blog.

Persons of Interest (CBS): Thriller basado en una historia escrita por J.J. Abrams y Jonathan Nolan (Memento), producida, entre otros, por ellos mismos, y protagonizada por Jesucristo y Michael Emerson -otro lostie reubicado. Después del fiasco de Undercovers, Abrams lo vuelve a intentar con una historia de investigación criminal en la que un programa informático predice asesinatos que aún no ha ocurrido -¡revolucionario concepto! Las expectativas son muy positivas, pero a mí me da una pereza... Estreno: 22 de septiembre.

The Playboy Club (NBC): Burdo sucedáneo de Mad Men con un Don Draper de baratillo. Más década de los sesenta, pero sin interés. Estreno: 19 de septiembre.

Prime Suspect (NBC): Otra policíaca que de no ser por venir firmada por el responsable de Friday Night Lights -la mejor serie que no estás viendo- y protagonizada por Maria Bello, evitaría a toda costa. Estreno: 22 de septiembre.

Revenge (ABC): Otro thriller de pasados que vuelven a atormentarte, como Missing -y además con un título igual de original- que deviene en serie de marujas modernas. En definitiva, otra serie de ABC. O peor aún, un mash-up de sus otros estrenos. Basada en El conde de Monstecristo, cuenta con Madeleine Stowe y Marc Blucas (nuestro odiado Riley Finn). Estreno: 21 de septiembre

Ringer (CW): Destacada Ver artículo en este blog.

The River (ABC): Coges un poco de docudrama, terror cámara en mano y, por supuesto, misterios a lo Lost. Lo metes en una coctelera, lo agitas fuerte y te sale esta cutrez casposa. Para salir corriendo. Estreno: midseason.

Scandal (ABC): Tras dos intentos fracasados de salirse del drama médico, Shonda Rhimes lo vuelve a intentar con una serie de abogados "que no son abogados" y que deben "arreglarse" a sí mismos a la vez que arreglan el país. Suena horrible, y puede que lo sea. Pero algo me dice que va a ser un éxito. Sale Henry Ian Cusick, quizás sea eso. Estreno: midseason.

The Secret Circle (CW): Brujas adolescentes. Kevin Williamson, retírate ya, por tu bien y por el nuestro. Estreno: 15 de septiembre

Smash (NBC): Destacada Ver artículo en este blog.

Suburgatory (ABC): Un cuarto de Glee, otro de serie de menopáusicas, uno de Mean Girls y otro de comedia adolescente made in Apatow. El humor que deja entrever el tráiler es tan estúpido que puede que hasta "un cuarto" de la serie no esté mal del todo. Sale Jeremy Sisto. Estreno: 28 de septiembre.

Terra Nova (FOX): Destacada Ver artículo en este blog.

Unforgettable (CBS): Serie policíaca sobre una mujer que sufre hipertimesia, enfermedad/don que permite al afectado recordar absolutamente todo. Me parece increíble que se sigan haciendo series así. Estreno: 20 de septiembre.

Up All Night (NBC): Oooootra comedia de Christina Applegate. Ella es encantadora, no lo niego, pero ¿en serio se merece tantas oportunidades? Estreno: 14 de septiembre.

Whitney (NBC): ¿En qué coño está pensando la NBC este año? Estreno: 22 de septiembre.

Wortk It (ABC): Un insulto de proporciones mastodónticas ¿En serio van a estrenar esto? No digo nada, solo ved el tráiler. Me desligo de cualquier responsabilidad si os da una embolia. Estreno: fecha desconocida.

Adelantos 2011-2012: Awake

2011-07-13T17:00:00.004+02:00

Trust me, when it comes to letting one of them go,

I have no desire to ever make progress.

Si hay un estreno que despierte en mí verdadera y absoluta expectación es Awake. Las otras seis series que he destacado -por razones más o menos personales- cuentan con atractivos lo suficientemente jugosos como para no perderlas de vista -y yo voy a verlas más allá del piloto, estoy seguro. Sin embargo, es Awake la obra que más me atrae en conjunto, en lugar de llamarme la atención por la presencia de un actor, un productor o por la expectación generada a su alrededor. La serie protagonizada por Jason Isaacs -señor atractivo donde los haya- parece tener una factura impecable, y si el tráiler -el mejor que he visto- no nos engaña, no solo el envoltorio va a ser bonito. Estamos quizás ante una serie que podría haberse estrenado en HBO y a nadie le habría parecido raro. Y eso, señores, son palabras mayores.

A priori, el argumento de Awake no es precisamente revolucionario ni va a sorprender a nadie. Es el tono melancólico y conmovedor, la fuerza de su protagonista y los impecables valores de producción lo que va a hacer de esta historia una cita imprescindible para el seriéfilo durante 2012. El agente de policía Michael Britten (Isaacs) sufre un accidente de coche junto a su mujer y su hijo -el hijo de Jack Shephard en Lost. Tras despertar, comienza a vivir en dos realidades alternativas, una en la que su hijo está muerto y su mujer viva, y otra en la que es su mujer la que falleció en el accidente. Con la ayuda de dos psicólogos, Michael tratará de entender lo que le ocurre. Sin embargo, decidirá que, a pesar de ser consciente de estar sufriendo un grave trastorno psíquico, prefiere no hallar la verdad y habitar las dos realidades a la vez, y de esa manera no perder a ninguno de sus seres queridos. El problema empieza cuando comienza a descubrir extrañas coincidencias entre ambos mundos. La profesión del protagonista sitúa la serie en el anquilosado terreno policíaco. Esperemos que Awake sea capaz de trascender los tópicos de las series del género y nos brinde un producto realmente distinto y único. Materia prima no le sobra.

Si me paro a observar detenidamente los innegables paralelismos con Inception, no puedo evitar el temor a que la serie no sea más que un thriller enrevesado y efectista que se apoye más en la acción que en la introspección. Sin embargo, si el tráiler es indicio alguno, creo que puedo estar tranquilo, pues parece que ambos aspectos van a estar combinados con tino. Sin dejar de lado el misterio y lo que parece ser un exquisito tratamiento de la acción -o precisamente con estos aspectos como principales herramientas-, conoceremos a fondo el interesante mundo interior del protagonista. Solo queda cruzar los dedos para que la NBC, que este año se ha lucido con los pilotos que va a estrenar, le dé el voto de confianza que se merece, aunque solo sea por Isaacs, carne de premios seguros. A pesar de que corre el riesgo de alargarse indebidamente -al menos se estrena en la midseason- y convertirse en una serie policíaca más -esto contando con que el público responda-, Awake está llamada a ser la revelación de la temporada 2011-2012.

Adelantos 2011-2012: Smash

2011-07-13T11:10:00.005+02:00

La nueva serie musical de NBC juega sobre seguro. El primer nombre que vemos en el tráiler de Smash es el del productor ejecutivo, Steven Spielberg, que como ya habíamos concluido en entradas anteriores, no significa absolutamente nada aparte de que hay dinero en el proyecto. La ausencia de riesgo se pone de manifiesto cuando la primera canción que escuchamos es "Somewhere Over the Rainbow", tema de audiciones por excelencia que nos remite directamente a Broadway, a pesar de provenir de una película. Lo que viene después parece ser una historia de superación y ascenso que no esconde su naturaleza esencialmente clasicista. Y quizás ahí se halle la garantía del éxito de Smash, en trasladar a la televisión todos los elementos, sin alterar, de un género cuyas férreas bases rara vez son modificadas. ¿Por qué cambiar lo que suele funcionar?

A medida que se acerca el estreno, las comparaciones con Glee son tan abundantes como absurdas. Probablemente Smash deba en gran medida su existencia al éxito de la serie de Ryan Murphy, pero a juzgar por el tráiler, ambas se encuentran en ligas muy distintas. Para empezar, lo que podemos esperar de la serie de NBC es una base de realismo con la que Glee no cuenta y en la que la comparación se debería detener. En Smash asistiremos a audiciones, ensayos y representaciones en Broadway, además de escuchar canciones originales -compuestas por Marc Shaiman y Scott Wittman. Está por ver si los protagonistas se arrancarán espontáneamente en números musicales o una banda de músicos aparecerá de la nada para acompañarlos allá donde vayan, pero de alguna manera, lo dudo.

La serie está protagonizada por la antigua concursante de American Idol Katharine McPhee, que interpreta a Karen, aspirante al papel protagonista del nuevo musical sobre Marilyn Monroe en Broadway. Como novata, deberá enfrentarse a los palos que da el mundo del espectáculo, y luchará por el papel con Ivy -¿Megan Hilty o María Lapiedra?-, que ya cuenta con años de experiencia en el mundillo. La lucha entre el bien y el mal, es decir, rubia vs. morena, está garantizada, así como los lugares comunes más explotados del género. Por otra parte, los valores de producción de Smash son envidiables, y el reparto brilla particularmente en el apartado de los veteranos, con Debra Messing y la enorme Anjelica Huston, que bien podría aparecer en todos los episodios sentada, sin abrir la boca, únicamente meciendo su recta media melena y sería suficiente reclamo para jurar fidelidad a la serie. Está previsto que Smash se estrene en la mid-season de NBC -aún no hay fecha definitiva- para hacerla coincidir con el concurso de talentos musicales, The Voice. Está todo cantado.

Adelantos 2011-2012: Ringer

2011-07-13T09:54:00.007+02:00

Sarah Michelle Gellar lleva ocho años, exactamente los que hace que dejó de ser la cazavampiros, intentando encontrar su lugar en el mundo de la interpretación. Por ahora no ha tenido suerte. Podríamos achacarlo a sus malas decisiones, pero lo cierto es que Gellar es un talento difícil de ubicar y por tanto, de vender. O lo que es lo mismo, sin eufemismos, Sarah no es la mejor actriz del mundo, sino más bien una intérprete solvente pero inestable. Destacando más en drama, y de vis cómica forzada, la actriz ha participado en cosas como Scooby Doo y El grito, granjeándose una bien merecida popularidad como actriz de segunda. A pesar de todo esto, muchos de vosotros daríais a Sarah Michelle todas las oportunidades del mundo. Yo lo haría, y lo haré siempre que haga falta. Después de todo, y por mucho que ella quisiera desvincularse de su pasado televisivo, ella es y siempre será la Cazadora.

Además de en su trabajo en el cine, Gellar ha estado centrada en menesteres hogareños, dedicándose en cuerpo y alma a su marido y disfrutando de la maternidad. Han sido años de alegrías personales, pero el éxito en el terreno profesional es esquivo y está a punto de pasársele el arroz -interpretativamente hablando, triste pero cierto. Ha tardado en desistir de su periplo cinematográfico, pero por fin ha decidido volver a la televisión, el único lugar en el que, hoy por hoy, puede destacar. Quizás para allanar el terreno o simplemente porque tarda un poco más que la media en darse cuenta de las cosas, Sarah Michelle asistió por primera vez desde que concluyó Buffy a un evento relacionado con la serie -el Paley Television Festival '08. De esta manera comenzaba su regreso a la tele, después de su auto-impuesto destierro. La actriz vuelve como protagonista absoluta -y por partida doble, para compensar- en Ringer, uno de los nuevos estrenos de The CW, la que fue su casa durante años en su anterior etapa televisiva -cuando las cadenas WB y UPN aún no se habían fusionado.

Ringer supone una oportunidad idónea para una actriz de sus características, sobre todo ahora que la CW parece estar aumentando la edad de los protagonistas en algunas de sus series, con el propósito de ampliar su público objetivo -Nikita es una vieja en comparación con los demás habitantes de CW, y aún así ha funcionado. La premisa de Ringer es algo algo descorazonadora, pero podría esconder potencial. Parece una revisión en clave de thriller de El príncipe y el mendigo, en la que Gellar interpreta a Bridget, una mujer perseguida por la mafia que ocupa el lugar de su hermana gemela rica, Siobhan -también interpretada por Sarah-, tras su muerte. Ringer no es sino la plataforma perfecta para el lucimiento de su protagonista, gracias a un género al que le es fácil adecuarse y un personaje doble con el que se le debió hacer la boca agua. El problema es que Ringer es, como casi todas las series de CW, un producto más serio de lo que debería. El tráiler deja entrever un componente de drama casposo que puede espantar al más dispuesto. La intriga y los giros sorprendentes están servidos, así como los efectos visuales más irrisorios -Bridget y Siobhan en la lancha, me duelen los ojos. Sarah Michelle Gellar, sin embargo, vuelve más contenida y madura, y eso es suficiente reclamo para darle una oportunidad a una serie que de no ser por su presencia ni me molestaría en descargar.

Ringer también cuenta en su plantilla con Ioan Gruffudd y Nestor Carbonell, y se estrena el 13 de septiembre.

True Blood, "If You Love Me, Why Am I Dyin'?" (4.03)

2011-07-12T10:32:00.006+02:00

Con tan solo tres episodios emitidos, la cuarta temporada de True Blood ya es mejor que la anterior. Uno de los mayores aciertos de la tercera, Russell Edgington, es por suerte el mayor resquicio de las tramas pasadas. Las consecuencias de su ida de olla en televisión -sin duda uno de los momentos más inolvidables de True Blood- cimentan el arco general de la temporada, que nos muestra cómo el acto terrorista/travesura de Edgington ha hecho mella en la sociedad y ha potenciado enormemente el odio y el terror a los vampiros por parte de los humanos. Por tanto, los años de esfuerzo del lado de los vampiros asimilacionistas se van al garete, y ahora es más difícil que nunca convencer a la población de que los fangs son capaces de convivir en armonía con los humanos. Para ello, existen leyes dentro de la comunidad vampírica, y penas extremas por saltárselas. Como vemos en el episodio de esta semana, Bill es ahora el responsable de aplicar estas penas. Que el rey de Louisiana advierta a su antigua protegida, Jessica, de que no evitaría su ejecución de no cumplir con la ley demuestra lo lejos que están dispuestos a llegar los vampiros para ser aceptados por una sociedad que los rechaza por sistema. Como ya vimos en "You Smell Like Dinner" (4.02), los altos mandos ya han puesto en marcha un plan para paliar los efectos del Edgington-gate.

Sin embargo, lo más importante del episodio no es esto, sino la divertida y enternecedora relación entre una cada vez más cínica e implacable Sookie -sus brotes violentos son fascinantes- y un desamparado Eric, que deambula como un niño gigante tras el embrujo de Marnie -que, contrario a lo que yo teorizaba, no lo ha resucitado, aunque aún no está claro lo que ha sucedido. Eric es la imagen de la inocencia inadulterada, al menos hasta que saca los colmillos -pide perdón por ello, como por todo, y nosotros nos lo queremos comer- y a Sookie está claro que le gusta, le gusta mucho, y no puede ocultar su expresión de ternura y/o calentura cuando lo mira -le hace cosquillas al lavarle los pies y todos suspiramos al unísono con Sookie. Por fin se está explotando una relación que llevaba tiempo destinada a convertirse en una de las favoritas del universo True Blood. La química entre ambos es innegable, y lo que es mejor, forman un dúo cómico brillante. Ejemplos: "I know I'm a vampire, Snookie!" (Snookie>Sssssokie); "Don't step on the rug!") No obstante, ella sigue empecinada en que no será propiedad de Eric, pero cada vez lo dice con la boca más pequeña. Para proteger a ~~Spike~~ Eric ahora que es inofensivo, la Stackhouse acude a Alcide, quien ha vuelto con su antigua novia, la adicta al V, presuntamente rehabilitada. Sookie, visiblemente decepcionada -vaya, que es muy transparente la chica- retira su grito de ayuda y se marcha. En mi salón se pudo oír "¡Quítate la camisa ya!" y "¿qué sentido tiene que salga por fin Alcide si no se va a despelotar?" Pues eso.

Los shapeshifters paletos resultan ser una comunidad basada en el mito y la leyenda y nos cuentan la historia de sus antepasados, de unos tales Ghost Dad y Ghost Mom -o algo así, qué más da-, y de cómo necesitan un nuevo Papá para preservar su orgullosa estirpe. Todo esto envuelto en un halo de Matanza de Texas que podría perturbar y fascinar -es lo que pretende-, pero simplemente aburre. Además, la demencia de Crystal se me antoja absurda hasta para los cánones de True Blood. Solo la escena en la que Jason se despierta con la loca cabalgando sobre él y las paletas haciendo cola para ser inseminadas -una de ellas lleva un ramo de flores, adorable- logra impactar mínimamente.

Los demás personajes es lo que ocurre entre acto y acto protagonizado por Eric y Sookie: Sam y Tara se reencuentran, y él flirtea con ella sin saber que se ha cambiado de bando -Tara feliz y amable me da escalofríos. Tommy, el hermano de Sam -que empieza a despertar los instintos primarios de los espectadores más cachondos, como antes no estuviera bueno-, quiere aprovecharse de Maxine Fortenberry, para quien el chaval es un sustituto de su hijo, o una pieza más de su colección de muñecas, según como se vea. Sam se encarga de hacerle revisar su moral, algo que no servirá para nada, claro. Marnie -fabulosa Fiona Shaw- se las basta solita para invocar al más allá, lo que traerá consecuencias desastrosas sin duda. Pam y su hombrera, ambas cada vez más grandes. Nos conmueve enormemente la sumisión absoluta hacia su maker, Eric -a quien obedece ciegamente, por mucho que le cueste, por ejemplo, sonreír a Sookie. Lafayette acaba otra vez en el sótano de Fangtasia a merced de Pam -lágrimas de emoción y risas locas al ver de nuevo a la camarera que grita. Y volvemos, para terminar, a Eric y Sookie. El hada madrina de la camarera reaparece para llevársela, pero el vampiro lo evita al matarla. "If You Love Me, Why Am I Dyin'?" concluye como había comenzado, explotando la vis cómica de la pareja, con un breve diálogo para la posteridad:

Sookie: You just killed my Faerie-Godmother!

Eric:

Adelantos 2011-2012: Once Upon a Time

2011-07-11T15:51:00.007+02:00

"Every story in this book actually happened,

you should know more than anyone"

En este repaso por lo que yo considero lo más destacado de la temporada televisiva 2011-12, estoy comprobando cómo las networks están dispuestas a correr mil y un riesgos en pos de una parrilla llena de estrenos originales y únicos -que como todos sabemos, acabarán siendo más de lo mismo en un 98%. Once Upon a Time es uno de los estrenos más interesantes de ABC, en gran parte porque es ~~una~~ otra serie que encajaría mejor en una cadena privada o especializada. Y esto supone un reto que a mí me resulta enormemente atractivo: lograr acercar los géneros más minoritarios al gran público.

Once Upon a Time cuenta la historia de un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra, Storybrooke, que no es sino una dimensión paralela al mundo de las hadas donde habitan alguno de los personajes más conocidos de los cuentos, sin consciencia alguna de sus verdaderas identidades. La premisa recuerda enormemente al Fábulas, imprescindible cómic de Vertigo en el que los personajes de los cuentos de hadas conviven en una comunidad secreta en Nueva York, ocultando sus identidades a los mundanos. La serie de ABC parece combinar dos de las tendencias más importantes en el drama televisivo desde los noventa: el retrato coral de pequeñas comunidades y los grandes misterios llenos de giros y preguntas. No en vano, Once Upon a Time se publicita como "una serie de los guionistas de Lost".

El reparto es uno de los mayores atractivos de la serie. Jennifer Morrison, antigua doctora al servicio de Gregory House, es la protagonista, la "elegida" para salvar el mundo de los cuentos y el mundo real. La serie cuenta además con Robert Carlyle -al que vimos hace poco en Stargate Universe-, y una de mis mayores obsesiones, Jamie Dornan. La presencia del modelo con ínfulas de actor garantiza mi fidelidad hasta que la serie acabe, sea cancelada, o como mínimo, hasta que su personaje -el sheriff del pueblo- muera. Lo cierto es que dejando a un lado los debates sobre la originalidad de la propuesta o la presencia de actores fetiche, Once Upon a Time no parece querer engañar al espectador. La serie será lo que parece, pura fantasía de irresistiblemente cutre factura SyFy para el disfrute de toda la familia, sin olvidar al masivo público geek. Por desgracia, durará poco. Estreno: 21 de octubre.

Adelantos 2011-2012: Terra Nova

2011-07-11T14:07:00.008+02:00

"Welcome to paradise"

FOX arriesga. Y esa es una de las razones por las que a menudo sus series no funcionan de la manera esperada. Eso, y que la propia cadena no termina de confiar en el potencial de sus nuevas apuestas. Con Terra Nova pueden ocurrir dos cosas: que se convierta en el fenómeno televisivo del año -algo dudable, teniendo en cuenta la cantidad de sucedáneos de Lost ya desterrados de la memoria colectiva- o que fracase por no ser capaz de aguantar las exigencias de la ciencia ficción y su naturaleza de superproducción -me temo que la serie corre el riesgo de caer en el ridículo. Con suerte, puede que lo que FOX tenga preparado no sea más que una serie de aventuras sin más parafernalia que la acción más pura y el espectáculo de altísimo presupuesto, y que de esta manera, la serie atraiga a fieles con ganas de pasar un buen rato, sin más. Por tanto, cabe una tercera posibilidad: que Terra Nova se asiente como una apuesta sólida para toda la familia y que FOX la trate como tal.

Avalada por el Dios del género de aventuras, Steven Spielberg -en este caso, y como viene ocurriendo desde hace tiempo en televisión, solo una etiqueta- Terra Nova contará con 13 episodios iniciales, rodados en Australia el otoño pasado. La FOX encargó el lote completo, en lugar de un piloto, por obvias razones presupuestarias. Y por las mismas razones, su estreno en mayo de este año fue pospuesto hasta la nueva temporada otoñal, alterando considerablemente las expectativas y aumentando la impaciencia del personal. La historia de Terra Nova está ambientada inicialmente en la Tierra de 2149, cuando toda forma de vida se encuentra en peligro de extinción. Para salvar a la raza humana, la ciencia desarrolla un portal que permite viajar 85 millones de años atrás en el tiempo. Comienza así la colonización de Terra Nova, liderada por Jim Shannon -un insoportablemente guapo Jason O'Mara-, padre de familia barra héroe. La presencia de los dinosaurios -a ver cómo nos explican por qué viajar a esa era- hace la tarea más difícil. Suena estúpido, ¿verdad? Y quizás lo sea. Pero prefiero no juzgar antes de ver el primer episodio. Puede que nos llevemos una sorpresa.

Con ecos de Battlestar Galactica -colonias interespaciales-, Perdidos -ver plano de éxodo sacado directamente de la serie de Abrams-, Minority Report, A.I. Inteligencia Artificial -los diseños de producción de la serie recuerdan enormemente a ambas-, y por supuesto, Parque jurásico, Terra Nova se revela como una de las series más ambiciosas de la historia de la televisión norteamericana. Los efectos especiales jugarán un papel crucial en la suerte de la serie. Que no veamos apenas dinosaurios en el tráiler puede responder a la necesidad de crear expectativas, pero también a no generar prematuras reacciones negativas -el cuellilargo que aparece a la mitad me da muy mala espina. Sin embargo, lo más importante es contar con una historia que garantice la fidelidad del espectador, y el próximo 26 de septiembre comprobaremos si Terra Nova nos ofrece algo más que espectáculo visual y efectos digitales.

Adelantos 2011-2012: The New Girl

2011-07-11T12:32:00.008+02:00

"I was going for like a hot farmer's daughter kind of thing.

You know, like 'oh, I'm going to go milk my cows"

Anteriormente titulada Chicks and Dicks -horrible título donde los haya-, The New Girl -aún más horrible- es una de las apuestas de FOX por las comedias buenrollistas de amigos veinte y treintañeros. Este género, por más que insistan las cadenas, está completamente acabado, a menos que se halle un revulsivo en forma de transgresión o reinvención que las vuelva a poner en el mapa -y no parece que haya intención. The New Girl, sin embargo, parece ser más que una comedia romántica de amiguetes en la gran ciudad. Es, ante todo, la serie de Zooey Deschanel. La fuerza y el irresistible encanto de la actriz son las bazas más importantes con las que cuenta The New Girl, que, si no fuera por su presencia, tendría menos interés que Jack y Jill.

La premisa de la serie es cuanto menos simple y perezosa. Jess (Deschanel) descubre que su novio le está siendo infiel y se marcha de casa. Acaba compartiendo piso con tres solteros cachondos -sobre todo uno-, que ven a Jess como una oportunidad perfecta para conocer chicas -en concreto modelos. Sin embargo, Jess convertirá sin querer a Nick, Schmidt y Coach en sus protectores. El trío pronto descubrirá que ella no es una chica cualquiera, que no es una chica normal. Ella es algo nuevo, algo único -bobalicona, payasa, inocente, maravillosa-, y eso parece compensar el gran esfuerzo que supone cuidar de ella. Juntos, cómo no, aprenderán muchas cosas sobre el amor, la amistad y la vida en general. Como debe ser.

A juzgar por el tráiler que lleva circulando ya tiempo, la serie de FOX parece dispuesta a descargar todo su peso en los hombros de la Deschanel, a sabiendas de que de otra manera, tendrían un batacazo seguro en sus manos. Y el oráculo televisivo me dice que es una apuesta segura. Si no, mirad el tráiler y atreveos a decirme que Zooey no grita "dadme my Emmy y mi Globo de Oro YA" en cada fotograma. The New Girl se estrena el 25 de septiembre, y creo que os debéis a vosotros mismos ver al menos el piloto. Si no estáis enamorados ya de Zooey, lo estaréis después de verla cantar "The Time of My Life". Marry me, Zooey.

Adelantos 2011-2012: Pan Am

2011-07-11T10:45:00.012+02:00

"It's not you, it's a promise of you"

Con esta entrada inauguro un especial por episodios dedicado a los estrenos televisivos más destacados en Estados Unidos de cara, o bien al otoño de 2011 o a la próxima mid-season (a primeros de 2012). Comienzo con una de las series que más expectación está causando, Pan Am.

La cadena generalista ABC, como todas las networks, manifiesta una clara tendencia a seguir los dictados de las imparables cadenas de cable y de pago. AMC se ha convertido en apenas tres años en una seria competidora para HBO, con productos del calibre de Breaking Bad, The Walking Dead, Rubicon y -sabíais adónde iba a parar-, la celebradísima Mad Men. En la tele todo se copia. Rara vez aparece una serie que se pueda considerar original y no una revisión, reinterpretación, vuelta de tuerca o directamente plagio. Y a pesar de eso, la calidad no tiene por qué ser esquiva. Es muy habitual adoptar estéticas punteras, seguir los postulados de las modas catódicas. Y esto es lo que ha hecho ABC con Pan Am, su serie sesentera.

Ambientada en la Nueva York de los sesenta, la serie se centra en las vidas de los trabajadores de la exitosa nueva aerolínea Pan Am. Las relaciones entre pilotos y azafatas serán el núcleo de las tramas, que por la naturaleza de la serie, se verán con toda seguridad salpicadas de debates acerca del papel de la mujer -y del hombre- en la sociedad. Mad Men ha puesto imposible destacar en este departamento, pero no cuesta darles un voto de confianza. Sobre todo teniendo en cuenta lo que podemos ver en el tráiler (al final de esta entrada). Las azafatas de Pan Am son las secretarias de Mad Men. Sumisión, palmadas en el culo y sueños de ocupar un lugar en la vida que no sea el de esposa esclavizada y mamá conejo. Quizás no les salga mal del todo.

Ya hemos comprobado que en televisión el girl power de los sesenta es quizás el que más fuerza tenga a la hora de hacer llegar el mensaje de emancipación femenina. ABC lo sabe y si el tráiler no engaña, parece que este aspecto va a ser bien explotado -"I'm not looking for a husband"; "People have underestimated me my entire life, and they've been wrong". Sin embargo, siendo ABC, la serie corre el riesgo de estirarse demasiado y perderse exclusivamente en las relaciones entre personajes, desluciendo el conjunto y desvirtuando el mensaje.

Pan Am cuenta entre sus credenciales con gente involucrada en Urgencias y El ala oeste de la Casa Blanca, además del estreno como protagonista televisiva de la sobreactuada pero encantadora Christina Ricci. La serie se estrena el 25 de septiembre. Abrochaos los cinturones, ~~vuelven~~ continúan los sesenta.

True Blood, "You Smell Like Dinner" (4.02)

2011-07-10T15:48:00.010+02:00

Esta noche tenemos nueva dosis de sangre fresca, y antes de consumirla y perder los sentidos, permitid que os cuente mis impresiones sobre el episodio 4.02 de True Blood. He oído y leído varias opiniones que coinciden en señalar que "You Smell Like Dinner" es más divertido y ágil que el estreno de la semana anterior. Es posible, sobre todo si tenemos en cuenta que "She's Not There" servía de introducción a un gran número de nuevas tramas, y que la acción en True Blood suele necesitar de un calentamiento previo. Sin embargo, creo que ambos episodios dan la talla con creces, y cubren de sobra, y por igual, las garantías de la marca True Blood.

Los cambios tras la larga ausencia de Sookie en Bon Temps no tardan mucho en ser asimilados. Es más, ya desde el segundo episodio se comienzan a rellenar los ocho meses que han transcurrido desde el final de la tercera temporada. Y como no podía ser de otra manera, los flash-backs no se hacen esperar. Bill Compton protagoniza los de este episodio, que nos cuentan detalladamente cómo llegó a ser rey de Louisiana. Y ya de paso nos dan a conocer un poco más a Nan Flanagan, la portavoz de la American Vampire League, y un personaje al que se debería sacar mucho más jugo. La doble moral de Flanagan no es mucho menos reprochable que la de los anti-vampiros, y sin embargo, hay algo en ella que me gusta, y que me haría darle mi voto en cualquier elección. En un flash-back en el que Bill se disfraza de Spike punk (Buffy), presenciamos cómo la portavoz se garantiza la participación del vampiro en su plan -Bill, de naturaleza menos violenta y viciosa de lo normal en su especie, es perfecto para la burocracia. Flanagan pretende tambalear los cimientos de la población vampifóbica desde dentro y así lograr la verdadera asimilación de los vampiros en la sociedad. Sus métodos son cuanto menos dudables. Pero al menos su objetivo es honorable -o eso parece. La muerte de la anterior regente de Louisiana coloca a Bill en el trono. Sophie-Ann muere durante un breve flash-back. ¿Se le ha dado la muerte que merecía el personaje? Probablemente sí. Es True Blood. La gente muere de repente. Y muere mucho. No hay por qué hacer un acontecimiento de ello.

Esas son quizás las escenas más centrales del episodio a lo que probablemente será el arco argumental más importante de la temporada. Pero no hay desperdicio alguno en el resto de subtramas. Tara regresa a Bon Temps, más segura de sí misma, en control absoluto de sus brotes violentos y su carácter conflictivo -canalizado a través de la lucha en jaulas, no lo olvidemos- y con el pelo muy largo -intentemos juntos borrar a la Tara champiñón de nuestras mentes. Sookie, que tiene demasiadas cosas en la cabeza, pero a la que no le falta educación, se da cuenta, y se alegra por ella. Sin embargo -y esto puede ser algo completamente personal- la química entre ambas es nula. Sus escenas siempre me parecieron forzadas y antinaturales, y su reencuentro en este episodio me parece una buena muestra de ello. No ocurre así con Lafayette, con quien Tara funciona mucho mejor. El recién descubierto mago asiste a su segunda reunión de brujería acompañado de su novio y su prima. En ella, la señora Marnie -probablemente el personajazo de la temporada, la loca más loca de entre los locos-, pretende resucitar a un humano. De nuevo, Tara, sin comerlo ni beberlo, se ve metida de lleno en serios problemas con el mundo de los muertos. Como en el episodio anterior, Lafayette vuelve a desatar el gran poder que lleva dentro. Si en Buffy la magia de Willow iba cobrando fuerza progresivamente, en True Blood no hay tiempo para mover máquinas expendedoras de chocolatinas con la mente. Nos saltamos un par de temporadas de evolución de personaje, y nos vamos directamente a resucitar a los muertos. Y oye, ¿por qué no?

Hoyt y Jessica están viviendo su (500) días juntos particular. Y ya están en la parte chunga. Hace unos meses, si Jessica le hubiera pedido las llaves a Hoyt, este se las habría dado con la boca y a cuatro patas. Si se las pide hoy, las deja caer, sin ni siquiera mirarla a ella, y si se caen al suelo, no se molesta en recogerlas. Y ella, donde antes veía pureza, amor y compromiso, ahora ve irracional rechazo a su especie. Jessica busca motivos para marcharse a Fangtasia a seguir el consejo de Pam, y los encuentra. Hoyt tardará poco en quejarse de la risa tonta de Jessica. Y Jessica le dirá pronto a Hoyt que odia su corte de pelo.

Por último, Sam y su hermano llegan a un acuerdo -en bolas, gracias- con el que dar una oportunidad a su relación fraternal. Por su parte, Sam tiene una nueva novia -¡es papi de L Word!-, y se supone que nos tiene que resultar misteriosa e interesante, pero me da la impresión de que solo se lo parece a Sam. Arlene sigue obsesionada con la heredada naturaleza

homicida de su bebé -risas garantizadas-, pero en este episodio empezamos a considerar la posibilidad de que quizás Arlene tenga razón después de todo. Fuera de Bon Temps, Jason sigue secuestrado. Lo que gusta un secuestro en True Blood, y lo que tarda el personal en echar de menos al secuestrado. Crystal revela a Jason por qué está atado en la cama -con la camisa abierta, gracias-, y lo que sigue es una de las escenas más desconcertantes de lo que llevamos de serie: dos panteras cortejando -como felinos que son, a mordiscos- al hermano de Sookie. Y mientras, ella ajena a todo esto. Porque bastante tiene con que Eric Northman ande detrás de ella para hacerla suya, oficialmente. Sookie duda -más motivos para que la gente siga odiándola y llamándola tonta-, y sin embargo, las circunstancias pueden ayudarla a tomar una decisión. La sesión de espiritismo de Marnie parece haber devuelto a la vida a Eric, a quien Sookie encuentra -sin camiseta, gracias- como si del Spike (de nuevo, Buffy) con alma de la séptima temporada se tratase. Después de todo, quizás ahora sea Eric el que deba refugiarse bajo la protección de Sookie, y no al revés. Teniendo en cuenta la cara de decepción, e incluso cierre, de Sookie al visitar a un poscoital Bill -gracias por enseñarnos el culo en el "durante"- en su nueva mansión, el romance está garantizado.

Y a modo de posdata, Pam de Beaufort. Es decir, ¡PAM! Y una sola frase: "Are we girls now?" Pam for President. Pam for Queen!

Futurama, sesión "doble": "Neutopia" y "Benderama"

2011-07-05T18:47:00.007+02:00

Para los despistados que aún no se hayan enterado, Futurama ha vuelto. Comedy Central, la que es desde el año pasado la nueva casa de la serie de Matt Groening, está estrenando los nuevos episodios de la sexta temporada estos días. O de la séptima, depende de cómo los contemos. O la octava si consultamos TV.com o Amazon. Y es que existe cierta confusión a la hora de organizar los episodios de la serie. Veamos, la temporada anterior -la primera tras la cancelación- se compiló bajo el título Futurama: Volume 5, y esta nueva tanda de episodios se organizará como Volume 6, a pesar de conformar la sexta temporada junto al volumen anterior. El lento ritmo de trabajo de una serie de animación de estas características obliga a que, a pesar del orden de producción, la emisión de las temporadas se dilaten en el tiempo. Así, el parón de mitad de temporada ha durado exactamente un año. Es más enrevesado que muchos de los episodios de la propia serie. Y la verdad es que lo único que importa es que la tripulación del Planet Express ha regresado. Y podríamos decir que vuelven más locos que nunca. Pero lo cierto es que en realidad vuelven exactamente igual que siempre.

"Neutopia" (6.14 en orden de emisión, 6.20 nº de producción) sigue la estela de los anteriores episodios de la temporada, con chistes muy subidos de tono, los mohínes más característicos de los personajes y giros de guión que ocurren a la velocidad de la luz. El episodio es una sátira, algo menos elaborada que de costumbre, acerca del sexismo y las diferencias de género. La vulgaridad y la exquisitez de la comedia se condensan en veinte minutos saturados de chistes -como siempre cubriendo el rango completo que va desde lo más rastrero a lo más fino- que simplifican la guerra de los sexos y la retratan como la suprema estupidez que es.

Como ya se ha comprobado en muchas ocasiones, Futurama muestra claramente un gusto por las tramas de doppelgängers y otras variaciones del yo -motivos clásicos de la ciencia ficción. Los coleccionistas nos frotamos las manos con la posibilidad de figuras variantes de los personajes con los sexos invertidos, como ya ocurrió con los personajes del Universo 1 ("The Farnsworth Paradox"), el New Justice Team ("Less Than Hero") o Bender de madera ("Obsoletely Fabulous"). En el caso de "Neutopia" podemos ver a todos los protagonistas, más los secundarios habituales, con sus sexos cambiados. La simplificación es tal que la crítica al episodio, por evidente, es innecesaria e insostenible. [Bender hace fotos eróticas de las chicas del Planet Express lavando la nave en bikini, pero ellas no pueden evitar limpiar la nave de verdad, en vez de posar. /Bender: Stop actually washing and play with the sponges. Leela: But the ship is dirty. Bender: Whatever, I run out of film an hour ago./ Bravo]. Si acaso se puede reprochar a los guionistas que no se esforzasen un poco por rallar la superficie algo más, aunque quizás de ser así no nos habríamos reído tanto con los chistes machistas. El humor de Futurama es cada vez más bestia, estúpido y primario y aunque se echa de menos la sofisticación de su etapa anterior, hay algo que sigue intacto: la capacidad para hacer reír a carcajadas .

No ocurre así con el segundo episodio, "Benderama" (6.15/6.17), cuya premisa responde a la ya mencionada tendencia a jugar con variaciones de los personajes, pero sin aprovechar del todo las posibilidades. En esta ocasión, Bender se traga una máquina multiplicadora de materia del Profesor Farnsworth y crea duplicados de sí mismo a menor tamaño que a su vez van multiplicándose, hasta convertirse en una marea de bender-léculas que amenazan con destruir la Tierra. Personalmente, opino que el humor de Bender no es el plato fuerte de Futurama, y sin embargo, funciona sorprendentemente bien magnificado por los duplicados del robot. Uno de los mejores momentos de "Benderama" es el bullying del robot original más sus dos primeras copias al gigante con acné: "You so ugly, you cracked the daily mirror. It's a newspaper!" Por lo demás, el episodio transcurre entre escenas de transición sin interés y chistes faltos de inspiración. "Benderama", aún siendo un buen episodio, es uno de esos ejemplos de la irregularidad de la serie de Groening, capaz de alcanzar cotas de brillantez altísimas, y también de aburrir soberanamente. Por último, la serie alcanza un nuevo bajo en lo que a chistes de mal gusto se refiere, con Bender bebiéndose el agua sucia de la bañera de Farnsworth, añadiendo que sabe a coñac y escroto de anciano. ¿Me río o vomito?

Y así comienza/continúa la nueva temporada de Futurama, vaticinando lo que viene siendo ya habitual, un puñado de episodios geniales y otros tantos más olvidables, sin descuidar nunca los violentos giros de guión marca de la casa, el gusto por lo extremo, el humor visto y no visto, y la inalterable -aunque duplicable- genialidad de sus protagonistas. Y por supuesto, nos sabrá a poco. Ojalá Groening inventara algo -¿una máquina multiplicadora de chinos para el taller? ¿más chinos, y punto?- para tener más episodios al año.

True Blood, "She's Not There" (4.01)

2011-06-29T17:52:00.017+02:00

Concentración sanguínea

Todos estaréis de acuerdo conmigo, True Blood significa verano. Y este año más que nunca, porque el estreno en Estados Unidos de la cuarta temporada de la serie guarrindonga y desfasada de HBO ha coincidido con el fin de semana más caluroso del año -por ahora- en España. No se me ocurre mejor manera de ver True Blood que bien entrada la noche, disfrutando de una limonada, solo o acompañado -se pueden buscar actividades complementarias al visionado en ambos casos-, con la ventana abierta y el ventilador muy cerca –el aire acondicionado resta gracia. Durante el episodio semanal, no tengáis ningún reparo en dar a pause para satisfacer las necesidades físicas que pudiera provocar. Porque a) no vais a perder el hilo por eso, b) si lo hacéis, no va a importar. El desnudo es opcional, pero recomendable. Estas son quizás las reglas más importantes para disfrutar al máximo de la experiencia eminentemente física que supone ver True Blood. Son sencillas pero modificables, y responden ante todo a un propósito: hallar el placer. Sí, True Blood es verano. Y para combatir el calor, la serie nos sugiere un remedio arriesgado pero infalible: más calor aún. Y mucho sexo. Capital S-E-X. Desfogaos, tocaos, disfrutad. Ya nos lo dicen desde la célebre cabecera de la serie, "I wanna do bad things with you". Haceos daño, gritad muy fuerte como Sookie, gozad por los ojos, o por donde podáis. Mordeos. Son trece semanas de puro placer catódico al año, haced de ellas un verano inolvidable. Aunque no veáis la serie, vaya.

Y después de este delirio de carne y sudor, provocado por el estreno de la cuarta temporada, "She's Not There", procederé a analizar el episodio. Veamos qué nos cuentan y -esto es importante- cuánto nos enseñan los habitantes de Bon Temps en esta esperadísima primera hora de True Blood del año.

Se viene percibiendo desde hace unos años una tendencia en la cadena de pago a los dramas corales con un elevado número de personajes. Boardwalk Empire o Game of Thrones responden a un esquema de micro-tramas desvinculadas en mayor o menor medida de un gran arco narrativo principal. Es una fórmula narrativa lícita, aunque no apta para todos. Ya desde la primera temporada, True Blood ponía sobre aviso al espectador. La falta de cohesión narrativa es uno de los aspectos más peliagudos del pacto que propone True Blood. Es imprescindible aceptar una serie de condiciones al adentrarnos en la serie, y la primera de ellas es que casi nada va a tener sentido, y todo va a estar sumido en un gran caos. Es muy probable que quien haya llegado al episodio 4.01 las aceptase encantado hace mucho tiempo. Como decíamos, el gran número de personajes y la rapidez -y casi inconsciencia- con la que transcurren las tramas hace que True Blood sea una serie altamente fragmentada. En ella, las historias se presentan a modo de mini-relatos, divididos y expuestos uno detrás de otro, que vienen así a rellenar casi una hora de televisión. Si todo esto está claro y asimilado desde hace varias temporadas, ni el ritmo -pausado pero lleno de acontecimientos- ni el caos narrativo de "She's Not There" habrá sorprendido a nadie. Esto es True Blood, y en ese sentido, nada ha cambiado.

Y sin embargo, nada es igual en Bon Temps. "She's Not There" comienza en un plano de realidad distinto al del pueblo de Louisiana. La serie entra de lleno y sin tapujos en terreno Xena en un extenso teaser en el que Sookie se encuentra con su abuelo en la inter-dimensión donde se esconden las hadas. Tras una espectacular -y deliciosamente camp- huida, Sookie vuelve a Bon Temps. Como no podía ser de otro modo, el tiempo en ambas dimensiones transcurre de manera diferente, y Sookie ha estado desaparecida un año entero, a pesar de que para ella solo han pasado unos minutos. Lo que viene a continuación es la introducción -si nos ceñimos a lo explicado en el párrafo anterior, el prólogo- de la historia de cada personaje para esta cuarta temporada. Y como ocurría en Buffy, cazavampiros, al final los vampiros son lo de menos. Pero no porque True Blood pretenda hablarnos de la vida a través de metáforas monstruosas, sino porque los colmillos pierden presencia a favor de una cada vez más amplia fauna de bichos. Como es habitual en las series fantásticas, todos los personajes principales han de acabar, tarde o temprano, encajando en un perfil de ser fantástico o mitológico. Incluso Lafayette, anteriormente negro, chungo y divino pero nada más, comienza a atravesar su 'etapa Willow Rosenberg', al descubrir gracias a su chico latino -cada vez más rico Kevin Alejandro- el gran poder mágico que ocultaba sin ser consciente.

Y esta es la línea que siguen casi todos los personajes de la serie, que en un año han experimentado muchos cambios. Algunos coherentes y esperables, otros más sorprendentes y uno particularmente impactante. Sin embargo, nada es difícil de digerir por el espectador medio de True Blood. Sobre todo si atendemos a lo verdaderamente importante, todos están más guapos y más estupendos que nunca. Sam lleva los vaqueros más ajustados si cabe, y asiste a reuniones de shapeshifters anónimos en las que se transforman y disfrutan juntos de la naturaleza -aplauso en esta escena, por el divertido nivel de ridículo alcanzado. En una de las tramas más desconcertantes del episodio, el hermano del Sam ha sustituido a Hoyt como hijísimo de su madre. Jessica y Hoyt siguen aportando las notas más dulces, a pesar de que se introduzca el conflicto en su apacible y adolescente romance. Incluso por ellos ha pasado un año, y la crisis comienza a asomar cabeza, a lo que se suman las pulsiones animales y sexuales que empiezan a trastornar a la vampira. Pam brilla como nunca gracias tan solo a dos escenas -en la más divertida de ellas se ríe de Jessica porque ser una vampira monógama. Arlene nos divierte al creer que los instintos asesinos comienzan a nacer en su bebé. Jason se ha convertido en el agente Dewey de Scream -de seguir por ese camino, voy a echar mucho de menos al Jason irresponsable y estúpido- y ha ganado bastante masa muscular -de nuevo, lo verdaderamente importante. Y Tara... ¡Ay Tara! Tara. Tara. Es como si la mejor amiga de Sookie nunca se hubiera hecho un Felicity. El verdadero cambio no fue el corte de pelo, sino que se mudara a Nueva Orleans, se dedicase a la lucha femenina en jaula y se liase con una señorita que la conoce como "Toni la de Atlanta". Veamos adónde nos lleva esto. Por ahora, no me gusta ni un pelo. Claro que Tara nunca fue santa de mi devoción.

Lo dicho, todos están más guapos. Fangtasia está rebosante de modelos de ropa interior sexualmente ambiguos. Y Bill y Eric han estado cuidándose mucho aprovechando que Sookie no estaba ahí para meterlos en líos, y se nota. Vaya si se nota. Bill, de presencia siempre enigmática y magnética, pero ridículo y pesado como ninguno, aumenta su atractivo ahora que es rey de la zona. Y Eric Northman. Ese vampiro. Ese Hombre que todos y todas queremos que nos ponga mirando... pues eso, al norte. Tanto Bill como Eric consideran a Sookie de su propiedad. Por suerte, Eric se corta un poco menos que Bill, romántico y respetuoso, y se cuela en -la que ya no es- casa de Sookie en el momento más adecuado. Sookie sigue desnudándose, haciendo desplegables de Playboy en movimiento, ante la presencia de un Eric lascivo y posesivo. Fijaos en la camiseta de Eric, deliberadamente corta y ajustada o estratégicamente levantada para dejarnos ver parte de su cuerpo. En lo que al sexo se refiere, nada es dejado al azar en True Blood. Eric quiere poner cachonda a Sookie, y también al personal. Y vaya si consigue su propósito. El vampiro asegura a la inocente Sookie que esta vez "no es un sueño", haciendo que algo se mueva dentro no solo de la paleta de las paletas separadas, sino de todos nosotros, anticipándonos una escena de sexo que llevamos deseando ver desde hace tiempo.

Como hemos visto, True Blood tiene el reto de encajar un gran número de tramas en una hora de televisión, corriendo el riesgo de no profundizar en ninguna, y haciendo perder el interés. Este, entre otros, es el problema que yo tengo con las anteriormente mencionadas Boardwalk Empire y Game of Thrones. La diferencia entre los personajes de esas series y los de esta es que los de True Blood me divierten, me fascinan, me excitan. Y lo demás me da igual. Con True Blood acepto que se me esté contando una historia tan caótica y descentrada, permito todos los giros, los cliff-hangers que no vienen a cuento, cualquier deus ex machina. Porque la serie sigue, tras cuatro años, cumpliendo las cláusulas de su contrato. Yo me dejo llevar, y ella me da lo que necesito: carne, sudor y vísceras. No necesito otra cosa hasta septiembre.

Absolutamente Alaska y Mario

2011-06-26T14:54:00.009+02:00

Cuando la semana pasada me enteré de que el octavo sería el último episodio de Alaska y Mario, mi mundo se tambaleó como nunca. Durante dos meses, el reality de MTV nos ha proporcionado algunos de los mejores momentos televisivos de los últimos años. Por esa razón, descubrir que la primera -y de momento, única- temporada no contaría con los 13 episodios de rigor, me dejó totalmente desolado. El éxito de audiencia del programa debería ser garante de una segunda temporada, pero todo depende de los deseos de los protagonistas de la serie: Olvido 'Olvi' Gara, frontwoman de Fangoria, icono incontestable de la cultura española y la modernez universal, esa mujer con la que todo el mundo querría charlar tomándose un café, y Mario 'Marito' Vaquerizo, cantante de playback, representante de estrellas y loca del coño maravillosa.

Si algo nos ha mostrado Alaska y Mario es que la bien avenida pareja que forman las dos personalidades madrileñas se sustenta en la más inquebrantable de las complicidades y funciona gracias a una complementariedad conmovedora. Ambas estrellas siempre han sido dadas a la sobre exposición, y sin embargo nunca los habíamos conocido de esta manera. Si antes Alaska y Mario Vaquerizo nos parecían "la extraña pareja", a partir de ahora no podremos sino referirnos a ellos como "la pareja perfecta".

Durante ocho episodios de casi 40 minutos de duración -gracias, MTV, al menos nos habéis dado eso- asistimos a los preparativos de la segunda boda de Alaska y Mario. Sin embargo, esto es solo una excusa para dotar de línea argumental a las andanzas extraordinariamente cotidianas y cotidianamente extraordinarias de la pareja y sus amigos. En las entrevistas concedidas a raíz del estreno del reality,

Alaska y Mario han reconocido que una de las principales razones por las que accedieron a grabarlo fue para dar a conocer y compartir con la audiencia el maravilloso grupo de personas que saturan su vida de color. Pues bien, como espectador y fan fatal de Alaska -y desde hace dos meses fan confeso del Vaquerizo- no puedo sino agradecer enormemente tal gesto altruista por parte de la pareja. Adoro la fauna que ha poblado Alaska y Mario, empezando por las bobísimas Nancys Rubias -nunca la ignorancia y la estupidez habían sido tan divertidas-, y terminando con Carmen Lomana -y su "cara de proletaria"-, los 'de profesión maricas' David Delfín y Alejandro Amenábar -junto a sus correspondientes boytoys insonorizados-, o los viejos amigos -artística y públicamente vinculados a la pareja- como el gran Fabio McNamara o la diva Nacho Canut. Sin olvidar a sus normalísimos progenitores. Eclecticismo, bizarrismo de pega y la extravagancia más kitsch -había que usar el término- son algunas de las características que podrían definir a este grupo de personas. Y sin embargo es su naturalidad a la hora de mostrarse tal y como son lo que los hace sencillamente únicos. No ha habido ningún tipo de autocensura en Alaska y Mario, continuamente salpicada de un sincero y adorable esnobismo.

No obstante, por mucho que quieran desviar la atención de sus magnéticas presencias, Alaska y Mario son los verdaderos protagonistas de la serie. Son ellos los que merecen las alabanzas más sentidas, por mostrarse sin tapujos ante nosotros. Y no me refiero solo a ver a Alaska sin cejas o a Mario en calzoncillos -que ya es loable de por sí-, sino a esos momentos de relajación absoluta en los que hemos podido conocer, pero de verdad, a las personas que se esconden detrás de sus personalidades públicas. Y lo que hemos descubierto es que lo que ocurre tras las puertas del piso rosa no es sino una prolongación natural de lo que ocurre ante los flashes. La cotidianeidad de su día a día nos ha mostrado a una Alaska disciplinada, seria, sabia aunque reservada, paciente y diplomática y a un Mario desbocado, excesivo, inconsciente -o a ratos demasiado auto consciente-, incontenible, incansable, pero siempre comprensivo y -abrumadoramente- cariñoso. El equilibrio en el que descansa la pareja es perfecto, y esto se puede sentir en cada escena juntos, ya sea haciendo las cuentas de casa o preparándose para un concierto. El último episodio es quizás el que mejor ilustre esta idea. En una de las tres celebraciones nupciales podemos ver a Alaska mirando con gran ternura y una preciosa resignación a su marido, mientras este balbucea sus agradecimientos como un niño que dice lo primero que le viene a la cabeza. Lo dicho, la pareja perfecta. Por otra parte, una de las cosas que más los une es sin duda alguna la pasión que comparten hacia todo. Pasión por sus amigos, por su familia, por Madrid, por la cultura y el arte popular, por la superficialidad y la banalidad, y ese culto al objeto -quien se atreva a llamarlo materialismo se las verá conmigo- con el que yo me siento tan identificado, y que me acerca enormemente a la pareja, obviamente salvando las diferencias económicas. Las horas muertas en eBay, los paquetes postales que no cesan de llegar, la inevitable emoción al encontrar un objeto 'necesitado' para seguir abarrotando la vitrina. Todo un estilo de vida que hemos podido presenciar en el reality. "Guardando todo por duplicado / Sin cansarme jamás /Afán sin control por acumular/ Lo que no es necesario / Suele ser extraordinario" ("Más es más").

Alaska y Mario bien podría haberse llamado Mario y Alaska. Y seguramente a ella no le habría importado nada. Mario Vaquerizo se ha revelado como la auténtica estrella del show, mientras su mujer ha dado carta blanca a su fabulosa y a ratos esperpéntica locura -algo que sin duda ocurre también de puertas adentro y que es una de las claves de la solidez del matrimonio. Así, la compresión, la aceptación y el respeto casan con el exceso, la locura y una temeraria franqueza. Y así también es como se obtiene un producto televisivo sincero y revelador, cimentado en una realidad que se nos antoja distante y enormemente cercana a la vez. Porque Olvido Gara y Mario Vaquerizo son estrellas mediáticas que rechazan la total escisión de las vidas pública y privada, como hacen la mayoría. Pero ante todo, son proyecciones casi monstruosas de nosotros mismos, los que miramos la vida pasar. Viva la química y las cosas que os transforman y os hacen estar mejor todavía, Alaska y Mario.

Falling Skies, Frakking Skitters

2011-06-23T14:21:00.009+02:00

Con el malogrado remake de V fuera de las parrillas y la cadena temática SyFy emitiendo realities y programas de cocina, quedan pocos refugios seguros para la ciencia ficción televisiva, y en especial para el subgénero de invasiones extraterrestres (uno de mis favoritos). TNT ha decidido crear uno para su apuesta veraniega más fuerte, Falling Skies, protagonizada por el antiguo Dr. Carter, Noah Wyle, y un plantel de rostros desconocidos -aunque sin duda familiares para el seriéfilo de pro. De esta manera, la cadena ofrece un conveniente contrapunto -o suplemento- catódico a los tradicionales blockbusters estivales, trasladando muchas de sus características más reconocibles al lenguaje serial. Al igual que para muchos Transformers 3 es la película veraniega por excelencia, Falling Skies, salvando las diferencias, viene a cubrir el mismo nicho en televisión -no en vano, el tráiler de la serie fue proyectado recientemente en cines. El resultado es una serie que no inventa nada -ni le interesa hacerlo- pero que sin embargo logra funcionar, a pesar de el continuo riesgo de ahogarse en sus innumerables influencias.

Los referentes orwellianos más reconocibles, así como las actualizaciones cinematográficas y las incursiones televisivas en el género, construyen la historia de Falling Skies, una bien conocida por todos: tras una invasión extraterrestre que ha acabado con gran parte de la humanidad y ha destruido las ciudades más importantes, un grupo de supervivientes forma una resistencia para luchar contra los visitantes. Uno de los mayores aciertos de la serie es comenzar la historia directamente en un escenario post-apocalíptico, siguiendo la estela de The Walking Dead -a pesar de que los flash-backs no tardarán en aparecer. Por otra parte, hasta la última de las subtramas podría ser considerada un lugar común narrativo: el padre que debe cuidar de sus hijos tras la muerte de la figura materna; las fracturas del estado militar de la resistencia; el grupo de rebeldes que pone las cosas difíciles; el adolescente que asume responsabilidades de adulto con el consiguiente temor del padre a perderlo; los supervivientes secuestrados y usados como huéspedes. Además de esto, y como no podría ser de otra manera, Falling Skies se fundamenta en gran medida en el yanquismo más clásico de cierto cine norteamericano. Y a pesar de que lo diluye adecuadamente para no caer en ese imperialismo incómodo para muchos, la cultura norteamericana más icónica se hace hueco en la serie. Y lo hace, curiosamente, en los detalles más costumbristas y en las escenas más relajadas de la serie: una conversación sobre béisbol con música épica in crescendo y el miedo del niño a que su padre no llegue a tiempo a su cumpleaños. Y por mí, perfecto.

Tras este breve análisis, uno podría pensar que Falling Skies carece de virtudes. Sin embargo, su franqueza, su sencillez y el acierto de estrenarla en verano hacen de la serie un digno pasatiempo. Jugadas bien las cartas, podríamos incluso encontrarnos con una de esas series-grower, capaces de trascender el divertimento liviano para llevar la historia hacia terrenos más complejos y gratificantes para el espectador que no se conforma con poco. El piloto da algunas pistas de los derroteros que podría seguir la serie. Mientras la primera parte se centra en mostrarnos la dinámica de la lucha y la supervivencia y hace mayor hincapié en la acción, la segunda plantea cuestiones más humanísticas y/o espirituales. Preguntas como "¿Y si los skitters tuvieran un Dios?" -ecos de la gran Battlestar Galactica- o "Si los extraterrestres tienen seis patas, ¿por qué hacen sus robots bípedos?" adelantan una posible línea argumental muy interesante. Claro que la importancia del aspecto puramente humano de la serie será sin duda explorado en mayor profundidad, como sugiere la escena en la que Tom escoge Historia de dos ciudades de Charles Dickens por encima de Veinte mil leguas de viaje submarino de Julio Verne. Aunque es pronto para adivinar la dirección que tomará la serie de TNT, la firmeza de la propuesta es suficiente para garantizar al menos el voto de confianza por mi parte. Y, quién sabe, quizás nos encontremos ante una de las series de la temporada.

Diez años a dos metros bajo tierra

2011-06-18T14:58:00.009+02:00

A día de hoy, hace diez años, ya se había emitido en Estados Unidos el tercer episodio de una de las series de mayor repercusión en la historia del drama televisivo norteamericano. "The Foot" nos confirmaba que Six Feet Under -convenientemente titulada en España A dos metros bajo tierra- era una serie única e inimitable. Una década más tarde, esa verdad continúa inquebrantable. Si bien Six Feet Under supuso una nueva manera de hacer televisión -dos años después de que Los Soprano sentase las bases del nuevo drama televisivo-, la serie de Alan Ball no se convirtió exactamente en patrón a seguir para el resto de cadenas. En lugar de eso, se construyó y evolucionó como rara avis absoluta. Six Feet Under elevó el listón de calidad para el resto de cadenas, sin producir clones como suele suceder con las series de mayor repercusión -Canción triste de Hill Street, Friends, Perdidos-, también consideradas fundacionales, y más propensas a ser imitadas. El elemento marciano de muchas de sus tramas -"The Foot" es el ejemplo perfecto-, junto al doloroso realismo combinado con el surrealismo más extravagante en el tratamiento de sus personajes y la maestría a la hora de hibridar el drama y la comedia hacían de Six Feet Under algo imposible de clonar.

El décimo aniversario de Six Feet Under debe aprovecharse además para celebrar más de diez años de veranos de televisión de calidad. Atrás quedaron los periodos estivales sin nada nuevo que ver. Recordad cómo hace unos años aprovechábamos esos tres meses para ponernos al día con las series atrasadas. Hoy en día, gracias a las cadenas de cable, los estrenos de calidad también ocupan nuestros calendarios seriéfilos de verano. Una vez acabados los noventa, la tele -estadounidense, claro- empezaba a ofrecer calidad los 365 días del año. El estreno de Six Feet Under en HBO durante el periodo estival de 2001 no solo contribuía a la transformación definitiva de la ficción televisiva, sino que también pondría de manifiesto el interés del medio cinematográfico por este nuevo drama de calidad. La crisis creativa y económica del cine norteamericano a principio de siglo llevó a directores, guionistas y actores a trabajar en cadenas de pago y de cable, garantes de calidad y una producción lo más cercana posible a la experiencia cinematográfica. El auge de Internet y las descargas ilegales de películas provocó, al igual que la aparición de la televisión comercial en los cincuenta, una migración –aunque esta vez no tan masiva- del cine a la televisión.

Alan Ball había triunfado dos años antes como guionista de American Beauty, en cierto modo el germen del que nació Six Feet Under. El reputado guionista llegaba a la HBO con su mentalidad cinematográfica y un equipo de directores y guionistas que tardarían poco en probar suerte en la gran pantalla -dentro de los ya oxidados circuitos indies. Sin embargo, la intención de Ball era trasladar su sensibilidad cinematográfica al formato serial televisivo, sin alejarse demasiado de los preceptos que lo habían convertido en un referente. Six Feet Under formaría así junto a Los Soprano una coalición que haría seria competencia al cine y ganaría adeptos cinéfilos a este nuevo drama de calidad. Estos nuevos ‘cine-teléfilos’ comenzaron -comenzamos- a desarrollar un interés progresivo por los nuevos estrenos de las cadenas de cable, así como a esperar los regresos de nuestras series imprescindibles como si de estrenos en salas se tratase.

Quizás sea Six Feet Under el mayor exponente de la extrema hibridación genérica de esta etapa televisiva. La serie de Ball es esencialmente un drama, no obstante, la continua presencia de elementos cómicos, y la habitual inserción de secuencias surrealistas, oníricas e incluso musicales impiden establecer categorías absolutas. Como dice Gérard Imbert en su obra El transformismo televisivo: “en A dos metros bajo tierra, vida y muerte se confunden y, por consiguiente, se anulan como tal; se produce una con-fusión total de universos simbólicos, de valores, y también una hibridación de géneros, manifestaciones, éstas representativas de los fenómenos de sincretismos que caracterizan la postelevisión”. El discurso existencialista de Six Feet Under será transmitido con mayor efectividad a través de los momentos de introspección e intimidad de unos personajes de una complejidad psicológica sin precedentes. Es decir, la fuerza que hará avanzar la historia nunca será la acción -entendida como causa-efecto, como sucesión de eventos encadenados-, sino el tumulto emocional y psicológico de sus personajes.

Y para lograr que esta manera de hacer televisión funcione es necesario contar con personajes sólidos, pero descargados de ficcionalidad -quedan prohibidos los arquetipos. Personas reales, a pesar de lo extremo de sus acciones, capaces de representar de la manera más fiel posible el propio mundo interior del espectador. Y por suerte, no hay otro tipo de personajes en Six Feet Under. Insoportablemente humanos, los Fisher son probablemente los personajes televisivos con los que el espectador más puede involucrarse -y se involucra- emocionalmente. Es por ello que Six Feet Under no es una serie que se ve, sino que se vive, en el sentido más estricto de la palabra. Y esa es también la razón por la cual, tras cinco excelentes temporadas, uno llega a "Everyone's Waiting" -el celebradísimo final de la serie- preparado para experimentar la más absoluta devastación y el vacío más profundo. Así ocurre, puesto que la -conocida por todos vosotros- sensación de congoja al despedir a unos personajes que han formado parte de tu vida durante años se multiplica considerablemente a la hora de decir adiós a Ruth, Nate, David, Claire y Brenda. Porque no solo nos estamos despidiendo de unos personajes queridos -y también odiados, por qué no decirlo-, sino también de nosotros mismos. Por eso es necesario regresar a la funeraria Fisher en algún momento de nuestras vidas. Y, ¿qué mejor momento para hacerlo que diez años después de habernos sentado junto a ellos en la mesa de la cocina por primera vez?

Mujeres desesperadas: siete años no es nada

2011-06-16T15:51:00.009+02:00

Que sea Mujeres desesperadas la serie que me anime a retomar esto de bloggear sobre televisión no es casualidad. El culebrón de qualité de ABC es desde su estreno en 2004 uno de los buques insignia del nuevo drama televisivo norteamericano. Claro que esta afirmación queda obsoleta teniendo en cuenta que eso de "nuevo" es ya difícilmente aplicable a las series más longevas que se resisten a echar el cierre definitivo. Series como Anatomía de Grey, House o la que nos ocupa en esta entrada continúan estirando su acomodado éxito, con mejores y peores resultados. En el caso de las dos primeras, la innovación y la búsqueda del más difícil todavía son los ingredientes básicos para la supervivencia en antena. En el caso de Mujeres desesperadas, nadie hacía nada al respecto. El desgaste de las últimas temporadas no parecía preocupar a sus productores, que dejaban que la serie cayera en el más profundo hastío y el peor de los ridículos. La nueva edad dorada del drama en las networks entraba hace unos años en un inminente receso -acentuado por el anunciado final de Perdidos- y hacía necesario un cambio. Marc Cherry parecía ajeno a todo esto.

La cada vez más competitiva parrilla televisiva norteamericana -en la que los estrenos de cable obligan a las generalistas a ponerse las pilas- hizo que Mujeres desesperadas se saldase con un considerable -y merecido- bajón en las audiencias. Cuando uno había tirado la toalla con las vecinas de Wisteria Lane, Marc Cherry decidía hacer algo para recuperar a la audiencia. Y, ¿cuál es el mejor anzuelo para buscar el beneplácito de un público enormemente agotado? ¿Trucos como los tan desgastados saltos en el tiempo? ¿Drásticos cambios en el reparto? ¿Reinvención absoluta? Nada de eso. Más bien un simple regreso a la calidad. El final de la desastrosa sexta temporada de la serie de Cherry adelantaba un giro al que muchas series recurren cerca del final de su andadura: el regreso a los orígenes. Para muchas de estas series, la regresión supone una mera ilusión. No obstante, la séptima temporada no utiliza a Paul Young como reclamo fatuo, sino que saca el máximo provecho del personaje y lo convierte en acicate para la historia, y en última instancia, para el espectador. Paul desencadena un arco narrativo que durante la primera mitad de la temporada nos devuelve la esencia más pura de Mujeres desesperadas.

Sin duda es "Down the Block There's a Riot" (7.10) el episodio estrella de la temporada, precisamente por hacer converger de manera magistral las tramas menores de los episodios anteriores con el plan maestro de Paul Young -desde ya mi malo favorito de la serie. Por si eso fuera poco, "Riot" aúna los principales leit-motivs de la serie y construye la perfecta parábola suburbana que funciona como pieza independiente del resto de la serie, a pesar de no contar nada nuevo con respecto a los seis años anteriores. El tono afectado y grandilocuente del episodio bordea el ridículo, pero no llega a tocarlo en ningún momento. En su lugar, una tensión que no se manejaba con tanta precisión desde "Bang" (3.07) hace que temamos por el bienestar de los personajes y que no seamos capaces de despegar la mirada durante los intensísimos últimos diez minutos.

"Riot" es el ya tradicional episodio de catástrofe de la temporada. Sin embargo, esta vez la catástrofe proviene del corazón del barrio residencial, y no es provocada por un agente externo. Los responsables son los propios vecinos de Wisteria Lane convertidos en una masa desquiciada y descontrolada, un gran monstruo con cabeza de elefante que destroza vallas blancas a su paso y que solo se detiene cuando deja de ver la paja en el ojo ajeno. Y es Lynette la encargada de aportar el clímax durante la locura, de abrir los ojos al monstruo, con tres sencillas palabras directamente desde las entrañas. "He's my neighbour!" Tres palabras que funcionan como símbolo y eslogan, como indicio de lo que Mujeres desesperadas fue y, sorprendentemente, aún puede llegar a ser.

"Riot" podría funcionar como conclusión definitiva de la serie a nivel de discurso, puesto que ofrece las ideas más importantes condensadas y simplificadas brillantemente, además de aportar cierta conclusión cíclica. Sin embargo, no lo es, y eso quizás sea aún mejor. Encontrarse un episodio de estas características tras siete años, y después de un progresivo y lento desgaste, es sin duda una señal de que quizás no esté todo perdido, y Mujeres desesperadas se marche por todo lo alto. Si es que se decide a marchar de verdad.

True Blood: La locura continua

2010-09-14T11:48:00.012+02:00

El verano ha acabado oficialmente. El pasado domingo se emitía el final de la tercera temporada de True Blood, la serie que ha marcado el ritmo seriéfilo durante los últimos veranos. Tras doce episodios altamente irregulares, la temporada se despide con un final correcto que contiene las dosis justas de diversión y emoción, y que sin embargo pone de manifiesto los muchos puntos flacos de la serie.

Para empezar, es imposible calzar en un episodio de 50 minutos aproximadamente un desorbitado número de tramas principales y secundarias. Ese es uno de los defectos de True Blood, su extenso reparto de secundarios, a los que a veces se les presta más atención de la debida. Claro que si nos paramos a pensarlo, son los secundarios, como sucede en tantas otras series, los que insuflan verdadera vida a la serie, y en este caso los que compensan el sopor que provocan personajes principales como Bill y Eric por ejemplo. Y ahí reside otro de los problemas de la temporada, en los personajes principales y las tramas en las que han estado involucrados esta temporada. No sé si el defecto se encuentra en las novelas en las que se basa la serie o en una mal tratamiento de los personajes, pero todos los habitantes de Bon Temps han llegado a un punto muerto. Por suerte, algunos personajes parecen hacer algo al respecto: Sookie desinvita a Bill cuando descubre que su amor no es obra del destino y Tara se marcha de Bon Temps dispuesta a dejar de sufrir. Claro que esto no conllevará cambio alguno. Sookie seguirá enamorada de Bill y nosotros tendremos que seguir aguantando los pucheros de Tara.

Jason sigue divirtiendo, pero Crystal -con diferencia, el peor personaje de la temporada- ha estropeado su trama. Sam descubre la última traición de su hermano y sale tras él -su relación podría ser interesante, pero por ahora no lo es-. Jessica y Hoyt se van a vivir juntos, aportando, como de costumbre, las notas más amables a la serie -aún no aburren, pero podrían hacerlo pronto-. Terry hace competencia a la adorabilidad de Jessica y Hoyt llorando porque no abarca lo feliz que es y la suerte que tiene -pero a nadie le importa-. Lafayette tiene visiones y Jesús le confiesa que es un brujo, a lo que él responde con una de las mejores frases del episodio: "You're a witch who's a nurse who's a dude". Y Alcide regresa, pero no recuerdo si hace algo destacable. Supongo que no.

Alan Ball se encarga una y otra vez de advertirnos que la serie está hecha para divertir, sin ninguna pretensión más allá de esto. De acuerdo, lo asumimos y [muchos de nosotros] conseguimos disfrutar True Blood por lo que es: una locura desfasada, excesiva y maravillosamente camp. Sin embargo, llega un momento en el que esta excusa para defender la serie se queda obsoleta, y necesitamos algo más. Necesitamos personajes que vayan a alguna parte, necesitamos sensación de cierre alguna que otra vez, necesitamos que los personajes sean interesantes. Por desgracia, no hemos obtenido nada de esto en la tercera temporada de True Blood.

"Evil Is Going On" resume perfectamente qué es True Blood: ocasionales momentos épicos dentro de una historia altamente fragmentada que va constantemente a la deriva. Es decir, una serie de usar y tirar. Esto no es del todo negativo, ya hemos dicho que cuando True Blood consigue divertir, lo hace a lo grande, y son precisamente esos momentos los que hacen que la serie merezca la pena. Eso y el ocasional secundario que eleva el grado de locura hasta cotas insospechadas. Si en la segunda temporada, la retorcida y desconcertante demencia de MaryAnn provocaba los mayores OMFGs, en esta, la revelación ha sido Russell Edgington, el terrorista con más clase. Su "Now, time for the weather! Tiffany?" es uno de esos momentos a los que me refería, auténticos fenómenos en Internet, memes que se generan a razón de dos o tres por episodio. En "Evil Is Going On" es una desquiciada Sookie la que hace sombra a un Russell en las últimas y nos brinda los momentos más desternillantes: su risa maligna mientras tira a Talbot al triturador de basura y su "You Watch Your Fucking Language!". La locura de Sookie -una cada vez más grande Anna Paquin- es para mí uno de los mayores atractivos de la serie, razón de sobra para seguir disfrutando.

No podemos negarle el poder de fascinación que ejerce la serie en la red, una de las razones principales por las que True Blood atrae a una audiencia cada vez mayor. Claro que como ocurre con todas las modas en Internet, es muy probable que la serie de Ball sea rápidamente olvidada una vez termine. Y esto, al fin y al cabo, forma parte de su naturaleza. "Evil Is Going On" deja abiertas demasiadas tramas, haciendo que más que a un clímax de final de temporada estemos asistiendo a un episodio de la mitad. Para saber qué ocurre tras los numerosos cliffhangers del episodio, habrá que esperar otros nueve meses. Y para mí, al contrario que ocurrió después de las dos temporadas anteriores, no serán tan largos.

Uno de dos: los nuevos estrenos de CW

2010-09-13T16:19:00.009+02:00

Como viene siendo habitual desde hace unos años, The CW es la cadena más aplicada de la televisión norteamericana, inaugurando la temporada otoñal antes que ninguna otra. A sus regresos más esperados -la segunda temporada de The Vampire Diaries comenzó la semana pasada y esta noche vuelve Gossip Girl-, se suman dos estrenos: Nikita y Hellcats, que vienen a ocupar los pocos huecos libres en su programación. La cadena especializada en productos adolescentes no arriesga, manteniendo en su parrilla las series que ya son valor seguro y apostando por dos nuevas series que no tienen absolutamente nada nuevo que ofrecer. Sin embargo, tras ver los pilotos de ambas, he decidido seguir viendo una y ahorrarme el sufrimiento que me supondría ver la otra -no abandoné Gossip Girl para seguir perdiendo el tiempo con productos aún más deplorables-. Veamos cuál es cuál, y las razones de mi decisión.

Nikita

La nueva serie de acción de la CW está planteada como un spin-off o secuela de la película original de Luc Besson, Nikita, dura de matar (La Femme Nikita, 1990), su remake norteamericano La asesina (Point of No Return, 1993) y la serie canadiense protagonizada por Peta Wilson, Nikita (La Femme Nikita, 1997-2001), sin embargo, no bebe directamente de estos títulos, algo que lejos de resultar paradójico, es completamente lógico y esperable. Más allá del argumento principal, es necesario buscar sus referentes inmediatos en la televisión norteamericana de los últimos años, y esto nos lleva directamente a la excelente serie de espías de J.J. Abrams, Alias, y al reciente trabajo frustrado de Joss Whedon, Dollhouse.

Queda patente desde los primeros minutos de Nikita que no estamos ante otra serie de adolescentes de la CW, o al menos esa parece ser la intención. La protagonista, una eficiente pero no sobresaliente Maggie Q, confiesa tener 27 años, lo que la convierte en carne de geriátrico según los cánones de la cadena. Suple esta 'deficiencia' un reparto de secundarios adolescentes, convenientemente bellos y multiétnicos -además de pésimos intérpretes-, que hacen que la serie se integre más fácilmente en la línea editorial de la cadena -algo completamente necesario teniendo en cuenta el perfil de la audiencia de la CW-. Para atraer a un sector más adulto, tenemos a los miembros de la organización secreta Division. Aunque ya desde el principio sabemos que ni Birkhoff es Marshall Flinkman o Topher Brink, ni Percy es Arvin Sloan o Adelle DeWitt. La falta de carisma de todos los personajes puede jugar muy en contra de la serie. Esperemos que la presencia de Melinda 'Julie Cooper' Clarke sirva para algo.

Como hemos dicho, Nikita es una mezcla exacta entre Alias y Dollhouse -lo que no quiere decir que estas sean dos obras que inventen un género, por supuesto-. De la primera toma el estilo y la puesta en escena -algunas secuencias remiten inconfundiblemente al piloto de la serie de Abrams-. A la serie de Whedon nos recuerda la idea de la construcción y deconstrucción de la identidad, la protagonista que se rebela contra la organización que la creó -a Nikita se la llega a llamar "ghost" en este episodio- y por supuesto, el girl power -las chicas salvarán el mundo-. No sabemos si es precisamente por manejar un material que ya ha sido probado eficiente, pero el piloto de Nikita, a pesar de no innovar en ningún sentido, presenta una historia sólida y bien estructurada que dispone eficientemente todos los elementos, y lo más importante, logra enganchar y divertir. El problema de este tipo de productos es encontrar el tono adecuando. Y por desgracia, Nikita falla en este departamento. Si la serie no se tomara tan en serio a sí misma, estaríamos ante un producto sobresaliente, y no uno que roza lo camp peligrosamente. Para averiguar si se sacará provecho del potencial de la historia y los personajes, me quedaré al menos un par de episodios más.

Hellcats

El reverso de la moneda de los nuevos estrenos de la CW es Hellcats. Esta serie se ajusta con mayor facilidad a la imagen de la cadena, con ~~una~~ otra historia sobre animadoras que no son lo que parecen... Ya desde los primeros segundos del piloto, Hellcats está condenada a la mediocridad más absoluta: un montaje epiléptico con imágenes de la ciudad de Memphis, banda sonora indie-rock y la voz en off de la protagonista mientras la vemos recorrer la ciudad en bici. Marti Perkins se lleva al premio al personaje más odioso de la temporada con solo un par de segundos en pantalla. Lo que viene después no hace sino confirmar los presentimientos. Hellcats es un infierno.

La historia de Marti Perkins está cimentada en los clichés más gastados del género. Una joven universitaria que detesta a las animadoras acaba, por caprichos del destino, con unos pompones en la mano para poder conservar su beca y seguir estudiando derecho. Marti tiene un mejor amigo -no es gay-, Dan, que teme que las animadoras absorban la personalidad de su amiga y esta acabe olvidándose de quién es. Por supuesto, Marti logra entrar en el equipo, gracias a su espíritu libre y antisistema, y a sus "innovadoras" coreografías -viendo esa escena, he vomitado un poco-. Los nuevos compañeros de Marti también se ajustan al manual del género: la mala que resulta ser buena y se hace amiga de la protagonista -una Ashley Tisdale que interpreta a Sharpay Evans si de verdad se hubiera reformado al final de cada High School Musical-, la zorra implacable que teme ser reemplazada y el chico atlético que se interesa por la protagonista.

Claramente influenciada por Glee, -he buscado algún tipo de parentesco entre Kevin y Ryan Murphy, pero no lo he encontrado-, Hellcats busca el beneplácito de la audiencia a través de espectaculares coreografías deportivas que hacen las veces de números musicales, así como con el factor competición, que además involucrará a los profesores y entrenadores -vacuos y aburridos, como no podía ser de otra manera- en la lucha por la supervivencia de los Hellcats. Sin embargo, nada de esto servirá para sobrellevar el tedio que supone asistir al predecible y torpe desarrollo de esta historia, agotada desde el primer acto. Sí, lo habéis adivinado, Hellcats no estará en mi calendario de series 2010-2011.

Solo una cosa más: ¿a quién se le ocurrió hacer esas transiciones entre escenas con los animadores haciendo piruetas? Sea quien sea, debe ser sacrificado.

Lo nuevo de Futurama, por ahora

2010-07-11T20:46:00.007+02:00

Las expectativas estaban por los aires -al menos las mías-, a pesar de que las cuatro películas de Futurama indicaban un progresivo bajón de calidad que podía afectar a la segunda entrega de la serie. Pero ya se han emitido cuatro episodios de la nueva Futurama, y el balance es más que positivo. Claro que hay unos cuantos peros, y unos cuantos miedos que nos llenan de incertidumbre con respecto al futuro de la serie. Veamos qué falla en Futurama 2010.

Para empezar, el cambio de cadena vaticinaba una nueva etapa de la serie caracterizada -y a priori estigmatizada- por la descarga de censura. Comedy Central no pone restricciones a sus series -ahí está South Park para demostrarlo-, y el hecho de que una serie ya de por sí subidita de tono como Futurama tuviera carta blanca no hacía más que inquietarme. Como he dicho muchas veces, Padre de familia ha hecho mucho daño a la animación para adultos en televisión, y después de ver los dos primeros episodios de la sexta temporada de Futurama, llegué a pensar que la serie corría el riesgo de perder su esencia y entregarse al desenfreno de los gags sexuales sin límite y la acumulación de escenas inconexas. Sin embargo, pensándolo un poco, y gracias a los siguientes episodios, perdí un poco el miedo. En primer lugar, Futurama nunca ha sido una serie infantil, eso es obvio, y siempre que ha tenido la ocasión, ha recurrido a los desnudos y las escenas de sexo -recordad "muerte por kiki"-, y en segundo lugar, la serie de Matt Groening parece volver reafirmando lo que la hizo grande hace siete años: unos estupendos guiones que no supeditan la trama a los gags, es más, que construyen magistralmente historias muy elaboradas sin que el alto número de gags desplacen la atención de la trama.

Solo hay algo que hace que distancia la nueva etapa de la serie de la anterior entrega: una mayor dependencia de la sociedad actual, que hace que la serie corra el riesgo de ganarse fecha de caducidad. Los episodios "Attack of the Killer App!" (6.03) y "Proposition Infinity" (6.04) muestran este problema con claridad. El primero es una sátira sobre la dependencia actual a las redes sociales y el segundo se mete en política, con el tema de los matrimonios homosexuales. El problema de estos episodios, sobre todo del primero, es que la abundancia de referencias directas a nuestros días hace que la esencia con la que Futurama comenzó hace ya una década se diluya en favor de una inmediatez que puede resultar peligrosa.

La ciencia ficción se caracteriza por retratar o criticar las sociedades actuales a través de metáforas más o menos sutiles. Al parecer, Futurama vuelve con la intención de hacer un comentario sobre el estado actual del mundo y lo hace mediante referencias de dudoso gusto -una protuberancia con la cara de Susan Boyle-, dejando atrás una época en la que las referencias a nuestros días se hacían con más gracia e ingenio. El elaborado universo de la serie, a pesar de ser una hipérbole de nuestra sociedad actual, era lo suficientemente independiente de la misma. Del momento en el piloto de 1999 en el que Fry escucha hip hop y Leela le dice que deje de escuchar música clásica a las facilonas referencias a Twitter y iPhone ha pasado mucho tiempo, y en ese tiempo, Futurama ha perdido algo de agudeza.

Por suerte, lo que siempre hizo de Futurama una serie magnífica y una obra de culto sigue intacto: estos dos episodios, a pesar de los problemas detallados, divierten y hacen reír de principio a fin. Con capítulos como "Proposition Infinity" tenemos todo lo necesario para seguir venerando la serie de Groening: chistes geniales y memorables, buenos chistes malos y chistes malísimos de los de fruncir el ceño. Por otra parte, un riesgo absoluto en las tramas -¿¿Amy y Bender??-, unos personajes que no han cambiado un ápice y unos fantásticos guiones llenos de giros mareantes, como siempre. Por todo esto, después de un par de semanas de incertidumbre, puedo asegurar que Futurama sigue siendo Futurama. Y si la audiencia lo permite y los guionistas no son sustituidos por monos fans de Padre de familia -como en Los Simpson-, esperemos que lo siga siendo mucho tiempo más.

Hermes: When the lights go out, it's nobody's business what goes on between two consenting adults.
Zoidberg: Or one!

Hangin' in the Treme

2010-06-23T11:05:00.016+02:00

Si hace poco hablábamos del realismo y la intemporalidad a propósito de Nurse Jackie, esta idea alcanza su máxima expresión en la más reciente obra maestra de HBO, Treme. Lo de Treme es hiperrealismo absoluto comparado con series como la de Showtime. Cada episodio dura unos sesenta minutos -excepto primero y último-, y a pesar de transmitir a menudo ideas completas y cohesivas -incluso presentando ocasionalmente tintes episódicos-, parece comenzar y concluir en instantes aleatorios de la vida de algún personaje, aportando esa lograda sensación de realidad y potenciando la conexión y el compromiso con los personajes. A esto también ayuda que la primera temporada haya contado solo con diez episodios y confirma que, a pesar de saber a poco si la serie es de calidad, el reducido número de episodios de las series de cable, en contraste con las cadenas generalistas, beneficia enormemente al modo de contar la historia. En este sentido, los diez episodios de Treme componen un relato absolutamente perfecto y redondo, en el que se agradece cada minuto de cada episodio, y nada sobra -casi se antoja innecesaria una continuación, aunque si Simon quiere contar más, es porque hay más que contar.

Muchas veces se ha aludido a Glee cuando se ha hablado de a Treme. A pesar de que el asunto esté trillado, necesito detenerme brevemente en esta comparación a priori forzada. Mientras Glee pone de moda el musical en televisión -o más bien prolonga y estiliza el fenómeno High School Musical repitiendo el argumento de Popular- la HBO ha realizado, casi sin que nadie se dé cuenta, la serie musical definitiva. Muchos encuentran problemas a la hora de clasificar Treme como un musical, puesto que la música parece más un acompañamiento que una herramienta para narrar la historia. Sin embargo, solo hay que detenerse un instante a pensar en el papel de la música en la serie para darse cuenta de que este argumento cae por su propio peso. Treme es un musical. Es también -y quizás principalmente- un drama, pero es un hecho que las canciones, a pesar de no ser consideradas 'números', nos hablan de Nueva Orleans, de sus habitantes y de su identidad de la misma manera que los diálogos y las historias de los personajes.

Treme cuenta con un gran crisol de personajes que, a través de un ecléctico conjunto de historias, nos viene a hablar de lo mismo: la pérdida y la supervivencia tras ella. Todas las vidas de los personajes están afectadas en mayor o menor medida por la gran pérdida colectiva de la ciudad de Nueva Orleans tras el huracán Katrina, pero cada uno de ellos se enfrenta a una pérdida personal que Simon utiliza para construir un relato ramificado del que constantemente subyace la idea de la reconstrucción de la ciudad y de uno mismo; ya sea mostrándonos la pérdida del negocio de Janette, la desesperada búsqueda de Ladonna para encontrar a su hermano perdido tras el huracán o la cruzada de Creighton por que la ciudad deje de ser ignorada. Casi siempre, y a pesar de los constantes varapalos que se llevan los personajes -y que el espectador sufre en sus carnes-, habrá una luz al final del túnel, puesto que el optimismo y la fuerza -simbolizados por la incondicional persistencia de las tradiciones, el color de las fiestas, y la música de Nueva Orleans- irán un paso más adelantados que la tristeza y el dolor, por mucho que cueste -como el desfile musical tras el funeral de Daymo que cierra la temporada por todo lo alto. Por ello, Janette -y su eterna sonrisa- pondrá en marcha un negocio de comida ambulante para abastecer a las numerosas fiestas callejeras de la ciudad poco después de cerrar su restaurante, Davis se enfrascará en una divertida carrera musical contra las injusticias cometidas tras el huracán y Ladonna pospondrá dar la noticia de la muerte de su hermano para asistir al Mardi Grass. A pesar de contarnos la historia de alguien que no consigue sobrevivir a esta pérdida, Cray, Treme concluye su primera temporada como una desgarradora celebración de la vida, y supone además una de las historias mejor contadas de los últimos años, en cualquier medio. Ese flashback y las últimas escenas del episodio, en las que la realidad se apodera completamente del relato, lo confirman.

Como adelantaba antes, el segundo tema principal de Treme es sin duda la identidad de Nueva Orleans, y no solo tras el desastre, sino también antes de él. La primera mitad de la serie está más centrada en mostrar cómo la ciudad de Nueva Orleans es percibida por los ojos foráneos, ya sea a través de los turistas que se paran a escuchar a los músicos ambulantes -y a los que hay que tener contentos tocando para ellos las canciones más emblemáticas del sonido New Orleans- o de un genial personaje como Koichi Toyama, japonés fan del jazz con un conocimiento enciclopédico de toda la música creada en la ciudad. Su intervención en "Shame, Shame, Shame" (1.05) y su posterior regreso en "All on a Mardi Grass Day" (1.08) simboliza las diferencias en la percepción de una ciudad entre autóctonos y visitantes.

La experiencia del Katrina reforzará la necesidad de protección de la identidad de Nueva Orleans, y en Treme esta labor la llevan a cabo todos los personajes, pero sobre todo es Cray -interpretado por un futuramente multipremiado John Goodman- el que consigue hacer que la voz de Nueva Orleans se oiga en un mundo que ha decicido ignorar la tragedia de la ciudad, focalizando su atención en eventos más difundidos por los medios como el 11-S. Davis, por su parte, se encarga de reforzar esta idea, oponiendo los clichés sobre la ciudad de Nueva York -el desfile de Acción de Gracias, hombres trajeados-, a la autenticidad de su ciudad, que ofrece una experiencia más real -y que usará para convencer a Janette de que no se marche, en una de esas tramas cliché que en esta ocasión no podría ser de otra manera. Estos dos personajes serán los principales embajadores de una ciudad que necesita representación y reafirmación urgentemente, que debe sobrevivir y reconstruirse siguiendo los preceptos que cimentaron y consolidaron su identidad.

David Simon confirma con estos primeros diez episodios de Treme lo que llevamos vaticinando varios años ya: es en la televisión -norteamericana- donde se encuentran hoy en día las mejores historias, y lo que es más importante, es en este medio donde se cuentan mejor.

Clásicos recuperados: Riget (The Kingdom)

2010-06-21T14:39:00.008+02:00

Hacemos una excepción en el habitual protagonismo de las series norteamericanas en este blog, para hablar de Riget, la serie danesa creada por el igualmente celebrado y vilipendiado Lars Von Trier, en pleno proceso de redefinición artística antes del Dogma 95 -ya con la cámara en mano y el montaje abrupto que caracterizarían sus obras posteriores. The Kingdom, como se la conoce internacionalmente, cuenta con dos tandas de cuatro episodios separadas entre sí por tres años -algo que no se nota, puesto que el acabado técnico y visual de ambas temporadas es prácticamente idéntico y los actores no experimentan cambios físicos destacables en este tiempo. Es complicado clasificar la serie siguiendo la clásica taxonomía de formatos seriales. Cada episodio tiene una duración aproximada de 70 minutos, por lo que se podría hablar de dos miniseries, aunque la intención de Von Trier parecía ser la de alargar la historia y su tratamiento se acercaba al de las series convencionales -cabecera en cada episodio, cliffhangers. Por otra parte, en algunos países se editó la primera temporada como una película de cinco horas, llegando a aparecer en alguna lista de películas imprescindibles. El realizador danés tenía intención de rodar una tercera entrega que concluyese la historia -llegó a escribir el guión-, pero la muerte de varios miembros del reparto y el rechazo de la cadena la dejaron inconclusa.

Resumir el argumento de Riget con la intención de hacer una idea de lo que ofrece la serie es imposible. En líneas generales, la acción se desarrolla en un hospital dominado por una fuerza sobrenatural que hace que tanto los empleados como los pacientes presencien o sufran una serie de fenómenos terroríficos y desconcertantes. Esta es la premisa, pero el resultado final dista de ser una historia convencional. El argumento transcurre entre el absurdo día a día de los doctores del hospital -quizás antecendente de la comedia de Von Trier El jefe de todo esto- y los sucesos paranormales. Es una paciente, la Sra. Drusse -la Sra. McClusky danesa- la que aporta lo más parecido a un hilo conductor del argumento, por suponer un nexo entre el mundo de los vivos y el de los muertos. Sin embargo, Riget es una sucesión de escenas que a primera vista parecen inconexas y de las que es complicado deducir qué está ocurriendo -lo que conlleva una frustración y aburrimiento hasta para el más acostumbrado a este tipo de realizaciones. Los momentos de terror están convenientemente repartidos a lo largo de los episodios, resultando altamente efectivos entre las insoportables escenas de diálogo entre doctores. Normalmente, un episodio acabará con una escena perturbadora -algunas geniales, como el parto de Judith, que podría haber inspirado perfectamente a Takashi Miike en Gozu y otras realmente terroríficas y reminiscentes de películas como El exorcista-, pero esto, a pesar de dejar buen sabor de boca, no será suficiente para hacer la historia más interesante.

Por suerte, Riget cuenta con un excéntrico sentido del humor que si bien no salva la función, hace más llevadero el visionado -la cuidadísima y opresora ambientación y la excelente realización también ayudan. Aunque resulte desconcertante al principio, Lars Von Trier es altamente consciente de lo que está haciendo -uno lo confirma en los créditos del último episodio cuando le oye referirse a sí mismo como "humilde director"- y una vez asumido el hecho de que toda la parafernalia psicológica de Riget no es más que una herramienta para crear un vínculo con el espectador -y reírse un poco de él, como será la tónica del director en años posteriores-, es más fácil dejarse llevar y disfrutar de los atractivos de la serie. Es decir, tomarse en serio Riget es muy peligroso, y por desgracia, es posible tardar más de lo normal en darse cuenta.

Showtime y las mujeres II: United States of Tara

2010-06-18T11:27:00.017+02:00

Cuando me enteré de que Diablo Cody preparaba una serie de televisión para Showtime cargué las escopetas al instante. No me equivocaba en mis prejuicios hacia esta señorita después de ver unos cuantos episodios de United States of Tara: artificiosidad, referencias culturales metidas con calzador y un discurso altamente autoindulgente. Me costó poco reconocer a la guionista de Juno en los diálogos de US of Tara, y por tanto, suponer que la serie no tenía mucho que ofrecerme. Pocas veces me he alegrado de estar equivocado. Si bien la primera temporada continuó ofreciendo lo peor de la autocomplaciente Cody, fue fácil obviarlo en favor de una química excelente entre los personajes y una historia cada vez más emotiva y absorbente. La segunda temporada, a pesar de no empezar con buen pie, ha consolidado la serie como una de las mejores comedias de la televisión actual.

El secreto de US of Tara radica en su completo dominio de las emociones y en haber encontrado un equilibrio perfecto entre las situaciones más excéntricas y los momentos de cotidianeidad más mundanos y costumbristas -un punto en común con Nurse Jackie. Eso, y el hecho de que cada episodio garantice alguna que otra carcajada, hacen de US of Tara una comedia exquisita que no solo asegura media hora de 'sana' diversión a la semana, sino que además ofrece un precioso discurso sobre la familia y las relaciones. Se trata de la nueva comedia televisiva, que viene gestándose desde hace unos años. La era de las risas enlatadas dio paso a un tipo de comedias que además de ganar en calidad técnica, bebían de los dramas televisivos, hibridando géneros y encontrando la mayor complicidad con el espectador, haciéndonos reír de las desgracias y llorar con momentos en apariencia cómicos. US of Tara podría considerarse epítome de este tipo de dramedia, invitando a la reflexión sobre la naturaleza humana, haciendo que nos riamos de la vida, y de nosotros mismos.

La segunda temporada de US of Tara ha afianzado a los miembros de la familia Gregson como algunos de los mejores personajes de la temporada televisiva. Empezando por Tara, se agradece que en esta temporada sus otras personalidades no hayan tenido tanta presencia escénica -a mí Toni Colette me satura, la verdad. La vida de la familia sigue girando en torno a la enfermedad de Tara, pero es interesante comprobar cómo es posible explorarla sin necesidad de decicar capítulos completos a un alter. Si la primera temporada sirvió para dar a conocer a todos sus estados unidos, esta se ha centrado en explorar en mayor medida la identidad de Tara. Hemos visto aflorar con más fuerza una personalidad que en la temporada pasada quedaba eclipsada e inexplorada por la presencia de los alters. Lo más curioso es que la búsqueda de Tara para encontrar un origen a su problema ha resultado en la aparición de otras dos personalidades -Shoshanna y Chicken-, y aún así, la superpoblación de alters no ha afectado negativamente a la historia. Al contrario.

Al igual que en Nurse Jackie, la importancia de un buen plantel de secundarios en US of Tara es capital. Si en la serie de la enfermera encontramos secundarios antológicos como Zoey, O'Hara o Akalitus, US of Tara no presenta déficit de personajes geniales para acompañar a la protagonista. Destacan Kate y Charmaine. La primera se ha ganado el beneplácito de muchos espectadores que la ignoraron en la anterior temporada. La hija mayor de Tara y Max ha protagonizado este año las tramas más marcianas, pero gracias a ellas, hemos asistido a un -original- proceso de maduración que nos ha hecho reflexionar sobre el importante -y a veces exclusivo- papel de los demás en la formación de nuestra identidad. En una escena del episodio 2.11, Tara aconseja a su hija que no se olvide de ser ella misma, a lo que Kate contesta "ja, ja, y ja". Es difícil ser uno mismo cuando aún no se es realmente nadie, y cuando la figura de referencia más cercana es una mujer con trastorno de personalidad múltiple. La poderosa unión de esta familia se pone de manifiesto en las relaciones domésticas. US of Tara logra retratar a la perfección esos momentos en los que el amor al prójimo se hace evidente a pesar de no manifestarse explícitamente. Lo hace cada vez que Marshall se sienta en la cama de su hermana, cada vez que Kate llama Moosh Moosh o cualquier otro apodo a su hermano, o con una sonrisa de una madre enferma a sus hijos en la cocina, tras un día sin saber nada de ellos. Y también cada vez que la increíble Charmaine entra en escena -lluvia de premios para Rosemarie DeWitt, por favor. Su descorazonador deseo de normalidad se ve truncado por la gran influencia -y dependencia- de la familia de su hermana en su vida. Charmaine representa sin embargo la absoluta naturalidad y la resignación en una situación tan complicada como la de los Gregson, una familia que no viene sino a representar de manera hiperbólica las disfuncionalidades de todas las familias.

Partiendo de la supuesta recuperación de Tara al principio de la temporada, hemos asistido a una progresiva degeneración, excelentemente expuesta, del personaje. Se ha explorado en mayor medida la figura del marido perfecto, Max, que se ha convertido en algo más que un consorte/enfermero de Tara. Ya comprobamos en la primera temporada cómo la enfermedad de Tara afecta a su marido, pero ha sido en esta cuando hemos asistido verdaderamente a las consecuencias de una vida como la suya. Max ha conocido el límite de su resistencia, ha dudado de la identidad de su mujer -me pareció genial que Max no estuviera seguro de si Tara era Tara o un nuevo alter- y ha cometido un gran error. Después de presenciar y arbitrar los momentos más difíciles de su mujer -recordemos el increíble episodio "Torando", en el que Tara se convierte en un medley de sus personalidades o la presencia de Chicken en la boda de Charmaine-, Max llega a una conmovedora conclusión:

"I wish it'd been us getting married today. I'd stand up in front of all these people and I'd say "I love this woman!" Then I'd look in your eyes and I'd say, "if you're Tara, I'll be Max. But if you're Gimme, I'll be gotcha. And if you're Buck, I'll be your bike. If you're Alice, I'll be your astronaut. And I'd carry Chicken to the car, even though I knew she was pretending to be asleep"

US of Tara nos invita a pasar de la carcajada al puchero, y lo hace como si no le costase nada. Encontrar el equilibrio perfecto entre comedia y drama parece ser algo fácil si tenemos en cuenta la cada vez más habitual tendencia a hibridar ambas en la televisión norteamericana, pero pocas series consiguen una armonía tan perfecta como US of Tara, sin duda, la mejor serie de Showtime hasta la fecha.

Showtime y las mujeres I: Nurse Jackie

2010-06-17T22:29:00.013+02:00

Showtime lleva años forjándose una identidad a base de series impactantes, arriesgadas y en las que la diversión y el entretenimiento más puro y desenfadado parece ser la tónica principal. A pesar de contar con algún drama de éxito respetado por la crítica -Dexter-, es curioso comprobar cómo las comedias de la cadena le están otorgando sus mayores éxitos creativos, y han acabado por desarrollar una interesante imagen de marca. Más destacable es aún que la mayoría de estas comedias nos cuenten las historias de mujeres de mediana edad, madres con problemas bigger than life que luchan por proteger a sus familias y que los daños colaterales de sus cruzadas internas sean mínimos. Las señoras mandan en Showtime, y las grandes actrices de Hollywood saben que esta casa se ha convertido en uno de los mejores escaparates para demostrar que el mito de que las actrices de más de cuarenta no tienen papeles en el cine no es extrapolable a la televisión. La enorme Mary-Louise Parker sembró el camino con la hilarante Weeds, a la que siguieron dos estrenos la temporada pasada, Nurse Jackie y United States of Tara -convertidos en una acertada sesión doble este año. Tras el fin de temporada de estas dos últimas, Parker tomará el relevo y a ella se le une Laura Linney con The Big C.

Nurse Jackie era para mí la más floja de las comedias femeninas de Showtime -compararla con el desastre que es Californication sería injusto. En esta temporada, la serie de la enfermera drogadicta no solo ha terminado por conquistarme, sino que ha hecho que aumente considerablemente mi respeto por una cadena de televisión que siempre se ganó mis más enfervorecidas críticas. Nurse Jackie nunca ha mostrado interés por el espectáculo sexual y violento de otras series made in Showtime -algo no necesariamente negativo en esencia-, sino que más bien se ha construido en base a la cotidianeidad del hogar y del trabajo, siendo una de esas historias que a ratos parecen no estar contando nada, sino simplemente mostrando un fragmento de las vidas de unos personajes. Esto me sedujo en principio, porque estaba un poco harto de tramas extravagantes y personajes siempre al borde de a caricatura más exagerada. Sin embargo, me costó encontrar lo suficientemente interesante a los personajes de Nurse Jackie. Algunos me resultaban simpáticos, pero la mayoría me dejaban completamente indiferente y hacían que me preguntase si estaba interesado en saber de sus vidas. Por suerte, esta segunda temporada ha hecho que adore a todos los personajes, con dos excepciones -y a la vez, con varios matices.

En primer lugar, Jackie. Y en segundo Eddie, pero no creo que sea necesario explicar por qué odio a este personaje y su repugnante omnipresencia. Mejor hablemos de Jackie. Es una faena cuando el protagonista de una serie te cae mal. Mi problema con Jackie no es su moral, no la odio por engañar a todo el mundo -y en especial a su marido perfecto- es su actitud chulesca y sobrada lo que me irrita. Soy consciente de que es algo personal, pero suelo tener problemas con este tipo de personajes, los House de la vida -sí, la comparación es necesaria, por desgracia- que hacen de la bordería y el sarcasmo un arte. Me cansan, sencillamente, no me hacen ni un poco de gracia. Sin embargo, este es un problema menor que por suerte es sorteable. Una vez acostumbrado a Jackie, una vez aceptada, solo me queda disfrutar de todo lo que hay a su alrededor.

Los secundarios de Nurse Jackie han alcanzado otro nivel durante esta segunda temporada. Zoey es quizás la que ha permanecido más invariable, pero puede que esto se deba a que ella fue genial desde su primera escena. Por el contrario, la Dra. O'Hara se ha convertido en un personaje muy interesante y rico en matices. Su vulnerabilidad ha sido explorada desde varios puntos de vista, -muy brevemente- con su relación con la reportera interpretada por Julia Ormond o a través de su generosidad con Jackie, a la que confiesa que es su razón principal para ir a trabajar -hasta organiza sus turnos para coincidir siempre con su mejor amiga; adorable. No es que O'Hara no fuera de esta manera en la primera temporada. Estas características formaban parte de su personalidad, aunque tardaron en aflorar. Pero en esta temporada, Eve Best ha conseguido construir un personaje mucho más completo, gracias a una descarga del componente paródico en su personaje -en la temporada pasada solo abría la boca para hablar de ropa o recordar a todos lo rica que es. Por otra parte, los lazos entre personajes se han estrechado, y es emocionante comprobarlo, habitualmente a través de escenas donde prima la sutileza, el detallismo y la emotividad de los momentos más cotidianos. Cualquier gesto de cariño entre estos personajes resulta altamente conmovedor.

Y qué decir de la inconmensurable Gloria Akalitus. Demasiado, por lo tanto, dejémoslo en un "Te amo, Gloria".

Si en Queer as Folk todo el mundo es gay, en The L Word no hay apenas mujeres hetero, y en Dexter todo el mundo está a favor de la pena de muerte, en Nurse Jackie, los enfermeros son siempre mejores y salvan a más pacientes que los propios doctores. Esta concepción convenientemente ficcional de los hospitales presenta a los enfermeros, en especial a la protagonista, como héroes en la sombra, personas cuyo duro trabajo proporciona los laureles a los condescendientes doctores. Los médicos del All Saints brillan por su ausencia. Su trabajo parece consistir únicamente en consultas que han de solventar rápidamente para volver a sus ego-burbujas. Esto no es más que un recurso necesario para dotar a Jackie de una autoridad que será importante para su carácter. En este sentido, habría sido interesante que se explorasen en mayor medida las consecuencias de la superioridad de Jackie en su trabajo. Las quejas de Coop -ese niño estúpido y adorable- sobre Jackie en la primera mitad de la temporada parecían introducir una trama en la que por fin Jackie se iba a llevar algún palo por actuar como la máxima autoridad del hospital, pero quedó en mera anécdota. En el último episodio de la temporada, "Years of Service", Jackie se encuentra con las consecuencias de sus actos, y en lugar de aceptarlas, las confronta violentamente -bravo Edie Falco por esta escena-, negándose a admitir su problema. Es decir, Jackie actúa más que nunca como una adicta, y no solo una adicta a las drogas, sino a su posición de superioridad y al control. Y esto es un gran acierto, y una buena manera de preparar el terreno para la tercera temporada. Estoy deseando que llegue el próximo verano para seguir conociendo a Jackie un poco mejor que los que la rodean:

"Anyone who knows you knows they don't know you"

Clásicos recuperados: Undeclared

2010-06-17T16:51:00.010+02:00

Aunque algunos estrenos veraniegos estén levantando tanta expectación como los otoñales o los de la mid-season, y estos nos vayan a tener más ocupados de lo normal en menesteres televisivos, el periodo estival es idóneo para ponerse al día con las series que uno lleva atrasadas o para recuperar clásicos de la televisión -o series de corta duración y rápido consumo. Undeclared tiene solo una temporada que consta de 17 episodios, estrenada en 2001. Además, se trata de una comedia de veinte minutos, con lo que, de entrada, es perfecta para esta época... siempre que no se tenga otra cosa mejor que ver, y por desgracia, en este caso, es muy fácil tenerla.

Undeclared es la hermana pequeña y fea de Freaks & Geeks (analizada aquí). Creada por mi idolatrado Judd Apatow, esta comedia no consigue llegarle ni a la suela de los zapatos a su predecesora, de la que parece ser una prolongación natural. Las reflexiones sobre el comportamiento social y la construcción de la identidad que tan bien manejaba junto a Paul Feig en Freaks & Geeks se ven reducidas en Undeclared a la mínima expresión. En su lugar, Undeclared nos ofrece chistes y situaciones más propias de una sitcom cualquiera. Y el factor más importante, los personajes, también palidece en comparación con Freaks & Geeks. No parece haber en Undeclared una intención de hacer personajes mínimamente interesantes. Tomemos como ejemplo al protagonista, Seteven Karp (Jay Baruchel), un geek feliz por dejar atrás su vida en el instituto y volver a empezar -una idea que podría haber dado mucho de sí, pero que acaba enormemente desaprovechada. Steven es un personaje superficial sin apenas carisma, y si esto ocurre con su protagonista, imaginad a los secundarios. La interacción de Steven con sus nuevos compañeros de dormitorio resulta muy poco natural y la química entre personajes brilla por su ausencia. No hay apenas un ápice de sensación de verdadera amistad entre estos personajes, que parecen comportarse como autómatas en sus relaciones, las que asumen antes de explorar. Como resultado, lo que nosotros percibimos es una frialdad que juega en contra de la serie. Si las situaciones cómicas no fueran tan absurdas, aleatorias y tópicas, podríamos pasar esto por alto. El problema es que esto no es una sitcom, pero se comporta como una. Y al final, si los personajes no enganchan, y las tramas y los gags son, en sus mejores momentos, mediocres, es inevitable preguntarse si Apatow se equivocó escogiendo formato para contar esta historia. O si simplemente se equivocó llevando el proyecto a la FOX.

Undeclared es por tanto más American Pie que Freaks & Geeks y cualquiera de las últimas producciones cinematográficas de Apatow. El desfile de caras conocidas confirma la dependencia de un siempre creciente número de actores fetiche para desarrollar una imagen de autor que se ha consolidado en los últimos años. En Undeclared, además de contar con Seth Rogen como uno de los protagonistas -en Freaks & Geeks era un secundario con poca presencia-, Apatow recurre a Jason Segel -que acaba ganando más protagonismo, para detrimento de la serie-, y a otros freaks y geeks como Samm Levine, Busy Philipps, Martin Starr o David Krumholtz. Algunos de estos actores seguirán apareciendo en las producciones Apatow, formando una gran familia que se ha ramificado, reduciendo los seis grados de separación a solo uno -y que se extiende a los cargos de producción, con Greg Mottola dirigiendo unos cuantos episodios. Y en esto radica uno de los pocos atractivos de Undeclared, en el reconocimiento de estos actores, que casi siempre interpretarán a personajes excéntricos y con suerte, más divertidos que los protagonistas.

No es fácil encontrarlos, pero hay unos cuantos aspectos positivos que hacen de Undeclared un visionado remotamente agradable. Como decía, algunos personajes secundarios suponen grandes aciertos en un casting más bien desafortunado. En el episodio 1.07, "Addicted", Will Ferrell interpreta a un treintañero que no ha conseguido nada en la vida y se dedica a hacer trabajos académicos en 24 horas para los universitarios, leyendo además nueve libros a la semana. Este episodio introduce un grado de reflexión que se desvanece como espejismo, pero que funciona mientras dura. Loudon Wainwright III -sí, el papá de Rufus y Martha- es otro de los aciertos de la serie. Wainwright se luce interpretando al padre de Steven, un hombre en plena crisis de los cincuenta que encuentra en los compañeros de dormitorio de Steve y en la vida universitaria una vía de rejuvenecimiento. Por último, destaca Tina Ellroy -interpretada por Christina Payano, que no volvería a actuar después de Undeclared-, compañera de dormitorio de las protagonistas femeninas. Tina es el típico caso de personaje-bulto que acaba ganando protagonismo por méritos propios, y haciendo balance, ella es la protagonista de las escenas cómicas más logradas de la serie -como su batalla musical con Rachel después de pasarse el día escuchando la misma canción. También se pasean por la serie actores que más adelante ganaría notoriedad televisiva, como Amy Poehler, Jenna Fischer o Tom Welling, pero sus intervenciones son esporádicas en el mejor de los casos, e insoportables en el peor -como la habitualmente genial Poehler.

Por lo demás, Undeclared no supera las expectativas tras haber disfrutado de una maravilla como Freaks & Geeks. Con excepción de algunos episodios -como el 1.05, que eleva el nivel de calidad y bizarrismo, quizás gracias a estar dirigido por Seth Rogen- la serie deambula entre la intrascendencia y la estupidez de tramas episódicas que no llevan a ninguna parte -Lizzie poniéndose mechas, Steven encomendándose a la religión tras oír un sermón, Ron y Lloyd invirtiendo en bolsa por Internet, y un largo etéctera de tramas que desembocan en escenas a cual más ridícula. A primera vista, Apatow parece dispuesto a divertirse y divertir a la audiencia, sin más pretensiones. Sin embargo, después de ver el último episodio de Undeclared, uno desea que hubiera sido un poco más pretencioso, o que hubiera llamado a su amigo Paul Feig para que le echase una mano. Si se desea ver el trabajo de Apatow al completo, o si no se tiene otra cosa que ver -algo prácticamente imposible- el visionado de Undeclared queda justificado. Si no, es mejor hacer como si nunca hubiera existido, y disfrutar de Freaks & Geeks o Superbad.

True Blood, el sueño húmedo de HBO

2010-06-16T14:01:00.011+02:00

No es que a la Home Box Office le hagan falta muchos éxitos, sigue siendo la principal cadena de referencia a la hora de hablar de televisión de calidad. Pero es cierto que desde el fin de Los Soprano y Sexo en Nueva York, no ha tenido muchas series en parrilla que gocen de la omnipresencia mediática de aquellas dos. Ese hueco lo llena actualmente True Blood, un éxito de audiencia y todo un fenómeno en Internet. El estreno de la tercera temporada reunió este domingo a 5.1 millones de norteamericanos -cifra que no deja de impactar si pensamos en las series que luchan por permanecer en las networks con audiencias de 2-3 millones-, subiendo un 38% con respecto a la al estreno de la segunda hace un año. Como ya vimos en esta entrada, la campaña viral para esta temporada ha sido todo un éxito en sí misma -su valía como texto secundario permite analizarla como parte de la serie más que como mero ejercicio publicitario-, y además se ha reflejado en la excelente audiencia del episodio.

¿Qué se encontraron esos 5.1 millones de norteamericanos y los otros tantos millones de internautas que se descargaron el episodio después de su emisión? Básicamente, True Blood en su esencia más pura: sexo, geniales interpretaciones over the top -sí, a mí la Paquin me encanta-, violencia, efectos especiales deliciosamente camp, y eso que nos gusta tanto, una autoconsciencia enorme -y muy bien explotada. Y por su fuera poco, esta temporada arranca confirmando lo que llevábamos sospechando hace mucho tiempo: True Blood es la serie más gay de la tele actual. En muchas ocasiones da la sensación de que el público objetivo de la serie es el homosexual -aunque hay que reconocer que sabe satisfacer a todos los sexos y sexualidades en mayor o menor medida. Lo cierto es que la serie está hecha para el disfrute de un espectador desprovisto de prejuicios y dispuesto a pasarlo bien, sin más requisitos en principio, pero las escenas de descamise de los cuatro objetos sexuales masculinos de la serie y especialmente el tan comentado sueño de Sam, parecen tener un target muy definido en mente -no podemos olvidar que la serie se ha interpretado en muchas ocasiones como una metáfora de la aceptación de la diferencia en la sociedad. Las declaraciones de los actores Alexander Skarsgard y Stephen Moyer sobre las ganas que tenían de que sus personajes "experimentasen" con el mismo sexo y el fichaje de Kevin Alejandro para hacer de novio de Lafayette no hacen sino confirmar esta teoría. Pero vamos, que no le estoy descubriendo América a nadie, ¿no?

Todo esto no es más que el resultado de una gran interacción por parte de los responsables de la serie y su fandom -y un claro interés de Alan Ball por el tema. Ellos nos han escuchado/leído y saben lo que nos gusta. ¿Por qué no hacernos felices? -una de las primeras imágenes promocionales de Alcide, el hombre lobo interpretado por Joe Manganiello, no deja lugar a dudas. Y por eso, si me estáis escuchando, señores de HBO y Mr. Ball, queremos volver a ver a Maryann. Aunque el divismo de Pam haya aumentado considerablemente, y se vislumbre una digna sustituta de la loca ménade. Pam siempre nos ha gustado, y el protagonismo que parece que va a adquirir esta temporada es más que bienvenido -además, entra el juego el factor-Safo, algo menos explorado hasta ahora. Y si alguien duda de lo conscientes de todo que son Alan Ball y su equipo, he aquí una prueba irrefutable:

Pam: "Maybe I smile too much. Maybe I wear too much pink, but please remember, I can rip your throat out if I need to and also know that I am not a hooker. That was a long, long time ago."

"Bad Blood" es un contundente primer episodio de una temporada que de seguir en esta línea, nos hará pasar un verano muy divertido -es casi un valor seguro. True Blood vuelve dejando al margen cierta grandilocuencia y afectación en sus diálogos, y cediendo el protagonismo casi absoluto al humor -Sookie: "I'm not in the mood for lesbian weirdness tonight, Pam"- y a un ritmo más acelerado de lo normal. Solo el drama de Tara aporta la nota más seria a un episodio que confirma la naturaleza esencialmente cómica y paródica de la serie. Destacan Jason y sus problemas de conciencia -"conscience off, dick on" es un one-liner de los que perduran, sin olvidar el "pussy overflow"- y los siempre adorables Jessica y Hoyt -"I got a new haircut! I think it actually makes me look kinda badass!" Y si hemos de destacar un one-liner, en línea con las ideas del segundo párrafo de esta entrada, sería este: "I hear the water in Arkansas is...very hard!" Será difícil olvidar el homoerotismo camp y la conseguida tensión de la escena entre Bill y Sam. Será especialmente difícil olvidarla si, como yo, la pensáis ver una y otra vez, al menos hasta que otra escena de esta naturaleza la eclipse.

Conclusión: True Blood no es solo el sueño húmedo de HBO, sino también el de muchos seriéfilos con ganas de juerga, y demasiado tiempo estival en sus manos -palabra clave: "manos".

Finale Week: Anatomía de Grey

2010-06-15T17:10:00.019+02:00

Ha pasado casi un mes desde su emisión, pero aún resuenan los ecos de ese híbrido de shoot 'em up, survival horror y película de asesino en serie que se marcó Shonda Rhimes con el final de la sexta temporada de Anatomía de Grey. Y es normal, porque pocas veces en televisión se ha conseguido manejar la tensión de manera tan magistral, hasta el punto de provocar en el espectador una sensación continua de ansiedad -así como la 'diversión' que ello conlleva. Finalizado el episodio "Death and All His Friends", el agotamiento mental y emocional es mayúsculo. Y ante tamaña manipulación del espectador, solo puedo quitarme el sombrero y aplaudir a Shonda. Bravo, bravo, bravo.

Siempre he dicho que Anatomía de Grey cuenta con algunos de los personajes más ricos y completos de la televisión actual. También he manifestado en multitud de ocasiones que esto se debe al hecho de que cuanto más se arriesgue con un personaje, más provecho se sacará de él. Los doctores de Anatomía de Grey son mucho más que clichés. Es habitual en las series que los repartos estén constituidos por personajes altamente icónicos y reconocibles por relaciones de opuestos o por rasgos muy básicos que definirán su interacción con los demás. En Anatomía de Grey esto no ocurre de una manera tan acusada. Todos los personajes tienen algo en común: son egocéntricos, inmaduros -se comportan como adolescentes-, egoístas y humanos, muy humanos -es decir, erran a cada paso que dan. Aparte de esto, y a pesar de los cuidados matices de personalidad de cada uno, no encontramos arquetipos muy definidos en la serie. Esto es lo que más admiro de la señora Rhimes, su capacidad para penetrar más al fondo de sus personajes de lo habitual. Y es por ello, entre otras cosas, que un final como el de la sexta temporada me parece un ejercicio de construcción narrativa y de desarrollo de personajes ejemplar. No todos los productores de televisión están dispuestos a llevar a sus personajes a los límites a los que Rhimes ha llevado a los suyos. Y puede que muchos lo vean como un simple ejercicio de narración culebronesca -y quién sabe, hasta puede que tengan razón-, pero lo que yo veo es un conmovedor compromiso con los personajes, incluso un inconformismo y desafío a la norma que pocos autores asumen. Vamos, que la evolución del doctor House, comparada con la de Meredith Grey, se queda en pañales. Así de claro.

En una entrevista concedida después del estreno del final, Shonda manifestó su agotamiento físico y emocional tras firmar el guión de "Sanctuary" y "Death and All His Friends". He ahí el compromiso del que hablaba -mezclado con un poco de tontería. La implicación de Rhimes con sus personajes ha sido tan grande que ha acabado por pasarle factura -e insisto, la mujer es algo drama queen, eso también es verdad. De sus palabras se extrae además una gran destreza con el manejo del detalle a la hora de escribir. Todo en el final de la temporada está medido al milímetro, el gran dominio de la causa-efecto, no solo en el episodio, sino también a largo plazo, es otro de los puntos fuertes del guión. Preparar el terreno para un final de estas características no es una tarea complicada. Solo hay que introducir un conflicto que dé pie al desastre, y así hicieron varios episodios antes con la aparentemente 'insustancial' trama de Gary Clark -un nombre que nos costará olvidar. Lo que es más complicado es implicar a todos y cada uno de los personajes, teniendo en cuenta sus evoluciones a lo largo de la serie, y en concreto, de la temporada, en un conflicto que de entrada parece no dar cabida a una excesiva introspección. Sin duda, Shonda lo consigue.

La sexta temporada de Anatomía de Grey ha sido quizás la más irregular hasta ahora. La serie no ha experimentado un bajón de calidad como muchas de sus coetáneas, pero sí es verdad que sus tramas han sido más dispersas y olvidables. Por no hablar de los pacientes, cada vez más ridículos y repetitivos -Shonda, deberías aprender en este sentido de Nurse Jackie, serie que hace un uso genial de los pacientes. Sin embargo, esta temporada ha servido para conocer un poco más a los personajes, sin 'interferencias' provocadas por grandes dramas y tragedias. Si me permitís la osada comparación, esta temporada ha sido como Elephant, de Gus Van Sant -solo que mejor, y eso ya no es una osadía, es un suicidio social en algunos círculos. Los 22 episodios previos a "Sanctuary" nos han acercado a todos los personajes -incluidos los intrusos del Mercy West-, incluso llevándonos más a menudo a sus entornos domésticos. El miedo por la pérdida de muchos personajes se ha visto así magnificado. No ocurre tanto con los intrusos, al menos en mi caso. La matanza del Seattle Grace sirve para eliminar de la plantilla a dos personajes insoportables, Reed y Percy. Por el contrario, Kepner y Avery se convierten en fijos para la próxima temporada -no sin antes intentar hacerlos algo más atractivos para el espectador. De nuevo bravo, Shonda, por sacar el máximo provecho de la situación.

"Sanctuary", la primera parte, es el plato fuerte del episodio doble. El impacto del primer balazo del arma de Gary Clark en la frente de Reed confirma lo que llevábamos temiendo un rato: no es un día cualquiera en el Seattle Grace. Pero nadie imaginaba lo que seguía a la impactante muerte de Reed. Son demasiados momentos los que destacar. De hecho, las dos horas de episodio son una acumulación de momentos destacables, por lo que me veo obligado a seleccionar solo unas cuantas escenas. Las enumeraré en párrafos separados, porque merecen destacar de alguna manera entre las parrafadas de esta entrada:

1. Cristina y Callie llorando en el desayuno. Dramedia en estado puro, y uno de los puntos fuentes de Anatomía de Grey. Y uno de los ejemplos de lo geniales que suelen ser sus teasers.

2. El disparo a Reed -sí, había que repetirlo-, y la fuerza del primer plano de su cabeza golpeando el suelo.

3. El encuentro en el ascensor de Gary Clark y Cristina. Quizás el momento más magistral de todo el episodio, el que haría pensar a Shonda después de escribirlo "¡joder, qué Hitchcock soy!" Como decía, un uso impecable de los personajes. Cristina era la más indicada para que esta escena fuera lo más efectiva posible.

4. Cristina: "I gotta admit, I hope you and Derek die, just a little bit". Shonda, la cachonda.

5. Gary Clark contra Miranda Bailey. A estas alturas, ya no hay uñas. Ver a Gary Clark sacando a Miranda a rastras de debajo de la cama es terrorífico. Verla mentir al asesino después de que este matase a Percy por decirle que es doctor lo es aún más.

6. El encuentro Clark-Shephard. A pesar de estar a punto de ser empañada por el discurso de turno en el que un personaje cuenta una historia sobre su pasado, la dilatada escena nos brinda algunos de los mejores momentos del episodio: Derek -y Shonda- exponiendo la esencia de la serie: "Please, look at me in the eye, I'm a human being. I make mistakes. I'm flawed. We all are"; Meredith y el terror por la posible pérdida de quien se ama; y sobre todo el discurso oprahiano de April Kepner al toparse con Gary Clark. Digno de ser transcrito:

"My name is April Kepner. I'm 28 years old. I was born on April 23rd in Ohio. I'm from Columbus, Ohio. My mom is a teacher and my dad is a farmer. Corn. He grows corn. Their names are Karen and Joe. I have three sisters! Libbie is first, I'm next. Then there's Kimmy, and Alice. I haven't done anything yet...I haven't--I've barely lived! I'm not finished yet! No one's loved me yet! Please! Please! I'm someone's child! I'm a person! I'm a person!!!"

7. Webber, testigo impotente de la tragedia de "su" hospital a través de la radio de la policía y su encuentro final con Clark -más ejemplos de integración magistral de las tramas de los personajes en los eventos del episodio.

8. Miranda y su reacción al comprobar que los ascensores no funcionan. No tanto por la interpretación de Chandra Wilson -yo no la veo de Emmy, pero no me extrañaría la nominación-, sino por lo que supone para nosotros su descarga de tensión a esas alturas del episodio.

9. El final feliz de Arizona y Callie, uno de los momentos más emotivos del episodio, y una sorpresa agradable al comprobar que una relación que dábamos por acabada se afianza.

10. Y por último, como no podía ser de otra manera, MEREDITH GREY.

- Meredith: Stop crying. Look, it took me a long time to find him. A long time. And even then it took me a long time to even know that I wanted him, to be married, to be his wife, to have his kids. And now that I realize that, he's lying on a table in there and my best friend's hands are inside his chest. You don't get to cry about that.
- April Kepner: Reed was my best friend. She died today.

Rhimes utiliza la mayor crisis de la historia del Seattle Grace para hablarnos de sus personajes, para hacer balance de su evolución en seis años -algunos menos- y preparar el terreno para más cambios. Shonda confesó que la tragedia del Seattle Grace afectará a todos los personajes y a partir de la séptima temporada, ninguno será como era. Lo sé, es una promesa difícil de creer, pero a mí me es suficiente para esperar la séptima temporada de la serie como agua de mayo. Esto, después de seis años, es una auténtica hazaña.

Finale Week: Cómo conocí a vuestra madre

2010-06-14T16:00:00.008+02:00

Si bien Cómo conocí a vuestra madre lleva dos temporadas perdida y a la deriva, he de confesar que sigo disfrutando de la serie de alguna extraña manera. No sé si son sus personajes, o que sin darme cuenta he caído en el culto que tanto se esforzaron en desarrollar al principio de la serie y que hace que del mero hecho de ver a estos personajes en acción -aunque la acción sea mala tirando a lo peor- se pueda extraer algo positivo. Juega a su favor que sea una sitcom. Teniendo en cuenta lo que decía en mi entrada anterior, si esta fuera una serie de cuarenta minutos, los daños colaterales de su bajón de calidad serían mucho mayores. Veinte minutos a la semana no hacen daño. Y siempre hay ganas de pasar esos minutos con Ted, Barney, Robin, Marshall y Lily. Cómo conocí a vuestra madre ha pasado de ser una comedia de interesante estructura narrativa y buenos personajes a una serie de ver y olvidar. Y no pasa nada.

"Doppelgangers" toma una buena idea, una de esas tramas-running gag al estilo de la Bet Slap, y la usa para hilar la conclusión de la temporada y darnos uno de esos finales azucarados y buenrollistas a los que la serie nos tiene acostumbrados. La idea del quinto doppelganger como señal para que Marshall y Lily se decidan a tener un hijo juega con uno de los mensajes más presentes en la serie: el azar y la aleatoriedad de los eventos como principales responsables del devenir de nuestras vidas, y la posibilidad de tomar las riendas y no sentarse a esperar a que el destino decida por nosotros. La última escena de la serie, en la que Lily ve claramente al doble de Barney, cuando ni los demás, ni los espectadores lo hacemos, confirma esta idea, y despide la temporada con una nota agradable y -ligeramente- emotiva. Claro que no es ninguna genialidad ni mucho menos. Se trata de uno de tantos finales en los que el convencionalismo y la moralina están a punto de arruinar la función.

Por otra parte, el resto del episodio transcurre sin pena ni gloria, con excepción de la trama de Robin y Don, esa pareja de la que no sabemos absolutamente nada, y cuya historia de amor se ha desarrollado totalmente al margen del espectador. Últimamente, Robin me ha dado los mejores momentos de la serie. Sin embargo, en "Doppelganger" me da los peores, protagonizando una trama-cliché que, además, ha sido ya usada en la serie anteriormente -este ha sido el año del reciclado criminal e indiscriminado de tramas en muchas series-: me refiero al eterno dilema "me han hecho una oferta de trabajo, pero para aceptarla, me tengo que mudar". Ya hemos visto a Robin en esta tesitura, ¿era necesario volver a hacerlo? En esta ocasión, el recurso lleva a dos cambios de cara a la siguiente temporada: Robin soltera -junto a un Barney decidido a reconquistarla- y de nuevo compañera de piso de Ted -el casi beso al final del episodio fue un buen golpe de efecto. Por lo demás, la decisión de Robin solo sirve para rellenar minutos de la manera más perezosa, y para mostrarnos al verdadero Don. Pero sinceramente, a nadie le importa.

Personalmente, me quedo con "Robots vs. Wrestlers" (5.22) como 'conclusión' de esta temporada, porque no me interesa tanto quién se líe con quién, los hijos que tengan Marshall y Lily o incluso quién es la futura mujer de Ted. Al final, de lo que más disfruto es de la loca dinámica amistosa de estos cinco personajes. Me gusta ver lo que los une y los distancia, lo que hace a los unos para los otros, a pesar de ser tan distintos entre sí. Y por eso, Cómo conocí a vuestra madre sigue siendo una buena apuesta para escapar de la realidad y pasar un buen rato. El roce hace el cariño, y al final, el azúcar me acaba subiendo.

Finale Week: Mujeres desesperadas

2010-06-14T12:19:00.010+02:00

Y la semana dedicada a los finales de temporada en El fuerte de Fuertecito llega a su decimoquinto día. Qué cosas, Fuertecito tiene el poder de alargar el tiempo. Eso, y que sus obligaciones académicas le han impedido actualizar el blog [fin del uso de la tercera persona]. Hace ya tanto tiempo que vi los finales que me quedan por comentar, que no solo he olvidado los episodios, sino que también he olvidado lo que quería decir sobre ellos. Sí, señores, así es el nuevo seriéfilo. No queremos admitirlo, pero la inabarcable oferta "de calidad" de la tele norteamericana nos obliga a convertirnos en consumidores compulsivos, a devorar las series sin dejarlas reposar, y hacer cosas como tragarse nueve episodios de golpe para terminar una temporada y tener tiempo para empezar otra serie o continuar una que tenías parada hace meses. Demasiadas series, demasiado poco tiempo. Y este modo de consumir televisión se hace más inevitable aún si, como este año, la oferta de las cadenas generalistas da un bajón de calidad considerable. Las buenas series, los buenos episodios, se quedan grabados. Los episodios mediocres y patéticos se consumen y se tiran. Y de esos hemos tenido este año demasiados. Qué agotamiento. Y qué pena el cine, al que relegamos a un segundo plano porque ¡¡no hay tiempo para él!! Esto tiene que cambiar. Pero dejemos esta reflexión para otro día, y centrémonos en las series que nos quedan por comentar.

Si hay una serie que se ha ganado esta temporada la mayoría de vapuleos y abucheos por mi parte es Mujeres desesperadas. No me extenderé demasiado, puesto que ya he dejado patente en multitud de ocasiones mi opinión sobre esta sexta temporada de la serie de Marc Cherry: ha apestado como nunca. Ya no sirve ni para reírse de ella.

Es una pena que hitos catódicos como "Bang", el episodio que confirmó que Mujeres desesperadas era mucho más que un placer culpable, queden totalmente sepultados por todos y cada uno de los episodios de la temporada que acaba de finalizar. Ya sabemos que el ritmo de la tele es vertiginoso, y que los espectadores, por muy analíticos, racionales y justos que seamos, no podemos evitar perder la perspectiva cuando una serie supera las cinco temporadas. Es decir, que a tenor del despropósito que ha sido la sexta temporada, es más fácil que cuando acabe la serie, recordemos Mujeres desesperadas desde la pena y el enfado por haber echado a perder algo realmente bueno, que por sus tres excelentes primeras temporadas (intentaremos luchar contra esto).

El último episodio de la temporada, "I Gess This Is Goodbye" -cántico que deberíamos entonar muchos, y que me consta que otros tantos han hecho- cierra el interminable misterio de la temporada, el de la familia Bolen. Angie & co. no han dado ni un solo buen momento de tensión e interés como antaño hicieron los Young o Betty Applewhite. Los guionistas -por llamarlos de alguna manera- han ido desgranando su pasado como si solo tuvieran preparados dos detalles sobre él y no quisieran desvelarlos hasta el final. Lo que queda en medio es mucha paja. Y si al menos estos personajes fueran mínimamente interesantes o carismáticos habríamos tenido algo para pasar el rato hasta que el estiramiento llegase a su fin, pero no -me consta que muchos no estarán de acuerdo con esto, pero a mí, Angie Bolen me ha parecido un personaje horrendo, y del resto de la familia, mejor no hablar. "I Gess This Is Goodbye" no solo da fin a la trama de los Bolen, sino que cierra la historia de Eddie, el asesino en serie adolescente de Wisteria Lane. No sé cuál de las dos tramas me ha parecido peor. Si la de los Bolen por aburrida y predecible, o la de Eddie por absurda y ridícula.

Por suerte, el final de esta temporada no llega al nivel de patetismo del último episodio de la quinta -quizás sea una ilusión provocada por lo que hemos aguantado durante nueve meses. Aunque tenemos que obviar muchas cosas para emitir un juicio mínimamente positivo sobre el episodio: los estúpidos problemas de Mike y Susan -no he podido odiar más a Mike Delfino esta temporada-, la bomba de Angie -me río a carcajadas en vuestra cara, de verdad-, el malvado interpretado por John Barrowman -evitemos comentarios que me tachen de cosas que no soy yo-, Orson -que a mí siempre me ha gustado, y tras esta temporada no puedo no unirme a su gran club de haters-, y sobre todo, sobre todo, la infame escena de reunión post-apocalipsis de Susan, Lynette, Gabby y Bree, en la que no se hace una sola referencia a los traumáticos eventos acaecidos en el barrio. Y no me habléis de elipsis, esto es lo que se llama "una mierda de guión". Pensaba terminar este párrafo equilibrando la balanza y enumerando los aspectos positivos del episodio, pero me parece que sería injusto, además de suponer una tarea demasiado difícil.

El año que viene seguiré visitando Wisteria Lane -abandonar una serie después de seis años me resulta muy difícil, a pesar de todo lo anterior-, con la esperanza de que sea el último, y de que un episodio musical me haga olvidar todo el sufrimiento innecesario de este año. Cherry, pon a tus señoras a cantar, es lo único que puede arreglar este entuerto.

Para leer un amplio y certero repaso de la temporada a través de las principales tramas -las que más prometían-, os remito a esta entrada mi amigo Bertoff, el mayor amante de las desesperadas que conozco.

Finale Week: The Office

2010-06-02T18:45:00.008+02:00

¿Qué ha pasado esta temporada en The Office? La respuesta es fácil: puro y simple desgaste. Después de seis años en antena es difícil mantener la frescura y el interés, y este año, la serie de NBC ha ido a la deriva, a pesar de haber dado unos cuantos buenos episodios. Parecía imposible que una serie como The Office pudiera perder calidad, pero así ha sido. Era uno de los valores más seguros de la televisión norteamericana actual, una serie que hasta este año no había dado ni un solo episodio malo, pero por desgracia, en su sexta temporada, The Office pierde su estatus de serie invicta.

Pero no nos alarmemos, no es tan grave como parece, la esencia de la serie sigue ahí, solo es necesario que los guionistas se pongan un poco las pilas. Y además de eso, hay otra solución más fácil: cacelarla tras su séptima temporada. Steve Carrell lo pone en bandeja manifestando su intención de abandonar la serie una vez acabe su contrato en 2011. Lo cierto es que no hay peor sensación para el seriéfilo que la de ver una de sus series favoritas alargándose por puras cuestiones económicas, y ser testigo de su lenta y agonizante pérdida de dignidad. The Office está a tiempo de irse con la cabeza alta, porque como decía, no hay para tanto, los buenos personajes siguen ahí, Michael Scott sigue siendo grande, y los secundarios siguen funcionando a pesar de que este año se les ha dado diálogos y situaciones sonrojantes -y no me refiero a que nos hagan pasar vergüenza ajena como es habitual, sino al hecho de que a ratos, parecían estar escritos por autómatas programados con los dos o tres chascarrillos propios de cada personaje, y nada más. Lo cierto es que los secundarios de The Office nunca han brillado por su tridimensionalidad -ni era algo que demandásemos los espectadores-, pero siempre se encontraba una manera inteligente y divertida de incluir sus excentricidades en cada episodio, sin caer bajo como ha ocurrido en ocasiones este año.

Quizás sea necesario devolver a algunos de estos personajes el componente humano del que han sido completamente desprovistos. Mirad por ejemplo a Kelly y Ryan, más excéntricos y distantes que nunca. Lo de estos dos quizás sea solo un ejercicio autocomplaciente de sus intérpretes, Mindy Kaling y B.J. Novak, también productores y guionistas de la serie, que probablemente se diviertan de lo lindo jugando con sus personajes de esa manera. De acuerdo, The Office nunca fue una serie de personajes en el sentido que le atribuimos a muchos dramas de calidad -aunque paradójicamente sus personajes sean muy superiores a la mayoría de estos dramas-, pero era habitual que además de hacernos sentir la vergüenza ajena más divertida, los empleados de Dundler Mifflin mostrasen rasgos emocionales que los hicieran más reales, más cercanos. Esta opinión -muy abierta a debate- está provocada por el desgaste del que hablaba, por la sensación de que en esta temporada los guionistas han puesto el piloto automático y se han echado a dormir.

Por suerte, los dos últimos episodios de la temporada recuperan de alguna manera el brillo de los días felices de la serie y devuelven la esperanza. En "Whistleblower", el regreso de Kathy Bates con la noticia de que un soplón ha filtrado información sobre las impresoras defectuosas brinda la oportunidad perfecta para sacar provecho de la dinámica de grupo de la oficina, jugando con los habituales recelos, sospechas y rencillas, y culminando en una gran escena: la del informático de la empresa delatando al soplón. Por otra parte, Michael y Jo tienen una bonita escena en la que la jefaza de Sabre se abre a Michael; Dwight y Angela continuan con sus -terroríficas- disputas legales para procrear; y Jim y Pam rellenan episodio con sus problemas de falta de sueño -Darryl, mi nuevo secundario favorito les descubre un lugar para dormir en el trabajo. Y para acabar, como es habitual en The Office, un sutil cliffhanger -nada de artificios y golpes de efecto, no es el estilo de la serie- aparece en el último segundo del episodio, prometiendo un cambio de cara al próximo año: en este caso, el regreso de Holly, y con ello, la oportunidad de recuperar al Michael Scott más adorable. Algo es algo.

Finale Week: Gossip Girl

2010-06-01T19:13:00.010+02:00

Decidido. El episodio que cierra la tercera temporada de Gossip Girl, "Last Tango, Then Paris" es para mí el final de la serie. Después de una temporada incluso más eterna que la anterior, soy más consciente que nunca de la auténtica pérdida de tiempo que me supone seguir las 'emocionantes' aventuras de este grupo de adolescentes interpretados -es un decir- por actores de 25. Al principio pensé que el desgaste podía deberse a que para terminar la temporada, vi nueve episodios en tres días. Después de madurar la idea unos minutos me di cuenta de que estaba infravalorándome enormemente. No me he cansado de la serie porque me haya saturado ver tantos episodios seguidos, me he cansado porque ya no me ofrece ninguna motivación para seguir viéndola, y es gracias a ese agotador maratón que he llegado a esa conclusión.

Gossip Girl fue durante su primera temporada mi guilty pleasure favorito. Lo tenía todo para ganarse mi devoción incondicional. Estaba creada por Josh Schwartz, el responsable de otro de mis placeres culpables, The OC -esta es infinitamente mejor, hasta el punto de eliminar lo de 'culpable' en muchas ocasiones-, era una historia sobre adolescentes y estaba rodada en Nueva York -sin falsear las localizaciones-. La auto consciencia y autorreflexividad que aderezaba cada diálogo en The OC también estaba presente en Gossip Girl, y como en la primera, aumentaba con el paso del tiempo. La diferencia es que con el incremento de los juegos metatextuales y las auto referencias en The OC, los personajes realmente mostraban síntomas de evolución, cosa que no ocurre en Gossip Girl. Los chicos del Upper East Side se quedaron parados en el primer año. Por mucho que estén continuamente expuestos a experiencias traumáticas y extraordinarias y sus vidas amorosas, sociales y familiares sufran continuos varapalos -en muchas ocasiones, de gravedad-, al final, todos están listos para la fiesta de turno que sirve como hilo narrativo de cada episodio.

Esta tercera temporada ha caído más bajo, porque, como suele ocurrir con la mayoría de series adolescentes, Gossip Girl ha sufrido las consecuencias de trasladar sus historias del instituto a la universidad. No es que la experiencia académica definiera a Gossip Girl, pero las tonterías de los protagonistas tenían gracia ambientadas en el instituto, gracias a la gran carga satírica que eso conllevaba. Algo parecido ocurrió con Veronica Mars. La protagonista era una detective adolescente y el principal atractivo de la serie -además de su carismática protagonista, Kirsten Bell, la voz de Gossip Girl- era trasladar los elementos del género negro a los pasillos del instituto. Era una gran idea con excelentes resultados durante sus dos primeras temporadas. Llegada la tercera, con Veronica en la universidad, la esencia de la serie se perdió de alguna manera -a pesar de que la calidad se mantuvo. En el caso de Gossip Girl, la universidad solo ha servido para desplazar completamente la atención a los 'hogares' de los protagonistas, por lo que los dramas familiares -las soporíferas tramas sobre la madre de Chuck y el padre de Serena- y las incesantes rupturas y reconciliaciones -ya no sabemos quién ha estado con quién, ni nos importa- ocupan la totalidad de la temporada. Atrás quedó el agudo comentario social sobre la guerra de clases en los institutos norteamericanos y la importancia de las nuevas tecnologías para definir las relaciones adolescentes en el siglo XXI. Lo único que queda en Gossip Girl es el componente telenovelesco, y eso no es suficiente. Ver a estos adolescentes actuando como adultos en un mundo de adultos es sencillamente ridículo y si me permitís el comentario de carcamal, algo peligroso para la audiencia adolescente de la serie.

Lo cierto es que la temporada comenzó con buen pie, con la promesa de explotar las personalidades de los personajes en un ambiente tan distinto como el de la universidad. Pero todo quedó en agua de borrajas. Lo que le siguió es un estiramiento de la trama que si los detractores de Perdidos viesen, se replantearían sus críticas a la serie de JJ Abrams. Todo para llegar a un final que sigue con la tónica del resto de la temporada: intrascendencia, vacuidad y puro aburrimiento. Lo dicho, ya no sirve ni para guilty pleasure.

"Last Tango, Then Paris" recurre a los cliffhangers más clásicos y perezosos: infidelidad, embarazo, posible muerte de un personaje y viaje a París. El único cierre que me ha parecido satisfatorio es el de uno de los personajes más hostiables de la televisión, Jenny Humphrey. La epifanía que la lleva a alejarse de Manhattan tras acostarse con Chuck me pareció un buen giro, a pesar de llegar extremadamente tarde -¿cuánto hemos odiado a Jenny esta temporada? ¡Más que nunca!. Por lo demás, poco que reseñar. Quizás solo la absurda presencia de Georgina Sparks -siempre divertida Michelle Tratchenberg- disfrazada de Hannah Montana y repitiendo la secuencia inicial protagonizada por Serena en el piloto -he ahí la autorreflexividad, pero ¿para qué? El resto de personajes siguen aburriéndome e irritándome a partes iguales. La relación de Dan -el hombre que más rápido habla y menos vocaliza- y Vanessa -el personaje más incoherente de la serie- nos habla de cómo es una relación amorosa entre mejores amigos, un terreno interesante de explorar y totalmente desaprovechado. Por otra parte, se supone que nos tenemos que preocupar por el devenir de la relación principal de la serie, la de Blair y Chuck, pero estos dos dejaron de ser mínimamente interesantes hace mucho tiempo -por no decir que la química entre los actores es nula. Y por último, Serena y Nate tienen sexo con comida y peleas cuyo origen escapa a nuestro entendimiento. Nada por allí, nada por aquí.

Resumiendo, no hay un solo personaje de Gossip Girl que no me resulte, como mínimo, odioso. Ni siquiera se salva ya Blair Waldorff, antaño adorada por mí. Dorota supone una excepción, pero digamos que ella no cuenta -me sabe mal decirlo, pero es cierto. Por todo esto, Gossip Girl deja, de cara a la próxima temporada televisiva otoñal, un hueco de una hora a la semana para otra serie que me recompense la inversión de tiempo -odio pensar en estos términos, pero hay que ser práctico- y no me desgaste las neuronas. Lo que está claro es que no la buscaré en The CW.

Finale Week: Prólogo (Lost)

2010-05-31T16:22:00.014+02:00

Ha pasado una semana desde que Perdidos nos despojó a todos de la capacidad de hablar de otra cosa que no fuera el polémico final de la serie. Una semana en la que han quedado muy claras las posturas que han dividido a sus fans. En los últimos artículos que he leído se tiende a simplificar el asunto con una clara dualidad: la perspectiva de los que veían la serie por los misterios y la historia de la isla y la de los que la veían por los personajes. Según la mayoría de críticos, bloggers y fans, si formas parte del primer grupo, el final de la serie te pareció una estafa con toda seguridad. Si por el contrario formas parte del segundo, el último episodio te habrá dejado más que satisfecho. Lo cierto es que esta idea no parece muy equivocada a tenor de las reacciones generales de los fans. Sin embargo, una semana después, y tras un segundo visionado, mantengo mi postura -incluyendo nuevos matices- con respecto a "The End", y por ello me resulta imposible identificarme con ninguno de los dos grupos.

Se podría decir que yo veía Perdidos principalmente por los personajes -incluso se podría decir que la veía solo por Jack-, pero también por la absorbente historia de la que eran protagonistas, por los continuos juegos propuestos por los guionistas, por el placer de disfrutar de unos guiones ejemplares y la pura diversión que -salvo excepciones- esta serie me ofrecía semana a semana. Y por qué no, debo admitir que veía y disfrutaba la serie porque es sencillamente una de las más importantes -o la que más- de la década, la que más repercusión mediática ha tenido -sobre todo en Internet-, la que ha modificado completamente la manera de construir las series a lo largo de las temporadas y los hábitos en la audiencia. Perdidos es mucho más que una serie de éxito. Es un hito mediático, la piedra de toque de la Tercera Edad Dorada de la televisión. Es por ello que lo que yo básicamente demandaba del final era que despidiera la serie de la misma manera que había transcurrido: con inteligencia y audacia. Por desgracia, como ya sabéis, lo que me encontré fue un final desinspirado y torpe. Estoy harto de tener que leer que a los que no nos gustó el final es porque a) no lo entendimos b) veíamos la serie por el motivo equivocado. En mi caso, ninguna de las opciones es acertada.

Pero sería injusto continuar con la crítica negativa del episodio -sobre todo porque estaría repitiendo review-, por lo que debo reconocer que con el segundo visionado del episodio -con minutos 'perdidos' incluidos y en la intimidad más adecuada- "The End" revela un par de aciertos y una nueva perspectiva con respecto a la secuencia final que me acerca peligrosamente al grupo de "personas que veían la serie por los personajes y por eso les gustó el final". Pero no nos alarmemos innecesariamente. "The End" me sigue pareciendo un fracaso en toda regla.

Lo mejor de "The End" son sus secuencias inicial y final. Los primeros minutos del episodio nos muestran a los principales personajes en las dos realidades. Un hábil montaje de planos breves llenos de emoción contenida, miradas repletas de palabras ahogadas y paz necesaria, una elocuente manera de presentarnos el desenlace de nuestros personajes después de seis años de grandilocuencia y complejidad narrativa. Todo acompañado de una variación de la pieza musical más reconocible de la serie. Precioso. Lo que viene a continuación es... nada. Eso es, una nada muy grande que ya analicé aquí. Para mí, el episodio vuelve a transcurrir entre la indiferencia más desapasionada, la indignación ante la falta de calidad y el enfado por la ausencia de esfuerzo alguno por parte de los guionistas. Al menos hasta que llegamos con Jack a la iglesia y nos encontramos con su padre. Es entonces cuando el episodio toma un cariz que en un primer visionado no logré apreciar. Las palabras de Christian Shephard clausuran la historia de estos personajes que tras vivir las experiencias que definirían sus vidas, se reunen en un lugar creado por ellos más allá de la muerte. He sido capaz de restar importancia a la simplona idea de los conceptos religiosos del purgatorio y el cielo como desenlace narrativo -de la sexta temporada, no de la serie, atención- y disfrutar de lo que pretende transmitir al fin y al cabo: la importancia que estos personajes han ejercido mutuamente en sus vidas -aunque nadie se cree lo de Sayid y Shannon. No es que no entendiese el final a la primera -estar en ese 'saco' con la señorita de gafas de Cuatro sería tan horrible-, sino que el impacto provocado por el momento de inflexión que nos llevó al desenlace me impidió ser capaz de sentir cualquier emoción que no fuera indignación. Debo reconocer que la segunda vez que vi a los personajes reunirse en la iglesia, sentí una congoja absoluta.

Si hace unos años nos hubieran dicho que la conclusión de Perdidos hablaría de la importancia que tienen las personas que conocemos a lo largo de nuestra vida, y cómo algunas permanecerán con nosotros para siempre, nos habríamos reído de ellos y le habríamos dicho "perdona, ¿y entonces qué tiene que ver el oso polar con todo eso?" Pero así es. Lo que en un principio me hizo montar en cólera ahora me parece una bonita idea, a pesar de su aleatoriedad. Y sin embargo, esto supone solo un pequeño consuelo. Al final, "The End" no me ofreció lo que yo quería. Me he quejado incesantemente de las continuas exigencias de los espectadores a los guionistas, y no me he dado cuenta de que yo les demandaba algo que ha resultado ser mucho más difícil de dar de lo que parecía: calidad.

Con esta entrada inauguro la Finale Week. Como imaginaréis, a lo largo de estos días comentaré los finales de temporada de las series que sigo al día, porque aunque parezca mentira, hay otras series que merecen algo de atención estos días. En concreto, hay un final de temporada que eclipsa por completo al final de Perdidos, uno que a pesar de no haber desatado tantos comentarios por mi parte, resuena con más fuerza que Lost en mi cabeza. Para saberlo, visitad 'El Fuerte' a menudo esta semana. Gracias por leer :)

Perdidos, "The End" (6.17-18)

2010-05-24T10:35:00.011+02:00

Tengo que tragarme tantas palabras, que si lo hago, estallaré tan fuertemente que nos veremos todos pronto en misa. La esperanza por disfrutar un gran episodio final de Perdidos era infinita. Algunos me llamaban iluso -creo que yo el primero-, pero yo sabía, en el fondo, que no era fe ciega, no era ilusión, era una certeza fundada en mi valoración de la serie a lo largo de las temporadas y en el extraordinario trabajo de los guionistas según mi parecer. Estaba seguro de que el final de Perdidos iba a ser, como mínimo, un buen episodio, y como máximo, una montaña rusa de emociones. Al final, ni una cosa ni la otra. Más bien un mojón muy, muy grande y oloroso que entró a formar parte de la historia de la televisión seis años antes de rodarse y que está dando que hablar tanto o más de lo que esperábamos -después de que el ojo de Jack se cerrase, un minuto han tardado en aparecer los fotomontajes, los chistes, los grupos de Facebook.

Y no estoy hablando de los hechos concretos que concluyen la historia, el concepto, el discurso. No voy a decir cosas como "seis años para esto" o "nos han estado tomando el pelo". Aunque me cuesta. No lo haré por principios, porque llevo un año poniendo a caer de un burro a los que lo dicen una y otra vez, y porque en el fondo, por muy decepcionante que haya sido el final para mí, la serie está muy lejos de ser una tomadura de pelo. Es más, ahora que han pasado unas horas y estoy más calmado, puedo adoptar una perspectiva más objetiva y echando la vista atrás, no puedo más que quitarme el sombrero ante la serie que ha definido -y probablemente ha abierto y cerrado- la tercera edad dorada de la televisión. La televisión fue algo extraordinario mientras Perdidos duró. Y eso no nos lo quita nadie, ni nada. Ni siquiera un final tan horroroso.

Y yo no necesitaba respuestas, necesitaba un buen episodio. No voy a entrar en detalles. No puedo. Quizás cuando realice un segundo visionado y saque más ideas en claro -si es que las hay, porque me da la sensación de que no- puede que haga una review en condiciones. Aunque lo dudo. "The End" ha sido simplemente un episodio vacío, falto de emoción -o saturado de intentos inútiles por provocarla-, con una tensión horriblemente mal manejada, y en definitiva, un guión que parecía escrito por principiantes, o un fan fiction. "The End" es un episodio de acción en el peor sentido de la palabra. Una sucesión de escenas en las que los personajes corren mientras la isla se resquebraja, enlazada con un puñado de escenas idénticas de reencuentros y recuerdos en la realidad alternativa -yo la voy a seguir llamando así, me niego a llamarla... lo que sea. Diálogos faltos de profundidad, de cariño, de inteligencia. Resoluciones perezosas y cierres insípidos de personajes. Ni una lágrima. Y una conclusión para llevarse las manos a la cabeza. Ni siquiera Jack ha salvado la situación para mí. Perdidos acaba rompiéndome el corazón. Pero siempre hay momento para una segunda oportunidad.

Perdidos, "What They Died For" (6.16)

2010-05-21T09:10:00.013+02:00

Jacob: I didn't pluck any of you out of a happy existence. You were all flawed. I chose you because you were like me. You were all alone. You were all looking for something that you couldn't find out there. I chose you because you needed this place as much as it needed you.

En esta recta final de Perdidos se las están arreglando para contentar tanto a los fagocitadores de Lost (gracias, Bertoff) ansiosos por obtener respuestas, como a los que vemos la serie principalmente por sus personajes y sus tramas -o al menos, lo está intentando, como hemos visto muchas veces, las quejas son inevitables. En este sentido, "What They Died For" es de nuevo una perfecta combinación de acción, desarrollo de personajes y cabos atados -o atándose-, además de ser el episodio de transición por excelencia, el que nos catapulta hacia el final casi sin darnos cuenta -se me hizo cortísimo. Los hay que dicen que se está cerrando todo muy apresuradamente y parece forzado. La verdad es que no hay serie que se libre de este tipo de valoraciones en sus episodios finales, y la naturaleza de Perdidos la sitúa como firme candidata para recibir todas las críticas de este tipo. Discernir si se trata de verdad de un final precipitado es a veces difícil, pero por experiencia, puedo decir que probablemente se trate del síndrome 'necesito más episodios para vivir'. En algún momento hay que parar, y con el horizonte señalado desde hace tres años, debería ser más fácil asumir que este es el fin, y entender que la precipitación de los acontecimientos es quizás una ilusión provocada por el deseo de que Perdidos no acabe.

La escena clave para asumir que esto es el final es la entrevista de trabajo ante el fuego de Jacob a Jack, Sawyer, Kate y Hurley. Jacob -ya desprovisto de las ambigüedades que le convertían en un personaje altamente ambivalente- expone de manera explícita y sin rodeos cuál es el problema y cómo solucionarlo, además de resumir en un par de frases la esencia de los personajes de la serie. No es que el espectador no supiera nada de lo que les dice Jacob a los candidatos, pero el hecho de que estos, por fin, sepan de qué va la cosa, aporta la dosis de clausura necesaria antes de "The End". Jack, como no podía ser de otra manera, acepta el puesto -para el alivio de Hurley, que se pregunta, como nosotros, qué habría pasado si nadie lo hubiera hecho- y bebiendo el agua que le ofrece Jacob, sella el destino que lleva asumiento desde el final de la tercera temporada, con la diferencia de que entonces Jack quería volver a la isla porque la necesitaba, y ahora está convencido de que la isla lo necesita a él -Jacob cree que una cosa no quita la otra.

Después del episodio anterior -que a pesar de las críticas resulta ser la perfecta antesala para "What They Died For"-, la ausencia de los losties se ve compensada por un episodio cargado de acontecimientos en los que todos y cada uno de ellos están involucrados. En la isla, mientras un grupo charla pacíficamente con Jacob, otro se enfrenta al Humo Negro y a Charles Widmore y Tina Fey en horas bajas. Richard vuela. Ben dice un puñado de one-liners ("Can I get you a glass of lemonade?"), y mata a Charles después de que No-Locke le amenace con matar a Penny -"He doesn't get to save his daughter", le dice Ben. Y Miles. ¿Miles por qué no está muerto?

En la realidad alternativa, Desmond, ese loco genial, reúne a los losties para llevárselos a un concierto. A la espera de volver a ver a Juliet -que no puede no ser la madre del hijo de Jack, pero quién sabe-, "What They Died For" nos ofrece los penúltimos lostie-cameos. Si al principio de la temporada, las apariciones de los losties en los sideflashes acabaron por saturarme, en esta recta final me están llegando a emocionar como pensé que no lo harían. Ver a Ana Lucía no es tan emocionante como ver a Danielle Rousseau -que está mucho más fea limpia-, pero contribuye a la enorme sensación de ciclo completo que me hace un nudo en el estómago continuamente. Rousseau aparece para dar cierre a Ben en la realidad alternativa y otorgarle su merecida felicidad -pobrecito, en este episodio también le dan una paliza- devolviéndole lo que perdió en la isla, a su hija -a Ben se le saltan las lágrimas, y a mí también. Cuando Juliet aparezca en plano -seguramente después de estar de espaldas un rato- prometo aplaudir. Por otra parte, John decide, en otra emotiva escena -de nuevo estupendo Terry O'Quinn-, que quiere que Action-Hero-Jack lo saque de la silla de ruedas. Todo en la realidad alternativa está dispuesto para el gran final, el encuentro en el auditorio. ¿Lo volará Desmond por los aires?

Y No-Locke revela su plan definitivo: destruir la isla -seguramente con la información secreta de Widmore y con Desmond como arma de destrucción masiva. No hay final de serie fantástica que se precie sin la destrucción absoluta del lugar que ha sido hasta ahora testigo y protagonista de la historia. Y a mí me parece una buena idea. Perdidos se acaba. ¿Qué importa ya si todo explota?

Me gusta Dexter, pero...

2010-05-17T10:33:00.007+02:00

[Aclaración: Voy por la mitad de la segunda temporada, por lo que es muy probable que dentro de unos días, todo lo que voy a decir a continuación sea refutado por mí mismo. Puede que sea pronto para emitir juicios sobre la serie sin haber visto ni la mitad, o puede que no. Digamos que esto es una crítica in construction, y como tal, será revisada y modificada a medida que avance mi visionado. Es la magia de la tele.]

Quizás sea un problema de percepción por mi parte, pero creo que la gente se toma demasiado en serio Dexter. Y sinceramente, a mí no me parece para tanto. De la misma manera que un profesor de mi compañero de piso comentaba que Lost es una serie hecha para que la gente se sienta más inteligente de lo que es, creo que Dexter es un serie hecha para que el espectador crea que está realizando un ejercicio de reflexión sobre varios aspectos de la naturaleza del ser humano, cuando en realidad solo está siendo guiado, sin apenas implicaciones o ambigüedades, por mucho que lo parezca. Porque Dexter no es Six Feet Under, sino más bien una serie que encajaría perfectamente en la programación de las networks si fuera adecuadamente recortada -espera, creo que eso ya ha pasado.

Los monólogos de Dexter ponen las cosas fáciles, como la serie en general. Funcionan perfectamente para aportar el tono y son un recurso estilístico bien aprovechado. Pero por lo demás, no son mucho más introspectivos que los de Meredith Grey. Como he dicho, Dexter expresa elocuentemente todo lo que siente, y nos sirve en bandeja la interpretación que debemos hacer de lo que ocurre en su cabeza. Tenemos vía libre para entrar en ella y ver TODO lo que hay. Esto no es necesariamente un problema. Es decir, no hay nada de malo en la articulación de pensamientos y emociones abstractas siempre que se haga bien -y creo que Dexter lo hace bien-, pero a mí no me gusta que piensen por mí. Cuando un personaje te conduce de la mano a través de su transformación, las ambigüedades y complejidades son expuestas tan claramente que dejan de serlo. Con Dexter siento que no hay nada más allá de lo que se muestra o de lo que se dice. Y eso, para mí sí es un problema insalvable.

No se reduce solo a los monólogos. Todas las acciones de los personajes me indican un alto nivel de manipulación de cara al espectador. Todos evolucionan a través de estrategias narrativas muy básicas, y a menudo torpes. Debra y su trauma post-Ice Truck Killer es el ejemplo más ilustrativo. La sutileza brilla por su ausencia. Pero esto sucede con todos los personajes -en esta segunda temporada que estoy visionando no hay uno solo que me resulte interesante o me caiga bien, son todos bastante bidimensionales-. Al igual que en el universo de Queer as Folk, todo el mundo es gay, en el de Dexter, casi todos están a favor de que alguien se tome la justicia por su mano y acabe con los criminales -o sea, que todos están a favor de la pena de muerte, hablando claro. De acuerdo, puede que esté exagerando. Se trata solo de una estrategia básica para introducir el conflicto de la temporada -como bien resume la contraportada del DVD, "¿Soy una buena persona que hace cosas malas o una mala persona que hace cosas buenas?" - y en este sentido, estoy contento, porque una serie como Dexter sin ese conflicto sería sencillamente inaceptable. En fin, no puedo pedir más a un relato que se manifiesta como altamente ficcional. Y en este sentido, quizás quepa la posibilidad, por mi parte, de disfrutar de Dexter como lo que parece ser, un cuento, un historia macabra para niños, con un protagonista constantemente puesto a prueba para alcanzar moralejas sobre sí mismo y el ser humano. Pero, ¿son esas moralejas moralmente aceptables? Por ahora, tengo mis dudas. Pero el tiempo lo dirá (por favor, nada de spoilers).

Dexter, afortunadamente, brilla en otros aspectos. Una vez asumido que todo lo anterior puede ser un problema personal y que probablemente la serie no pretenda más de lo que parece -más me vale convencerme, si quiero seguir viéndola-, seguiré disfrutando del entretenimiento liviano que me ofrece. Porque ante todo, Dexter no me aburre, gracias al excelente manejo de la tensión y los continuos giros argumentales -siempre bien resueltos-. Así que por ahora, no le pediré más. Al fin y al cabo, es Showtime.

Y ahora, un aparte: ¿Puede una mujer sola cargarse una serie e inducir al espectador a matar, matar, matar? Perdonadme por la foto. Sé que puede herir la sensibilidad.

La voz del pueblo (aka "Otra no-review del 6.15 de Lost")

2010-05-13T15:22:00.018+02:00

La verdadera madre de Jacob y el Hombre de Negro mira hacia arriba
y comienza a hablar en inglés. ¿Intervención divina?

Siguiendo con mi negativa a analizar el capítulo -ya no sé si es pereza o cobardía, pero intuyo que es una mezcla de ambas-, se me ha ocurrido compartir con vosotros algunas de las opiniones más interesantes vertidas en los comentarios de la entrada sobre "Across the Sea", para ampliar las posilidades de que leáis las interesantes opiniones de los fans de Perdidos que siguen este blog (que serán casi todos los que lean esta entrada, claro). Sí chicos, claramente voy a explotar vuestros trabajos de análisis del episodio y de la serie para elaborar la review que no he escrito.

Sobre "Across the Sea" y su relevancia dentro de la serie

"Es un capítulo que narrativamente no ofrece nada nuevo, y que solo da respuestas innecesarias (que lo son, casi todas), y sospecho que está hecho desde la rabia hacia los fans: ¿no queríais respuestas?, tomad, respuestas, y 42 minutos que si no existieran, no pasaría nada (...) Me parece el capítulo más aislado e independiente de Lost, y que serviría, por ejemplo, como piloto para un spin-off. " (Pocoyó)

"A estas alturas creo que, personalmente, no necesito más respuestas que las que ya de por sí me dé el final de la serie" (Bertoff)

Zac Efron. O cómo la curiosidad mató a la ciencia.

"En el primer visionado me dejó más helado que en el segundo; Supongo que es por el impacto inicial de no recibir ningún impacto, de ver que las supuestas respuestas anunciadas no eran respuestas como tales o de caer en la cuenta de algo que ya sabíamos (el final no va a gustar a la mayoría y las preguntas que queden serán objeto de debate para mantener la llama de la serie y vender merchandising aprovechándose de ello, de paso) (...) Hay gente que se queja del NO nombre del hermano de Jacob. Esto es muy quejarse porque sí". (Devilniced)

"A mí me ha gustado, me parece que esta explicación del origen de Jacob/Nemesis viene genial para desmitificar a los personajes. Si Lost al completo es la historia de cómo Jacob le pasa el relevo a alguno de los losties del Oceanic 815, "Across the Sea" es la historia de cómo Jacob consigue su trabajo. Todo sea por completar la línea temporal de los personajes de la serie, no olvidemos que Jacob y 'el otro' tambien forman parte del elenco". (Taru)

"Lost debería ser entretenida, es lo que le pido siempre, que no me aburra. Y esta vez no lo ha conseguido". (Pocoyó)

¿Era realmente necesario?

"Pues a mí el flashback me parece bastante importante: mi abuela ve esta serie en VOS... os aseguro que mi abuela no se acuerda del momento en el que encontraron los cuerpos. También es verdad que mi abuela no es el target principal de Perdidos, pero me parece un detalle para todos aquellos que no tienen una memoria audiovisual como la panda de fanáticos que sigue esta serie.
El caso es que el capítulo me parece muy a cuento. Y que sea el antepenúltimo me parece maravilloso. Todo el mundo lleva desde el principio de la serie queriendo saber qué es el humo negro: pues toma, la respuesta. Viene de ahí. Es la cara oscura de la moneda. La oscuridad de la luz, el mal del bien... que estaba sin forma y sin conciencia y al pasar un humano, pudo copiarlo para ser libre (libre hasta que se da cuenta de que no lo es) y toma como propias sus inquietudes. Me encanta que se expliquen tantos detalles de los objetos: el juego, las frases ("un día tendrás un juego y tú pondrás las normas"), la botella de vino... todo que parecía tener un papel importantísimo y son detalles de la vida de dos niños y una loca. No sé, me encanta. Me encanta por lo simple y sencillo. Que tienes que aceptar que en un lugar del planeta, existe una cueva en la que se condensa el bien y el mal del mundo. Vale. Yo lo acepto. Me encanta saber quién es Jacob, porqué cuida de la isla, quién es el humo negro y porqué actúa cómo actúa. Vamos, creo que son las principales incógnitas de la serie, en general. Os las responden y protestáis (un vosotros colectivo, no personificado en los comentarios concretos). Si yo fuese guionista de esta serie, me volvería sociópata". (Jane)

"Mi mayor problema con este episodio es que ayer me quedaban 4 horas de tv para ver a mis losties y hoy sólo me quedan 3". (Ricardo)

Sobre la serie, en general: el impacto en la audiencia, la experiencia de ver Lost

"En mi poca experiencia, nunca una serie me ha dado para debatir tanto y de tantas maneras, comerme el coco de una forma única, no parar de elaborar teorías, tener hasta fiebre por leer spoilers, verla y re-verla, rellenar horas de vacío con material creado por fans sobre ella sólo para no dejar fría su cama en los largos periodos de escased de la misma, etc..." (Devilniced)

Érase una vez... ¿el episodio más polémico de Lost?

"Lost, como muchas de las series en antena ahora mismo, pero sobre todo Lost, está hecha para que el espectador tenga la sensación de ver algo más inteligente de lo que es. Está hecha para que el espectador se sienta más inteligente. Yo no sé en qué grado llego a estar de acuerdo con esta afirmación o no, pero sí creo que esa actividad mental desmesurada se encuentra más en los fans que en la serie (que tiene sus muchos puntos interesantes, pero en general es un producto de entretenimiento puro, y no de debate filosófico ni ejercicio de crítica ni análisis ni nada). Y también creo que otras series mucho menos vistas y comentadas doblan la inteligencia de los guiones de Lost, y tienen un nivel de reflexión y análisis mucho más alto. La diferencia es que esa reflexión y ese análisis conllevan esfuerzo, conocimiento y una vida interna, mientras que el ejercicio realizado con Lost suele ser el de rellenar los huecos, unir los puntos y ordenar y desordenar las secuencias, algo mucho más divertido y fácil que lo que otras series ofrecen, claro que sí. Que conste que no desprecio ese divertimento, y soy el primero que lo disfruta, pero prefiero ser consciente de que es eso, un entretenimiento". (Pocoyó)

"Mientras que las reflexiones que haces con otros productos pueden llegar a ser más útiles e interesantes en el contexto de tu vida, Lost (exactamente igual que los crucigramas) no pasa de ser un divertimento, y un trabajo con unas conclusiones que no pasarán del entretenimiento de un rato. También es verdad que con los crucigramas uno mejora su vocabulario, y con Lost uno aprende mucho sobre varias técnicas de escritura de guión, que luego verá más claras al ver otros productos. Cosas buenas se pueden sacar de todo! " (Pocoyó)

"Yo creo q Lost ha triunfado por saber encontrar el equilibrio perfecto entre entretinimiento y reflexión (de pacotilla, si se me permite)" (Ricardo)

El Hombre de Negro ve su futuro

"Lost es una serie de pensar dirigida al gran público. Y hace que la gente piense y se esfuerce por teorizar y tener curiosidad y está construida con una narrativa exquisita, de detalles prolongados, de dudas que se resuelven casi sin darle mayor importancia, de retomar varias temporadas después algo que hace mucho que pasó. Y está hecha de forma que el gran público lo disfrute y entre en el juego. A día de hoy, toda persona que vea la tele sabe qué es Lost". (Jane)

"Distingamos entre simple entretenimiento y lo que va más allá, lo que hace que nos planteemos cuestiones importantes, series con las que podemos aprender de verdad cosas, y cuestionarlas, sobre todo cuestionarnos lo que teníamos como cierto.
Lo cierto es que Lost a veces consigue entrar en ese terreno, y ahí está el debate entre la fe y la ciencia, y lo que es más importante, la conclusión a la que estamos llegando cada vez con más certeza (la fe es el camino, la ciencia está equivocada). Es un mensaje, que está ahí, y al que pocos dan importancia, porque están entreteniéndose, y sintiéndose muy inteligentes en muchos casos, buscando anagramas y recogiendo misterios sin resolver.
En definitiva, que esto ya no es ni un debate ni es ná, porque estamos todos de acuerdo, que Lost ofrece varias lecturas, y la mayoría de los fans se quedan en la más superficial, y quizá por esa visión más simple y amena Lost ha triunfado de este modo. ¿De qué estábamos hablando? (Pocoyó)

Jack no llora en "Across the Sea". Pero plantea el debate más trascendental:

¿Jack oso o Jack depilado y a dieta?

Perdidos, "Across the Sea" (6.15)

2010-05-13T09:02:00.012+02:00

"Cada pregunta que conteste llevará a otra pregunta".

Y es lo que hay. Lo que siempre ha sido. Y a pesar de que lo sabemos, seguimos quejándonos. Seguimos hablando de los guionistas de Perdidos como si fueran funcionarios al servicio de la audiencia, como si no fueran los absolutos demiurgos narrativos que son. Quedan dos capítulos, y aún hay mucha gente que piensa que Perdidos es como un libro de "Elige tu aventura". A estas alturas, ya debería quedar claro que el control creativo de la serie está en sus guionistas, no en nosotros, y que, a pesar de que la audiencia ha sido muy importante para el desarrollo de la serie (y su lógico estiramiento a lo largo de los años), al final, los que tienen siempre la sartén por el mango son ellos. Si no te gustan las respuestas que te ofrecen, no quiere decir necesariamente que ellos no las hayan sabido dar, o que no tuvieran todo planeado desde el principio (Dios, no quiero volver a entrar en ese ridículo debate, como tampoco quiero discutir la dudosa decisión de poner ese flashback al final del episodio), es que estas son estas las respuestas que hay, las que ellos nos quieren dar. El problema es tuyo, no suyo. Nos lo llevan avisando (muy hábil y sutilmente) muchos capítulos: "colocamos un faro aquí porque nos viene bien, y articulamos la razón en palabras de Hurley; matamos a este personaje porque ya no nos sirve, y os lo decimos a través de Ben; y ahora os ofrecemos la historia que os desvelará el origen de Jacob y el Humo Negro y os avisamos de que va a desencadenar una nueva serie de preguntas". Perdidos es más metalingüística que nunca. Pero por más que los guionistas se manifiestan como el poder narrativo absoluto de Perdidos, nosotros seguimos demandando lo que queremos y rellenando hojas de reclamaciones cuando algo no nos tiene contentos. Y es completamente lícito quejarse, pero antes deberíamos reflexionar un poco.

Esta semana no voy a hacer un análisis a fondo del capítulo -bueno, ¿lo hago alguna vez? Podría escribir aquí todas las nuevas preguntas que plantea la historia de Jacob y su hermano, pero me parece una estupidez -no va a haber un episodio como este, que nos dé las respuestas. Prefiero dejar "Across the Sea" tal y como está en mi mente, y saborear esta parábola del bien y del mal como un corderito amansado por Carlton Cuse y Damon Lindelof. Y para ello, me quedo con la idea de la fe por encima de la ciencia -aplicada a la ciencia ficción. Porque al final, la madre coraje de la isla mata a la ciencia y pone a la fe "al mando", y con esto, Cuse y Lindelof nos están diciendo claramente que para respuestas científicas y lógicas matemáticas nos vayamos a Numb3rs. Yo estoy dispuesto a depositar en Perdidos toda la fe que me falta en el mundo real -y de hecho, llevo haciéndolo mucho tiempo. Es necesario que, como Jack, todos nos convirtamos en hombres de fe.

Futurama futurible

2010-05-11T10:57:00.011+02:00

Marquen sus calendarios: 24 de junio de 2010. No queda nada para el regreso de una de las series de culto más admiradas de la televisión. Hace unos días, la cadena que emite la serie en Estados Unidos, Comedy Central, anunciaba la fecha de estreno y el título del primer episodio -doble- de la sexta temporada de Futurama: "Rebirth", y ofrecía la primera imagen oficial (la que tenéis aquí arriba).

Además, el productor ejecutivo y principal guionista de la serie, David X. Cohen, ha declarado que aunque el episodio continúe donde el cliffhanger de la última película lo dejó, "Rebirth" se centrará en la relación de Fry y Leela. Y esto... me encanta. Yo soy fan de esta relación. Es más, soy muy fan de que haya relaciones amorosas en Futurama, y no de las estáticas, sino de las que evolucionan, se rompen y se reconstruyen. Este es uno de los elementos que distancia la serie futurista de Groening del resto de comedias adultas de animación: una mayor dosis de serialidad. Futurama está lejos de ser un serial, pero algunos cambios en las biografías de los personajes -junto con una trama principal a la que regresan periódicamente- aportan un dinamismo a las tramas que contribuyen al culto de la serie más allá de gags antológicos o escenas carne de youtube. Algo de lo que carecen, por ejemplo, las series de Seth McFarlane -que para ver durante la comida sirven, pero para todo lo demás, no.

Como sabéis, Groening y Cohen desarrollaron una serie de películas que se fueron estrenando exclusivamente en DVD -y solo las dos últimas en Blu-Ray- entre 2007 y 2009. A pesar de estar concebidas como largos, con una gran trama por entrega, estaba claro que cada una de ellas estaba convenientemente dividida en cuatro 'actos', que permitían el posible estreno de las películas en televisión como una temporada de 16 episodios. Sin embargo, el anuncio de una sexta temporada oficial hizo descartar esta idea -al menos por ahora. Ya tenemos una sexta temporada oficial. Las películas de Futurama quedan como tal: películas, auténticos regalos a los fans de la serie.

Comedy Central, con motivo del estreno, ha preparado una cuenta atrás en su página web, y nos está enseñando una imagen de la nueva temporada por día -excluidos los fines de semana-, que hasta ahora han sido bocetos en su mayoría. Otro detalle para hacer más agradable la espera a los fans. Ahora lo que procede es hacer un maratón de episodios y películas de Futurama, para que todos nos acordemos de lo buena que es -y nos demos un batacazo más histórico en caso de que el estreno de la sexta no esté a la altura. Esperemos que el renacimiento de la serie no sea el inicio del declive Futurama, que en sus cuatro años de andadura no le dio tiempo a bajar el listón- aunque las películas, cada una peor que la anterior, sí mostraron ciertos síntomas de agotamiento. Solo cabe cruzar los dedos y desear que los guionistas de Futurama no se hayan sethmacfarlanizado.

Damages, sin daños ni perjuicios

2010-05-10T18:29:00.011+02:00

La ausencia de noticias que confirmen o desmientan el futuro del drama legal Damages en la cadena Direct TV -que se rumoreaba iba a continuar la serie donde FX la ha dejado- es la señal definitiva para dar por olvidada la idea de ver una cuarta temporada. Pero, ¿nos importa? A tenor del último episodio -emitido hace ya tres semanas-, no mucho.

Desde el inicio de la tercera temporada, las campanas de la cancelación han estado sonando insistentemente. Las desastrosas audiencias -por debajo del millón de espectadores- han resultado en un inevitable desinterés por parte de la FX, que no está dispuesta a mantener la serie en antena, por muy aclamada por la crítica que sea, y por muchos premios que haya recibido. Claro que la serie se ganó los laureles por una estupenda primera temporada, y lo que vino después, remotamente lejos de ser malo, no fue más que un estiramiento de la historia, que se bifurcó en otras tramas secundarias no muy interesantes.

Mientras que la segunda temporada consiguió arrastrar el ritmo emocionante de la primera a pesar de esta multiplicación de tramas y personajes, la tercera no ha logrado mantener el tipo, y a excepción de unos cuantos episodios, ha transcurrido entre el aburrimiento y la indiferencia. Dos elementos, sin embargo, han salvado a la serie de terminar su andadura, como dicen los angloparlantes, with a whimper: la excelente resolución de la temporada-como no podía ser menos- y las siempre fascinantes Patty Hewes (Glenn Close) y Ellen Parsons (Rose Byrne), que han llevando el peso de la serie hasta el final -con lo que el mal, en realidad, es menor.

Como decíamos, el episodio final resuelve todas las tramas abiertas de la temporada -y de la serie- y repitiendo el asombroso ejercicio de deconstrucción narrativa de las dos anteriores, hace que todo tenga sentido, permitiéndose, como siempre, añadir información a última hora, detalles que cambian la perspectiva y destruyen las asunciones hechas por el espectador. Por ejemplo, la muerte de Tom (Tate Donovan). Desde hacía varios episodios, todos teníamos la certeza de que se había tirado -o le habían tirado- al río, cuando la realidad es mucho más macabra: muere ahogado por Leonard Winstone (Martin Short) en la taza del váter. Mucho, mucho mejor. O los perturbadores y preciosos sueños de Patty, que adquieren sentido con la revelación, a través de un flash-back altamente onírico, del aborto auto inducido como escape a una vida familiar que le impidiese llevar a cabo su sueño en la gran ciudad.

El caso que ha ocupado la temporada -recordemos que cada tanda de episodios corresponde con un gran caso investigado por el bufete de Patty Hewes- ha dado buenos momentos, y buenos personajes -algunos geniales, como el mencionado Leonard Winstone o el policía que interroga a Patty en los flash-forwards-, pero no ha conseguido estar a la altura de lo anterior. Quizás para suplir esto, -quizás no- los guionistas han ampliado las biografías de los protagonistas, con algunas tramas que, a pesar de concluir satisfactoriamente en "The Next One's Gonna Go in Your Throat", no han aportado nada a la serie. Las vidas familiares de Patty y Ellen han dado momentos que parecían desorientados y de relleno -los problemas con la droga de la hermana de Ellen, la trama secundaria del hijo de Patty y su novia-, pero han adquirido sentido completo una vez expuesta la conclusión de la serie: la ambición profesional y la familia no son compatibles. Sin embargo, no todas las tramas secundarias acaban siendo justificadas por el final: La historia de Arthur Frobisher (Ted Danson) lleva ligeramente a la serie hacia terrenos de auto reflexión, pero la clásica trama de 'hagamos una película basada en lo ocurrido' no funciona. La historia de redención de Frobisher ha estado de más.

Damages no ha sido perfecta, pero la profunda sensación de uniformidad de cada una de sus tres temporadas -idóneas para los cinéfilos reacios a probar con la ficción televisiva- y los excelentes trabajos interpretativos de todos sus actores nos dejan un producto final de gran calidad, con una conclusión satisfactoria que no necesita continuación. Por lo tanto, y ya que Patty no quiere contestar, en nuestro caso sí ha merecido la pena.

Despliegue publicitario de True Blood

2010-05-06T19:18:00.015+02:00

True Ads

Si nos basamos en lo ocurrido el verano pasado a nivel de márketing, todo apunta a que la tercera temporada de True Blood, que se estrena en Estados Unidos el próximo 13 de junio, volverá a romper récords de audiencia. La campaña viral que los de HBO pusieron en marcha el año pasado dio los mejores resultados pensables. A la publicidad convencional se sumó una macro-campaña en Facebook (con una análoga en Twitter) que nos enganchó a muchos rápidamente (igual de rápidamente que nos desenganchó, todo hay que decirlo). Uno podía hacerse amigo de cualquier habitante de Bon Temps, por muy secundario que fuera, por muy poco factible fuera que ese personaje supiera usar un ordenador, y seguir sus andanzas en la red social. Algunos hasta te pedían amistad a ti (qué desesperados llegaron a parecer). Un despliegue publicitario que no tardó poco en saturarnos (los de True Blood nos tenían monopolizado el muro), pero que dio sus frutos: la gente comentaba los eventos de los episodios de cada semana con los protagonistas, y estos les seguían el juego, dando pistas sobre lo que iba a ocurrir (era divertido para muchos), y sobre todo, contribuyó al aumento progresivo de la audiencia, al alza con cada episodio.

Este año no estoy al tanto de lo que se cuece en Facebook, pero sí me estoy divirtiendo mucho con la campaña de publicidad en Internet. Por una parte están los minisodes (estrenados en la cadena, pero difundidos masivamente por Internet), bajo el título común A Drop of True Blood, que como su propio nombre indica, son episodios de duración reducida, centrados cada uno en un personaje (o dos). De momento se han estrenado dos, uno centrado en Eric y Pam (nada del otro mundo), y otro protagonizado por Jessica (este ya está mejor). Y un método publicitario más convencional son los pósters (aunque los webisodios ya son práctica habitual de muchas series). Hasta la fecha, son siete pósters promocionales los que la HBO ha desvelado. Algunos mejores que otros, todos desvelan un interés por seguir ofreciendo el producto más fresco de la televisión (que lo sea o no, ya es otra cosa), generando cierta expectación en torno a la propia campaña. De momento, mis favoritos son VILF (2), Missing (5) y Vamp Stamp (7). La página oficial de HBO los va publicando para descargar en alta calidad. Yo me los he descargado de allí. A continuación, los siete, uno detrás de otro.

Pero antes detengámonos brevemente en la promo de grupo (que ya habrá sido comentada hasta la saciedad). ¿Qué nos dice esta sugerente foto? A primera vista, muchas cosas: más protagonismo para Pam, Eric situado en el centro de la foto (más protagonismo para Eric, ¿no?), el lobo al fondo (ya podrían haber sacado al actor que interpreta a Alcide, Joe Manganiello), una serpiente entre las piernas de Jessica (un spin-off para Jessica, por favor), y muchas miradas de complicidad, de deseo, de lujuria... Queda menos de un mes, y el síndrome de abstinencia se hace cada vez más insoportable. La publicidad funciona.

Perdidos, "The Candidate" (6.14)

2010-05-06T09:06:00.016+02:00

La muerte os sienta tan bien

Poco podemos reflexionar tras un episodio como "The Candidate", donde la acción más pura recoge el testigo de la relativa calma y el enredo argumental de los anteriores. La segunda mitad del episodio es un [insertar expresión equivalente a tour de force, pero que esté menos trillada] en el que tememos por la vida de todos y cada uno de los personajes. Otra prueba más de que los guionistas nos tienen atrapados en sus redes. Una de las claves de su trabajo es el manejo astuto de las certezas del espectador, las que ellos mismos nos imprimen. Me explico. Con cada episodio, nos conducen hacia teorías sobre la isla, los personajes, sobre lo que está pasando, y nos hacen llegar a (ilusas) conclusiones que ellos mismos refutarán convenientemente uno, dos, o veinte episodios más tarde (sin restar coherencia al conjunto). Es el caso de los seis candidatos. No sé si soy el único, pero esos nombres en la cueva me transportaron a un lugar cómodo y seguro en el que yo sabía que ninguno de ellos iba a morir, al menos hasta el final. Pero me equivocaba. Precisamente porque es una de las pocas cosas que podemos tener seguras en Perdidos (porque ellos se encargan de convencernos), los guionistas juegan con más soltura que nunca la baza de la sorpresa y el golpe de efecto, que tan agotada ha llegado a estar en la serie. Cuatro muertes. Jin, Sun y Sayid, tres de los protagonistas desde el primer episodio (y tres candidatos), y Lapidus, uno de los secundarios-extras más simpáticos (que yo creía que los sobreviviría a todos). Nos han pillado con la guardia por los suelos, y ¡zas!

Y la culpa de todo la tiene No-Locke. Ahora ya no quiere reunir a todos para marcharse de la isla y dejar la botella abierta, sino que se los quiere cargar, porque según la teoría de Jack, no puede salir de la isla a menos que estén todos muertos. Yo, a estas alturas, confío en Jack, aunque no ostente el récord de aciertos en la isla. Sawyer, por desgracia, no. La escena del submarino, que ocupa el último cuarto de hora de "The Candidate" es una de las escenas más emocionantes de toda la serie. El manejo de la tensión es ejemplar, y a esto contribuye sin duda... ¡la bomba con cuenta atrás! (cómo me he acordado de Buffy, y de Alias, por supuesto). Con todos los personajes atrapados, apenas tres minutos para que la bomba explote, con Kate gravemente herida y sin tiempo para salir a la superficie, Jack vuelve a pedir un acto de fe. Pero Sawyer es un hombre de acción, y si antes no confiaba en Jack, ahora que es un Locke reencarnado, menos aún.

Menos mal que zombi-Sayid andaba por ahí. La muerte de Jarrah pasa sin pena ni gloria (es uno de los momentos más endebles técnicamente del episodio), a pesar de suponer varias cosas muy importantes para el personaje: como Reyes teorizaba, se puede salir del lado oscuro por voluntad propia, y Sayid lo hace en un acto de sacrificio redentor que debe bastar para hacer descansar en paz al ex torturador. Pero la muerte de Sayid se ve pronto eclipsada por todo lo que desencadena la explosión. Y sobre todo, por el momento ¿lo digo?... venga, el momento Titanic protagonizado por Jin y Sun. Cómo me equivocaba cuando dije en mi anterior review que después del ansiado reencuentro de los Kwon, lo que pasase después sería lo de menos. Muchos pensaron que el reencuentro del matrimonio se iba a ver frustrado por algún balazo de los de Widmore o por las vallas electrificadas. Parecía obvio que ese sería el golpe de efecto maestro del episodio, reunir a Jin y Sun para matarlos en la misma escena. Pues bien, aunque esto no ocurrió, la teoría no andaba desencaminada. Un episodio después, los dos mueren ahogados en el submarino. Aunque los veamos con toda seguridad en los sideflashes (y aunque nos quede la remota posibilidad de que alguien los salve en el ultimísimo momento), no es como una de tantas muertes que nos han insensibilizado a lo largo de la serie, sino que se siente definitiva, y por eso duele más. Más unidos que nunca (idea que viene a representar en cierta manera el idioma inglés, ya en común, lo que más los distanciaba en la isla antes de separarse), se dicen "I love you", después de que Jin vuelva a prometer a Sun que no la dejará nunca más (esta vez en koreano), mientras suena la pieza musical más triste de la banda sonora de Perdidos. Y para rematar, uno de los planos más devastadores que recuerdo: solo la muerte será capaz de separar a los Kwon.

Por lo demás, Perdidos sigue completando ciclos. Lo vemos en las continuas regresiones a las primeras temporadas, y en los sideflashes, donde Jack comienza a deducir que algo raro ocurre (sin necesidad de amor, ni experiencia cercana a la muerte). El doctor Shephard crea lazos con su hermana Claire, y ambos se miran al espejo (Pocoyó tiene la teoría de que al final, tendrán que atravesar un espejo, y no me parece descabellada). Después, Jack trata de recomponer a un Locke destrozado (gran Terry O'Quinn, no me convencía así desde la primera temporada), intentando ilusamente convencerle para que siga su filosofía de vida, que ni él mismo entiende:

Jack: What happened, happened. And you can let it go.
John: What makes you think letting go is so easy?
Jack: It's not. In fact, I don't really know how to do it myself. And that's why I was hoping that maybe you could go first.
John: Goodbye, doctor Shephard.

Y mientras Jack intenta salvar sin éxito a Locke en la realidad alternativa (mirad la descorazonadora sonrisa de ilusión y certeza después de darle el consejo a John), consigue salvar de la muerte a Sawyer en la isla (verás cuando se despierte y vea la que ha liado). Como veíamos en el capítulo anterior, el doctor sigue cumpliendo paso a paso el manual para convertirse en héroe. Y permitidme que una semana más haga referencia al tema, pero es que en "The Candidate", Jack llora también, y además, llora mucho. Y lo que es mejor, no solo él llora. Se agradece una escena dedicada exclusivamente a mostrar el dolor de los personajes tras una muerte, algo que no se suele hacer (también es verdad que ni hay tiempo, ni todas las muertes conllevan una reacción de este tipo. Jin y Sun eran especiales, para nosotros, y para ellos). Lo más gracioso es que mientras Kate y Hurley lloran por la muerte de Jin y Sun (a Sayid que le den), Jack se retira a la orilla a sollozar como un niño sin que lo vean los demás (nosotros sí lo vemos, total, estamos muy acostumbrados a ver al héroe de la película lloriquear). Y a todo esto, con todas las emociones provocadas por los eventos del submarino, nadie se acuerda de la pobre Claire después de que Sawyer cerrase el submarino dejándola tirada (a él no le bastaba con intentarlo una vez). No puedo con lo mal que la están tratando. Niña, saca el hacha, que se enteren de quién es Crazy Claire.

¿Qué estáis haciendo?

2010-04-26T20:13:00.005+02:00

Algunas veces, lo mejor es dejar a los secundarios detrás de sus mesas. Si no, te arriesgas a caer en despropósitos como la escena del restaurante de "Secretary's Day" (6.21). A mí no me jodáis a un personaje como Erin de esta manera, ¿eh?

Esperemos que para la séptima temporada, The Office recupere un poco el rumbo.

Clásicos recuperados: Freaks & Geeks

2010-04-25T18:36:00.027+02:00

John Hughes estaría orgulloso

Imaginad la voz de Joaquín Reyes diciendo "Clásicos Recuperados. HOY: Freaks & Geeks". Con esta entrada, inauguro sección en El fuerte de Fuertecito. Como su nombre indica, la sección será una entrada monográfica centrada en una serie ya acabada o con el recorrido lo suficientemente longevo como para considerarla clásico.

Creada por Paul Feig, en colaboración con Judd Apatow, Freaks & Geeks nace al final de la década de los noventa a la sombra de otras series sobre adolescentes, como Dawson crece (1998-2003). Hasta el momento, los dramas centrados en las vidas de un grupo de adolescentes no habían conseguido aunar el favor de la crítica y el público. Freaks & Geeks continuaría, por desgracia, esta tradición. A pesar de un entusiasta colectivo de seguidores y unas críticas más que decentes, la serie de Feig se daba semana a semana de bruces con la realidad: la gente prefería evadirse con ¿Quién quiere ser millonario? antes que con un grupo de adolescentes marginados a los que, no nos engañemos, semana a semana no les pasaba nada. Si nos fijamos en los dramas norteamericanos en prime time, todos se apoyaban (y se apoyan) en una acusada serialidad, que si bien permitía elaborar tramas episódicas, enganchaba al espectador con cliffhangers e historias románticas que se desarrollaban a lo largo de los episodios.

Freaks & Geeks nacía como una serie fuertemente anclada en la realidad, con mayores dosis de costumbrismo y pocos artificios narrativos. Los "romances" de la serie nunca llegaban a pasar a primer plano, y cuando lo hacían, no respondían a los cánones, sino que más bien se convertían en historias extrañas y algo incómodas, propias de series como The Office (de la que Feig dirigiría más tarde un buen número de episodios). Los episodios solían cerrar una historia concreta que podía influir en los siguientes, pero que no daba pie a la elaboración de arcos argumentales que ocupasen varios episodios (solo el descubrimiento de la infidelidad del padre de Neil, a mitad de la temporada, se acercaría a esto). Además, la serie rara vez recurría a los temas polémicos que veíamos en otras series, como la mencionada Dawson crece. En Freaks & Geeks, ningún adolescente iniciaba un romance prohibido con una profesora. Es más, en Freaks & Geeks, todos los adolescentes despreciaban y trataban con recelo y distancia a sus profesores y guías académicos. Es por todo esto, quizás, que la serie no se convirtió en un éxito de audiencia. Está claro que este tipo de historias llegan a un sector muy reducido de la audiencia, y la cadena en la que se emitía, NBC, no se contentaba con tener a un apasionado grupo de freaks y geeks siguiendo la serie todas las semanas. Es la misma historia de siempre. La serie se canceló dos días después de la emisión del episodio 1.13, "Chokin' and Tokin" (dando tiempo suficiente para que el último episodio constituyese un final para la serie y esta no quedase incompleta como tantas otras series canceladas). Feig confiesa en la edición en DVD de la serie que quizás el hecho de que el episodio se centrase en el habitual consumo de marihuana de los freaks (sin apenas interés moralizante) y llevase a uno de los geeks (Bill) a una experiencia cercana a la muerte, fue una de las razones de la cancelación.

Como ya sucedería con otras series canceladas antes de tiempo (My So-Called Life, Firefly), el culto de Freaks & Geeks fue tan poderoso, que la serie se mantendría en el candelero mucho tiempo, convirtiéndose en un referente indispensable del drama adolescente de calidad en la televisión norteamericana. La serie cuenta con dos ediciones en DVD. La primera de ellas llevó cuatro años en ser completada, puesto que los creadores se negaban a sacar la serie cambiando la música (práctica habitual en Estados Unidos, debido a los problemas con los derechos de las canciones). Más tarde se editaría una edición para coleccionistas (Yearbook Edition) que emulaba la forma del anuario del Instituto McKinley y llevaba horas y horas de contenido extra, ideales para el fan más completista. Se sentía el amor de Feig y Apatow por su creación, y por los que la habían apoyado hasta el final.

Freaks & Geeks cuenta la historia de dos hermanos, los Weir, y su día a día en el instituto durante el curso escolar 1980-81. Sam, el pequeño, forma parte de los geeks, los apestados del instituto, fanáticos de Star Wars y Dragones & Mazmorras, castigados a diario por manifestar físicamente el complicado paso de la pubertad a la adolescencia (de la ausencia de vello en las axilas de Sam se ríen hasta sus amigos). Lindsay, la hermana mayor, está en el último año de instituto. Hasta el momento había sido la estudiante ejemplar (era la mejor de los mathletes), pero luchando en su paso de la adolescencia a la adultez, Lindsay decide romper con su pasado y se acerca a los freaks, el grupo de marginados sociales que, al contrario que los geeks, son populares por su estilo de vida alternativo y su resistencia a adherirse a las normas sociales. A través de los 18 fantásticos episodios que conforman Freaks & Geeks, asistimos a la evolución de estos dos hermanos, que luchan por ser aceptados y encontrar su identidad. La de Lindsay es una historia más satisfactoria. Ella debe luchar a diario con el pasado que la acecha en los pasillos del instituto. Este pasado empollón y recatado viene representado por su antigua amiga Millie, uno de los mejores personajes de la serie, que a menudo pone patas arriba los débiles argumentos que la unen a los freaks. Sin duda, Angela Chase (Claire Danes en My So-Called Life) es el antecedente más inmediato de Lindsay. Ambas series vienen a contarnos más o menos lo mismo a través de sus protagonistas. Aunque el hilo conductor de My So-Called Life era el amor de Angela por Jordan Catalano, ambas series podían resumirse como "historias sobre adolescentes que se buscan a sí mismos".

Uno de los aciertos de Freaks & Geeks con respecto a My So-Called Life fue la descarga de protagonismo de los padres de los adolescentes. Si bien en Freaks & Geeks se podía hablar de falta de profundidad en las figuras paternas (algo parecido, aunque no tan extremo, a lo que sucedía en la primera temporada de Skins), se agradecía que los padres de Sam y Lindsay no fueran más que secundarios que aparecían en pantalla lo justo y necesario para dar sentido (y a menudo solucionar) los conflictos emocionales de sus hijos. Un abrazo de Sam o Lindsay a su padre (genial Joe Flaherty) en el momento justo, nos contaba mucho más de su relación con sus padres que cualquier trama de adulterio o crisis matrimonial en Dawson crece o The OC. Esta puede ser otra de las claves de la cancelación. Por lo general, las serie de adolescentes en prime time incorporan tramas "adultas" para no restringir la audiencia y atraer a un espectro mayor de la población. Pero esto no suele ser suficiente para asegurar el éxito. Por lo general, una serie de adolescentes en prime time en una network siempre será un caso perdido.

Está claro que Freaks & Geeks es una serie con la que sería más fácil identificarse de haber crecido entre taquillas de instituto. Pero como ya hizo John Hughes en los 80, Feig y Apatow consiguen universalizar los conflictos de los adolescentes y los acercan a todas las sensibilidades (o si no lo hacen ellos, ya ponemos nosotros de nuestra parte). Porque freaks y geeks hay en todos los institutos de todo el mundo, y cabe la gran posibilidad de que si estás leyendo esto, tú fueras uno de ellos. Víctimas de bullying, empollones, trekkies, calculines y desastres en educación física, una vez superados los problemas de identidad (aunque queden resquicios), una vez convertidos en adultos (o algo parecido), el visionado de series como Freaks & Geeks (o de películas como El club de los cinco o Superbad) es un visionado pleno. Por eso quizás es tan complicado encontrar una serie de adolescentes que sea buena, porque las que lo son, no son para ellos. Son para nosotros.

Treme-bunda

2010-04-23T10:39:00.008+02:00

"In accordance with university policy": I mean, look at this, it's unbelievable. Two departments, like that. 160 tenured professors. How can they do that? Well, they can, and they have and they will. It is a done deal. Civil engineering, computer engineering, electrical engineering, mechanical engineering, Computer science. I mean, sure. Why would the university train people who know how to build things like, say, computer systems, power grids, levees? Hey, who needs them? I mean, look at what they're keeping. Musical theatre, Digital media, Medieval studies, Women's studies, Jewish studies, African studies. It's all about identity. Let's not learn how to actually do anything. Let's just sit and contemplate the glory of me in all my complexities. Who am I? I am a black Jewish woman, hear me roar. (Creighton Bernette, Treme, "Meet De Boys on the Battlefront", 1.02).

Genial. Genial. Genial. Esto es solo un ejemplo del poder Treme y sus diálogos perfectos. Si el piloto nos sirvió para adentrarnos en Nueva Orleans e infectarnos con su espíritu, su música, su comida, en definitiva, hacernos una idea general, el segundo episodio nos presenta más detenidamente a los personajes, ligeramente más descontextualizados del mundo que los rodea, y más inmersos en sus micro-esferas familiares y laborales. Todo ello sin dejar de hablarnos en cada fotograma de Nueva Orleans, de su identidad, de su fuerza, de su supervivencia. Demasiado buena para ser "real".

Sophie

2010-04-22T12:40:00.011+02:00

Qué lastima. A ciertas luces, parece usted una estrella de cine.

Gracias a la Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton, la popularidad de Mia Wasikowska ha aumentado de la noche a la mañana, resultado más de la gran influencia del director norteamericano en nuestra sociedad que de su trabajo interpretativo en la película. Es lo que hay. La joven actriz es una buena Alicia, pero la película de Burton no es el mejor vehículo para mostrar sus aptitudes interpretativas.

Mia despunta en Hollywood y en el mundo entero, que la recibe como una recién llegada. Pero ella ya es una veterana. Y no por tener un amplio currículum (tiene solo 21 años), sino por haber ofrecido ya una interpretación de las que hacen una carrera. Me refiero a su Sophie de In Treatment. En la serie de HBO, un psicólogo interpretado por Gabriel Byrne mantiene sesiones de psicoterapia con cuatro pacientes (para concluir la semana acudiendo él mismo a su propia terapia con Gina, interpretada por Dianne Wiest). Cada sesión se emite un día de la semana (In Treatment es el único drama de este arriesgado formato en la televisión norteamericana). Sophie es la paciente de los miércoles. Atentar a describir a Sophie sería una tarea inútil y resultaría en algo mucho más vacío de lo que en realidad es. Para conocerla, lo mejor es adentrarse en su psyche a través de los nueve magníficos episodios que cuentan su historia. Así que os animo a descubrirla por vosotros mismos, junto al resto de personajes (todos geniales). Dejémoslo en que Sophie es una de las adolescentes más fascinantes que yo haya visto representadas tanto en la pequeña como en la gran pantalla. Sin exagerar.

La octava sesión de Sophie comienza con la adolescente en el suelo de la consulta de Paul, rodeada de pañuelos usados, llorando porque no es capaz de decirle una palabra a su madre. A lo que asistimos después es a media hora (una de las más intensas de la serie, y desde luego, la más preciosa hasta el momento) de la Sophie más visceral y desbordante, el clímax de la increíble construcción de un personaje. Del llanto más desconsolado a la sonrisa más descorazonadora, Mia no da tregua, y tiene la capacidad de derrumbar emocionalmente a cualquiera lanzando un beso al aire. Vamos, a mí me dejó completamente K.O.

Con suerte, cuando la burbuja de Alicia explote (puede que lo haya hecho ya), Mia será capaz de desarrollar una carrera en la que pueda volver a demostrar su talento natural sin que un universo digital se la trague. Es una pena que su trabajo en la televisión no cuente para muchos. De momento, podremos disfrutar de ella en la última película de Gus Van Sant, Restless, el próximo año. Esperemos que no desaproveche la oportunidad.

Perdidos, "The Last Recruit" (6.13)

2010-04-21T15:17:00.023+02:00

Jack los salvará a todos

El éxodo final da comienzo definitivamente en "The Last Recruit", episodio en el que tramas y personajes convergen adecuadamente para intensificar, aún más si cabe, la sensación de inminente final. ¿Quién no está contento con la temporada a estas alturas? Disipado el miedo de que la sexta podía no llevar a ninguna parte, y cada vez más seguros de que estamos presenciando un desenlace coherente con las cinco temporadas anteriores (en la medida de lo posible), nos unimos a los losties en su aventura definitiva, la que los sacará de la isla. Eso sí, seguimos sin tener claro quiénes son los buenos y quiénes son los malos. Todo lo que rodea a Jacob y el Humo Negro está salpicando la historia de una incertidumbre exasperante (y emocionante), que juega con nosotros como si fuéramos una pelota de ping pong. Pero así es Perdidos, ya lo sabéis, una de cal y otra de arena. Si no, no tendría gracia.

Esta semana, la trama del episodio combina, como es habitual, acción y desarrollo de personajes magistralmente. Es decir, otros cuarenta minutos que constituyen una lección sobre guión para televisión. Veamos cómo avanza la historia a través de los personajes, todos protagonistas absolutos de uno de esos episodios corales que tanto nos gustan. Y todos en proceso de cambio, como expone Jack: "Guess we're all different now".

Desmond aparca temporalmente su empleo como Cupido de la realidad alternativa para hacer directamente de Dios. En esta ocasión une a Claire y Jack tras una escena bastante perturbadora: Desmond acosa a Claire para que le acompañe a ver a su abogada (¡Ilana! ¿Veis? No les hacía falta en la isla, pero en los sideflashes sí), que la está buscando para reunirla con su hermano. Claire acepta ante la insistencia casi psicópata de un Desmond un poco asesino en serie (puede que sea solo yo, pero la escena me ha parecido enervante) y los hermanos se conocen (Jack casi llora). Es el destino, claro, para qué resistirse.

Crazy Claire es genial, no me cansaré de decirlo. Nunca sabes si va a abrazarte o a clavarte un cuchillo. Como Ben en su episodio de esta temporada (y un poco como Jack siempre), Claire es en "The Last Recruit" más niña que nunca. Ahora es una paria de escuela primaria, la apestada que se queda la última cuando hay que elegir equipos en Educación Física, la niña con piojos a la que sientan en un pupitre aparte y a la que todos hacen el vacío (hecho verídico). Sawyer quiere hacerle la guarrada de dejarla en la isla porque está loca. Sawyer malo. Menos mal que está Kate, que tiene una culpabilidad encima más grande que la de Sayid, y la invita a unirse a ellos en su huida hacia la isla Hydra.

Kate lo dice bien claro, volvió a la isla exclusivamente para reunir a Claire y su hijo, Aaron. Por desgracia para Kate, no se trataba de una misión simple (no contaba con Crazy Claire). Aunque por ahora, todo va bien. Claire perdona a Kate y acepta su invitación a salir de la isla. Claro que es un poco tarde para Kate, que desbanca a Jack como el personaje más perdido de Perdidos. Solo tiene claro que quiere salir de la isla con Claire. Por lo demás, Kate sigue sin saber qué quiere, quién es. Las calabazas de Sawyer al principio de la temporada la desorientaron por completo. El cambio de Kate aún está por llegar. Si es que llega.

Sawyer sí ha cambiado. Sin embargo, su cambio es una regresión al Sawyer que conocimos en la primera temporada, un hombre al que solo le importaba una cosa: él mismo. Bueno, vale, hay más, no es justo simplificarlo de esta manera. Está claro que sin Juliet, Sawyer no tiene motivos para seguir siendo LaFleur, así que lo lógico es que vuelva a ser el egoísta macarra de antaño, encarnación absoluta del Sálvese quien pueda (el inglés, Every man for himself, tiene más sentido aplicado a Sawyer).

Sayid tiene la misión de matar a Desmond, pero este, también un poco Dios, le convence de que no lo haga (usando como arma de defensa el amor, claro). Como Hurley dice en este episodio, es posible sacar a los zombis de No-Locke del lado oscuro. Desmond da el primer paso con Sayid. Al igual que Kate con Claire. Pero, ¿es esto bueno? La línea que separa el bien del mal en Perdidos es invisible. Vamos, que no hay línea.

Jin y Sun se encuentran al fin. Y aunque quizás la emotividad de la escena habría aumentado considerablemente de haber ocurrido en el último episodio (y de no tener a Tina Fey tendiéndoles una emboscada), no decepciona. Es una escena de reencuentro en la playa en toda regla. Ambos recorren lo que parece una distancia kilométrica para fundirse en un abrazo. La música pasa a primer plano y se dicen "te quiero". Y entonces Sun le dice a Jin: "no he dejado nunca de buscarte", y nosotros pensamos "¡es verdad, Jin, que yo lo he visto!" Sun recupera su capacidad para hablar inglés (el amor es lo que tiene) y ambos tienen su precioso final feliz. Lo que pase después, será lo de menos.

Jack tiene una importante conversación con el Humo Negro, que le explica que ahora que Jacob está muerto, pueden salir de la isla. Claire cree que Jack ha caído en las redes del Humo Negro, como ella y Sayid. Y yo, de la misma manera, creía que las acciones de Jack al final del episodio podían ser resultado de su conversión en zombi de No-Locke. En la misma conversación, el Humo Negro le revela que su padre muerto, a quien vio el tercer día en la isla, era en realidad él. Entonces, Jack llora (nosotros no, que ya lo sabíamos). Poco le ha durado a Jack el cambio del que hablaba en mi anterior review. Ha pasado de pasivo a activo en un abrir y cerrar de ojos. En la primera mitad del episodio, Jack sigue dejando que los demás decidan por él. Mientras No-Locke prepara la partida y Sawyer urde el plan para huir a la isla Hydra, Jack se sienta en un tronco y espera instrucciones. ¿No-Locke o Sawyer? James se le acerca primero y le pide ayuda. Jack se levanta como un niño obediente y se va con él. Al final del episodio, Jack ha vuelto a cambiar. No-Locke le había desvelado la clave: quizás salir de la isla sea un error, porque es precisamente lo que quiere No-Locke. De esta manera, Jack decide no seguir ni a No-Locke, ni a Sawyer, ni mucho menos al malvado de la función, Charles Widmore (porque este sí es malo, malo, ¿no?). Una vez recuperada su voluntad, decide seguirse a sí mismo (y al verdadero Locke) y salta del barco para regresar a la isla. A pesar de las dudas que nos pueda plantear su conversación con No-Locke, el doctor cambia de opinión por voluntad propia. Jack parece encaminado a convertirse en el héroe que ya se había resignado a ser. Pero, ¿nos podemos fiar de alguien en Perdidos? Yo estoy seguro de que, sea como sea, Jack Shephard los va a salvar a todos. Y después, llorará.

Cómo conocí a vuestra madre: Showdown

2010-04-20T16:27:00.007+02:00

"Zoo or False" (5.19) VS. "Home Wreckers" (5.20)

Acabo de ver los dos últimos episodios emitidos de Cómo conocí a vuestra madre seguidos. La irregularidad de esta temporada (episodios muy malos, alguno decente y uno o dos bastante buenos) queda más patente de esta manera. Viendo "Zoo or False" y "Home Wreckers" seguidos, los defectos y virtudes de la serie saltan más a la vista. Aunque no es como ver los episodios de Los Simpson que está emitiendo últimamente Antena 3 (uno muy nuevo seguido de uno antiguo), una experiencia terriblemente deprimente, porque en realidad, esta irregularidad de Cómo conocí a vuestra madre es muy leve. Más o menos, toda la temporada está manteniendo el mismo (bajo) nivel, y las diferencias de calidad entre un episodio y otro no son tan abismales como en el caso de Los Simpson, lo que nos llevaría a otro debate totalmente distinto (entre los episodios de Cómo conocí a vuestra madre ha pasado una semana, en el caso de Los Simpson, una década).

"Zoo or False" tiene unas cuantas ideas buenas, pero resulta aburrido y pesado. El juego verdad/mentira podría haber dado mucho de sí, pero no es más que una sucesión de chistes malos y momentos over-over the top de Barney. El mono es la estrella del episodio.

"Home Wreckers" es HIMYM clásico. Aunque sea de manera increíblemente torpe, regresamos a la premisa de la serie: Ted buscando desesperadamente a la mujer de su vida para formar una familia. Pero eso no hace que "Home Wreckers" sea bueno, sino:

- un puñado de saltos en el tiempo, algunos de pocos segundos (cuanto más corto es el salto, mejor es el chiste),
- unos secundarios estupendos: la madre de Ted y su novio (Harry Groener, el alcalde Wilkins de Buffy) y el inspector inmobiliario son el "mono" de este episodio,
- una simpática adición a la mitología de la serie (otro juego, "Drunk or Kid"),
- un poco de sal gorda (muchos chistes sexuales y una madre colocada) para compensar el sentimentalismo barato que a menudo salpica la serie,
- y el Barney más auto consciente, el que más me gusta.

Barney: Guys, guys, gess what Robin just did... (flash al presente) And then I told you guys what Robin just did, but you were there for that.

Mujeres desesperadas, "We All Deserve to Die" (6.19)

2010-04-19T22:18:00.013+02:00

Esta semana, en Mujeres desesperadas:

1. Gabrielle se ofrece a Bob y Lee, los gays de Wisteria Lane, como donante de óvulos, pero cree que va a ser la madre y que va a tener influencia en la vida del bebé (claro, Gabby, claro). Cuando descubre, sorprendidísima, que Bob y Lee piensan criar solos al niño, vuelve a casa agradecida porque ve la cara de sus niñas gordas todos los días.

2. Bree sigue queriendo más a su hijo falso que a su hijo de verdad. La Van de Kamp se juega su carrera editorial en una noche, y está a punto de perderla porque alguien ha saboteado su menú. Orson abre los ojos (le cuesta) a Bree: Sam, su nuevo hijo y empleado puede estar detrás de todo. Más tonta que Gabrielle.

3. Susan atasca las tuberías de sus "amigas" de Wisteria Lane para que Mike tenga trabajo y no se sienta un fracasado y un mariquita por no poder hacer frente él solo al pago de su coche.

4. Lynette consigue el expediente policial de la prometida rusa de su hijo: es una timadora internacional que se casa con hombres para desaparecer después con todo su dinero. Lynette desenmascara a la rusa, que confiesa sus fechorías sin saber que su prometido está escuchándolo todo detrás de la puerta (!). Y hablando de "detrás de la puerta", no podemos no mencionar la escena en la que Lynette está en el cuarto de su hijo, que llega de improvisto a casa, obligándola a esconderse detrás de la puerta del armario. Dos escenas abrumadoras. Bravo, bravo, bravo.

5. El ex de Angie (John Barrowman) está escribiendo la novela americana de siglo XXI. El chico Bolen, que le sirve café todos los días, le está ayudando, sin sospechar que es en realidad su padre, y que este ha decidido arrebatárselo a su madre por habérselo llevado lejos de él años atrás. Ley del talión y clímax desesperado. Qué bien.

6. Y se descubre quién es el asesino en serie de Wisteria Lane. Espera, ¿había un asesino en serie? Resulta que es el amigo de los gemelos Scavo, que al final del episodio se lleva a la rusa en coche y la estrangula. ¡Viva!

Hace unas temporadas, esta "mera" exposición de tramas no haría justicia a lo que en realidad era Mujeres desesperadas, una exquisita comedia dramática, un culebrón de calidad con personajes geniales y tramas muy divertidas, una gran serie que uno no debía juzgar por las tapas. Era fácil pensar que no había calidad en una serie de este tipo, pero la había, y a veces, en grandes cantidades. Hoy en día, las tramas de cada episodio, por muy ridículas que suenen, no representan a la vergüenza ajena que uno puede llegar a sentir viendo la serie. Calamidad.

Treme, señores

2010-04-15T18:02:00.001+02:00

De los creadores de The Wire (serie clave para entender la evolución del drama televisivo norteamericano de la última década que yo AÚN no he visto), llega a HBO otra serie que promete (y empieza dando) calidad, sin ajustarse exactamente a los cánones del drama en televisión. Treme no es una serie tan fácil de asimilar como la mayoría de series actuales, incluso las de su cadena. Es una serie de televisión porque cumple (o cumplirá) los requisitos de periodicidad semanal y duración por capítulo. Pero poco más. He aquí la última de las muestras de la dilución de las fronteras entre cine y televisión.

El piloto, "Do You Know What It Means", está dividido claramente en dos partes que separadas por la mitad conformarían dos episodios ligeramente independientes, pero juntos se ven como una película. Y no solo eso, sino que además, Treme no es un drama televisivo al uso. Es básicamente un docudrama de factura impecable (obviamente), en el que la realidad de las calles de Nueva Orleans tres semanas después del huracán Katrina se funde (después de reconstruirse) con la ficción de sus personajes. De la misma manera que la música se fusiona prodigiosamente con los acontecimientos del episodio, siendo trasfondo omnipresente y funcionando como hilo conductor.

Treme se llevará todos los elogios esta temporada televisiva. Y será con razón. Durante diez episodios degustaremos la variedad de sabores de Nueva Orleans y nos deleitaremos con las caóticas notas de la propuesta. Y ya está confirmada la segunda temporada. Vamos bien.